绘画鉴赏论文篇1

关键词：新课改；美术公开课

中图分类号：G620文献标识码：A文章编号：1003-2851（2011）04-0153-01

对来自农村的学生来说，在体育、音乐、美术这“小三科”中，不受多数学生欢迎、上课没有兴趣的就是美术课，除了讲授的内容比较枯燥和单调外，就是课堂氛围缺乏激情。因此，作为一名新教师要上好美术课确有一定的难度，而要上好一节公开课则难度更大。

这位美术教师讲的是“走进具象艺术”，其教学环节是复习提问、导入本节课的内容，再提出本节所讲的“具象艺术”的特点，由讨论引出课本中的一些名画，一切都是按部就班。在赏析了几幅其他的画之后，教师在黑板上展示了一幅仿真的北宋张择端的名画《清明上河图》，当教师讲到这幅画所包含的历史意义及价值时，学生顿时活跃了起来。教师按画中结构分为“郭外的春光”“繁忙的码头”“热闹的市区”三部分，分别讲了画中所表现的风土人情、都市风貌、商贾集市、码头河运、达官显贵、酒肆茶坊等等，其实这些都是画中的基本常识。接着学生在课本中开始争着寻找画中一些有特色的景物。画中逼真的情景让学生个个惊叹不已；直至下课时学生还沉静在对画中景物的观察中，沉静在感叹艺术家那高超的思想性和艺术性中。这节课其实不仅让学生学会了怎样结合绘画产生的背景去欣赏画面所反映的物象，而且也学到了鉴赏名画的一些基本知识。笔者认为，这节课的成功之处就在于教师在新课改理念的下，在课堂教学中充分把握了培养学生兴趣的环节：

一、在鉴赏中融入了文学知识

教师在分析了《清明上河图》的画面后，接着提出画题“清明上河图”中的“清明”一词让学生思考。虽然只是语文知识中一个简单词语，但由于词义的多义，使图画的寓意由具体转为泛化，在更深层次上凸显了画的创作意义，进而更加引起了学生的兴趣。最后教师根据学生的回答结合材料进行了点拨：一说“清明”是指画中描绘的是清明这一具体季节前后汴京的风貌；一说“清明”是指汴京地区某个具体的地方；一说“清明”反映的是当时社会物贸繁荣、商贾云集、国富民裕、政治清明的社会景象，对这些“点拨”教师都未作肯定的回答，而是让学生再结合画面产生的背景去判断、去思考。

二、在鉴赏中融入了历史知识

课堂上教师同时还讲了几幅画，讲每幅画前都要重点强调作者生活的时代。教师引导学生：具有艺术价值的画，不仅其具有超高的艺术造诣，同时还能反映出时代镌刻在画面上的历史痕迹，让后来者通过对画的鉴赏去领略画产生时的时代特色。《清明上河图》反映的是宋代末期的宋徽宗时代，大家要用已学的历史知识来回答一下当时的社会有什么特点？同学们边讨论边争相回答了宋徽宗时代一些特定的社会现象：社会处于相对的稳定，人民群众生活相对的富裕，国家相对的安定等。所以，这幅画反映的就是该时代社会生活的缩影。

三、在鉴赏中融入了政治知识

教师让学生根据教材中《清明上河图》和西班牙作家委拉斯凯兹的油画《教皇莫诺十世》先进行对比讨论：看看从画面上能看到作者有怎样的政治倾向？根据学生的讨论，教师点拨：在《清明上河图》中作者极尽渲染之能事，竭力颂扬和粉饰了当时社会的国泰民安，它既是对宋代社会现实的真实描绘，也是对统治者的歌功颂德；而西班牙作家委拉斯凯兹的油画《教皇莫诺十世》则借画面中教皇表情的呆板表达了作者对“教皇”的讥讽与不满。历史上任何一个时期的政治不仅反映在社会风貌上，同时也反映在作家的意识形态中，作家或有意无意的把对事物的爱憎喜怒往往表现在自己的作品中，所以作品的主题也都蕴含着极强的政治倾向和政治意志。因此，在鉴赏中学要会联系和把握作家政治倾向对社会的影响，才能更有助于鉴赏作品的实际意义。

四、在鉴赏中融入了社会知识

教师让学生思考：把《清明上河图》中描绘的景物与现在进行比较，看看发生了哪些变化？变化的是什么，没变的又是什么？任何一个时代都有其张扬的社会发展标志。当时代不断发展变迁后，前代的遗留物都镌刻着时代的痕迹将成为后代的文物，这些文物多数都具有不可再造或逆转性。学生讨论认为：没变的就是《清明上河图》中的“上河”，她是自然界造就和孕育的连接各个时代的链条，是中华民族生生不息的灵魂，她川流不息地贯穿于人类社会发展的各个时代。而变化了的是同样生活在“上河”边上的百姓，随时代的变化，人们的衣食住行或生活习惯都在发生着翻天覆地的变化，在不断展示着人类向更高的文明化迈进；同时变化较大的还有，就是随着社会的发展，现实中存在和暴露出了各种显性和隐性问题，如植被的破坏、资源的浪费、森林的滥伐、河水的污染、湿地的减少、沙化的剧增等等的环境恶化现象，导致现在大部分地方已经看不到清澈的溪流、河水，看不到随处可见茂密的树林……

五、在鉴赏中融入了审美教育

绘画鉴赏论文篇2

关键词：绘画艺术鉴赏教育美术教育

每一个视觉健全的人都有一定的审美能力，能从个人的角度欣赏一幅绘画作品；但要从专业的角度进行鉴赏却并不是每一个人都能做到的。鉴赏是一种后天专门训练所获得的能力。因此，鉴赏高于欣赏。初中美术欣赏主要通过欣赏活动来培养学生的审美能力，而不是掌握多少美术史论和多少美术技法理论，其根本目的是学会用一种美好的心态面对社会、面对未来。教育的任务不仅是用知识来充实学生的头脑，而且要发展他们的智力和才能，教学应当促进人的全面发展，有助于人的高尚品德的形成。

新课程标准指出："应通过美术学习，使学生认识人的情感、态度、价值观的差异性，人类社会的丰富性，并在一种广泛的文化情境中，认识美的特征、美术表现的多样性以及美术对社会生活的独特贡献。长期以来，学校美术的评价只是单纯的技巧技能的考查评价，忽视美术欣赏能力的培养。在我们的绘画艺术教育中，我认为应将绘画欣赏作为其基本内容，单纯靠学校每周一、二节课的课堂教学来训练来练就绘画赋形表现能力，无疑是不自量力的。而培养绘画欣赏能力无疑是美育的主旨，也是学校教育可以实施见效的。这在西方许多国家都曾达到验证。

但如何培养学生的欣赏能力呢？我认为应该按以下四步来进行：

一、简单描述

新美术课程标准首次提出了"情感、态度、价值观"的概念，其目的是强调通过学生亲自参与美术活动来体验和感受活动的价值，从而形成自己的艺术和价值观念。美术欣赏是一项审美活动，它需要通过自己的思维活动如观察、判断和想象来感悟美术作品，这种活动更需要个人的审美感受和情感的体验。

情感是审美活动的中心问题，美术作品大部分是以精神产品为主的，它通常表现艺术家某种思想和观念，主要作用于人的情感领域。

学生由于生活阅历、审美经验、知识修养的不足，能对美术作品积极主动地欣赏是比较困难的。教育学家第斯多惠在教师规则中讲过："我以为教学的艺术，不在于传授的本领，而在于激励、唤醒。

因此，在欣赏的开始，应先抛开含义、价值判断、背景等因素，只让学生指明画面上存在哪些物象，用语言表达直观看到的和感受到的。对变形较大的作品，指出原型；对抽象作品，可指出画面存在哪些形状、色彩、结构等，使学生注意到应该注意的所有方方面面，这很重要。因为人们在看画时，常看主要形象而忽略其他，或只看自己感兴趣的而忽略其他细节。

二、形式分析

形式分析是将感性立即转化为理性分析。我们要解决的不再是作品给你什么感受，而是画家是如何使你产生这样感受的。这就是需要从艺术语言和作品的形式感来分析，来探讨色彩、形状、线条，肌理、人物描绘的特点，分析部分与部分、部分与整体、图和底的关系等。这是鉴赏中的重点，也是难点。

如夏加尔的《举杯.双重自画像》，学生通常能感受到画面中的快乐气氛，通过教师诱导和提示，学生会发现原来这种氛围是画家刻意营造的，夏加尔所追求的单纯的形、色、人物动态都体现了天真和童趣，欢乐和喜悦的气氛来自人物的表情和动作，压缩的风景和高举的酒杯也起了很强的烘托作用。

形式分析是帮助学生了解和把握形式美的规律，体验和品鉴形式美的意味，可以由浅到深，由点到面，由形象到风格。分析时切忌繁琐和硬性解剖，破坏作品的整体生命。

三、意蕴解释

意蕴是作品中的一切有形事物的无限延伸因素。意蕴解释是绘画鉴赏的最深层次，从外在层面到内在层面的探讨。对超越画面形象即"象外之象"的刨根问底，当然，我们不能只中循迹而求。

意蕴解释的成败关系到能否使学生对作品产生共鸣。由于有一些作品是缺少意蕴的，有一些作品其意蕴在可喻不可喻之间，有时教师很难将超越作品的意蕴揭示出来。加之学生缺乏精神上和生活上的深度体验，如明代沈颢所言："看画以林泉之心则高，以骄侈之目临之则卑"，要很好地领悟和体会作品意蕴，这就需要教育来长时间循序渐进的浸润和弥散。

仍以《举杯.双重自画像》为例，通过对作品背景的介绍，让学生知道，这幅画表现的是夏加尔自己和他的妻子。他把自己画在妻子的脖子上，高举起酒杯，以庆祝他们生活的幸福.和谐与快乐。再通过对个性、思想、艺术观的介绍，学生就能够理解画家为什么会画出这样的人物动态，为什么会有这样的表达方式，进而领会画家的意图，分享画家的喜悦之情，欣赏他富有儿童般幻想的艺术魅力。

四、价值判断

价值判断是从内容与形式、风格与风味、革新与继承等方面对作品的优劣作出判断，可以参考专家对此的批评与评判。而艺术是非常复杂的现象，所以教师可以有自己的倾向性意见，但不宜以一己之见，或封闭的、独断的评判来概括和指导学生，而应当采取开放式的、多元的评判、引导，启发学生自己学会对作品进行评价。教师应尽量收集各种意见，以激发学生的思维，开阔学生的视野。

绘画鉴赏论文篇3

关键词：中国国画；格调；雅俗共赏

0引言

对于中国国画而言，绘画的格调是至关重要的，可以充分体现出绘画者的能力、思想感情、绘画风格等，对于一个画家而言，最大的弊病就是画风的低俗。雅与俗的此消彼长表现出了绘画格调上的本质性差异，雅俗观存在于人的心性之中，体现着人的本性，并不会因为技巧的修炼和年龄的增长而改善，也不会因为身份和地位的改变而变化。对于画家而言，正确处理雅与俗的关系，确保自己的作品实现雅俗共赏，获得最为广泛的关注和共鸣，是艺术追求的最高境界。

1中国画雅俗观念的由来

我国雅俗观念的提出最早可以追溯得到奴隶社会时期，在当时的社会背景下，雅俗之分就是贵族与平民之分。而随着社会的不断发展，以及历史文化的不断积累，在文人的介入下，雅与俗的内涵逐渐产生了较为微妙的变化，雅的称谓逐渐成为追求远达、品德高尚、知识渊博以及具有大智慧的文人雅士的代名词。

到了隋唐时期，我国的文化沉淀达到极致，诗词、书法和绘画艺术得到了极大的发展，也逐渐成为当时文人的追逐对象。在他们看来，这些艺术追求的品味较高，可以体现出自身的儒雅气质。五代时期南齐谢赫在《画品》提到：“夫画品者，盖众画之优劣也……谨依远近，随其品第，裁成序引。”将品格作为判定中国画高下的重要因素，雅俗之分正式应用于绘画艺术，传统绘画中的雅与俗，实际上就是品鉴之风的延续。

2中国画格调的雅与俗

在我国古代的文人当中，如果自身的眼界不高，见识短浅，是没有资格对书法和绘画进行品鉴的，通俗性的东西则根本得不到品鉴。书法诗文的讲究，绘画原理和书法意境的要求，以及品评和见识的高下，都对文人雅士提出了更高的要求。由于受到当时社会风气的影响，很多画家崇尚自然，追求所谓“天人合一”的境界，以恬静淡薄的自然来表达自身的思想感情，其绘画内容多以山水鸟鱼为主，表达出一种自然、沉静、淡薄的意境，受到高雅情操的文人的偏爱；被称之为雅；而另一部分画家则更加贴近生活，其绘画内容多表现人们的日常生活或包含富贵吉祥之气，受到士族贵胄以及普通平民百姓的喜爱，但是因其取材于市井，所以被看成俗，雅俗之分也由此而来。

中国国画的雅俗之分，并没有官方认定的评判标准，而是以传统观念对于雅俗的认识来进行划分的，以绘画的内容和文人雅士的自身认识为前提。在中国画的评定中，雅与俗的定义和内涵都是极其丰富的，雅可以分为高雅、典雅、清雅、风雅、幽雅、雅逸、雅境等，而俗也可以定义为庸俗、凡俗、恶俗、媚俗、通俗、世俗等，对于历代文人以及画家而言，如何趋雅避俗是极其重要的课题。雅与俗在中国画中的对立是十分明显的，也是互不相容的，这也造成了中国画严重的两极分化，或大雅，或大俗，极少出现中间作品。中国画的雅与俗，实际上是画家文化内涵与修养在画面的特殊体现。

3雅与俗关系的转变

雅俗关系从产生开始，一直是相互对立的，似乎完全没有融合的可能。但是，单一的雅或单一的俗都是很难发展和长期存在的，俗的代价是荣誉感的缺乏，无法得到高雅人士的认同，而雅的代价则是知音稀少，难以为广大的平民百姓所接受。雅与俗的分化和冲突在历史的不断发展中愈演愈烈，几乎成为了不可调和的矛盾。但是，明末清初时期，受到经济发展的冲击，绘画逐渐商品化，也逐渐打破了绘画艺术中的雅俗界限。而实际上，在我国后期绘画史中，在经济发展和利益的推动下，出现了两种不同身份的画家，一种是被称为“利家”的文人画家，另一种是被称为“行家”的职业画家。前者社会地位较高，生活条件较好，而后者地位地下，以卖画谋生，对专业技能要求较高，但相对而言文化层次较低，还需要考虑买画者的艺术口味，因此趋于谐俗，与文人画家脱离生活实际，盲目追其高雅，注重绘画的自我娱乐性形成鲜明对比。

随着明清时期商品经济的发展，人们的审美观点发生了改变，也导致文学领域个性解放潮流的出现，对“俗”有了更为深刻的认识。当俗包含普及、大众化等意义时，逐渐由原来的贬义转变为褒义，随着中国士族结构的土崩瓦解，市民文化渐成气候，文学艺术诸多门类中都出现了雅俗交融的现象，即俗对雅的渗透，雅对俗的迎合，文人画家出现了世俗画的倾向，在思想、行为和艺术上或多或少地顺应了下层市民阶层的喜好，开始表现出朴素的平民主义思想，文人画家的视野逐渐投向社会现实.在题材的选择上，呈现出向生活的靠拢、亲近与深入，这一点最早在北宋张择端的传世巨著《清明上河图》中表现出来。

雅与俗从对立逐渐走向统一后，两者都得到了一定程度的发展，并不是俗对雅的颠覆，或者雅对俗的同化，而是一种对双方的解放。雅俗融合后的观念中，雅为含俗之雅，俗为含雅之俗，都高于传统观念中的意义。对于中国画而言，雅俗共赏的审美标准逐渐成为主流，体现出俗中生雅的动态概念。雅俗共赏的自身特点是宾主之分仍然十分明确，虽雅俗相融但是俗不伤雅。雅俗共赏并不等于要降低绘画作品的质量和水准，而是要在保证质量和意境的前提下，做到形式内容的通俗化和大众化，正如我国当代著名作家茅盾所言：“我们要适合于民众的趣味，但是同时要提高民众的趣味。”同时，作为新时代的审美标准，雅俗共赏必须具备以下几个基本条件：

（1）绘画的题材和相应的内容必须贴近现实生活，可以为普通大众所接受和了解，易于欣赏和品鉴，不能出现普通民众无法理解的内容；（2）必须具备丰富的多层次性特征，可以为不同知识层面和鉴赏能力的人们所接受和欣赏；（3）必须在立足实际的前提下，对人们错误的审美意识和审美观点进行匡正，提高民众的趣味和审美水平。

4结语

中国国画是对我国五千年历史文化积淀的表述和展现，是对于社会文化和人文精神的描述，并不能简单的以雅或者俗来定义。要结合绘画的时代背景，对作品的意境进行正确的分析和鉴赏，以雅俗共赏的审美标准，超越传统雅俗观念的限制，推动我国绘画艺术的多元化发展。

参考文献：

[1]彭建华.中国画论中的“雅”“俗”之变[J].美术观察，2008（10）：111.

[2]蒋逸.中国绘画的雅俗问题略论[J].艺术百家，2010，26（z2）：226-228.

绘画鉴赏论文篇4

关键词：比较法高中美术教学美术鉴赏

一、比较法概述

1.概念

比较法是根据某一标准，筛选有联系的事物的相同点和不同点，以实现事物的分类。这种方法是一种以直接感知为主的对照方法，可以把握事物的内在联系，并从根本上把握事物的本质特征。比较法是确定事物异同点和联系的思维过程，任何事物都能在相互比较中凸显差异性。借助对比法能让人更加深刻地感受到事物的异同。在美术鉴赏中应用比较法，教师可对不同艺术作品进行比较、分析、理解和评价，从而使学生更进一步地理解作品的内涵。

2.特征

（1）可比性基于对不同作品进行比较，在比较对象的选择中，教师要根据学生的认知范围，选择学生容易理解和接受的作品；同时，要避免为了比较而比较。不同美术作品的可比性建立在提高学生学习效率的基础上，主要目的在于更好地服务教学。（2）经验性在高中美术鉴赏中，学生在生活经历、理解程度和艺术修养方面均有差异，在比较中会重视自己的经验。教师要注意引导，让学生在对比分析中发现自己的不足，并应用科学的比较方法，提高自身的审美水平。（3）超越性美术作品来源于生活又高于生活。美术作品的非孤立性决定了比较法的超越性。在比较中，作品体现出的内涵有可能超过鉴赏本身，也有可能超越时间和空间的限制。通过对一切可比较的艺术现象或者艺术作品的比较，最终能达到鉴赏和理解的目的。

3.教学目标

高中美术鉴赏中应用比较法的教学目标在于：第一，使学生理解比较法在学习中的重要性，同时掌握比较法的具体操作方法；第二，教师要通过介绍、引导，使学生在与教师、其他学生交流、互动的过程中，掌握比较法的应用特征与效果；第三，以反思和总结的方式分析教学中存在的问题，使学生在今后的实践中自主拓展比较法的应用。

二、高中美术鉴赏中比较方法的应用意义

1.提高审美能力

审美能力主要表现在发现、欣赏与表达等方面。美术鉴赏课程可为学生提供视觉与感知层面的教育指导，使学生学会在海量的美术信息中筛选自己需要的素材。在高中美术鉴赏中，比较法是一种能够帮助学生实现美术作品鉴赏的重要方法，应用比较法有利于提高学生的审美能力。如，在素描基础构图讲解中，教师可在课堂教学中为学生展现不同的构图方式，并引导学生进行比较，从中选择出最和谐的构图模式。又如，在美术创作材料与技法的讲解中，教师可通过对比不同的材料与技法所产生的视觉效果，让学生综合分析出一种最适合表现主题或内容的组合。

2.培养创造性思维

艺术欣赏具有创造性，美术鉴赏能够帮助学生提升学习能力，培养创造性思维。高中美术鉴赏课程的受众群体是广大高中生，这一阶段的学生已经初步形成对于事物的分析、判断、想象和推理能力，但是并不完善。通过比较法，学生可以在教师的启发和指导下更独立地思考与发现，并将自主探究得出的结论应用于艺术性创造。比较法能增强学生对于作品风格的感知能力，使他们能更充分地理解作品的主旨。将这种方法融入逻辑思维，不仅能帮助学生进行美术鉴赏，而且能引导学生发现生活中的美。

3.促进个性发展

高中美术鉴赏教学的目的并非是将每一名学生都培养成为艺术家，而在于提高学生的美术鉴赏能力、艺术创造能力以及美的修养。将比较法应用到高中美术鉴赏中，可增强课堂的敏锐性和灵活性，帮助学生更好地体会美术艺术作品与社会、自然、生活之间的联系，感受不同风格、材质、形式的独特艺术性。如，在通过横向比较方法对比、分析中国美术作品与西方世界美术作品时，学生能加深对中国传统艺术文化的理解，同时也能更尊重多元的世界文化，在开阔眼界的同时，表达自我意识，达到求同存异的目标。

三、高中美术鉴赏中比较法的应用方法

1.纵向对比

在不同的历史时期，艺术家对于同一事物的理解会有所不同，因此，在创作过程中，会赋予其不同的含义。在高中美术鉴赏中应用比较法，学生可借助“时间”这一发展标志，运用纵向比较法比较不同时期的同一美术元素的表达方式。如，某地区教师在组织学生进行美术鉴赏的过程中，以鞋子为纵向比较的元素，将不同历史时期画家创作的各类与鞋子相关的艺术作品，以幻灯片的方式展示在学生面前。其中，有我国魏晋时期的丝织履、唐朝时期的锦缎鞋、宋朝高筒靴等。通过纵向对比的方式，学生从鞋子的颜色、绘画技巧和画面构造等方面阐述了不同时期鞋子的不同特征，了解了我国历史文化的发展脉络。这种方式不仅让学生掌握了不同时期鞋子的特征，而且提高了学生的观察能力。

2.横向对比

（1）不同地域的对比在鉴赏不同地域的美术作品时，教师要明确这种对比方式涉及的艺术作品范围大、题材丰富且受众广泛。为了避免时间和空间上的差异性对美术作品鉴赏产生影响，在高中美术鉴赏中，教师可以选择横向比较法。通过对同一时期不同地域的美术作品鉴赏，学生可以看出我国传统艺术作品创作中的“道”。道家思想与中国传统绘画有着不解之缘。我国传统绘画作品集中体现了“意在画外”和“寓情于景”，水墨画尤其展现出了追求独立和精神理想抒发的强烈情感。与之相比，西方社会的绘画艺术则更加理性，贴近实际生活。西方社会的绘画作品与自然之间的关系在于“模仿”和“遵从”，历史上许多绘画艺术流派的诞生，都是基于真实、理性的审美心理。（2）不同流派的对比不同流派之间的对比分析也可以被归类到横向比较范畴之中。如，在“中国近代美术绘画艺术鉴赏”教学中，教师可以着重对比分析岭南画派与上海画派两个流派美术作品的特征。其一，岭南画派。岭南画派的名称来源主要是因为其代表画家如高剑文、陈树人和高奇峰等人聚集于广东地区，因而被称为岭南画派。岭南画派艺术家在美术创作中，主要借鉴了西方社会西洋画的绘画技巧，十分擅长素描和写生，并将吸收的外来绘画艺术技法与本土绘画模式相融合，最终形成了独特的岭南画风。岭南画派是中国近代美术史上的代表流派，其改革了传统国画，吸收、借鉴了西方美术绘画创作的技法。不仅如此，其在创作与发展中还积极传播新思想，推广美术教育，宣传图画革命，强调了时代精神，摆脱了传统观念的束缚。其二，上海画派。上海画派的代表人物有赵之谦、吴昌硕、任颐和虚谷等人，主要是由一群旅居上海一带的江浙画家组成。上海画派画家在创作中十分注重写意和泼墨，并结合了篆刻和书法的技巧。他们擅长动物、人物、花卉、果蔬的写生。上海画派在创作中积极吸收了西方社会在美术创作中的积极因素，对我国的传统艺术绘画作品进行了创新。此外，上海画派重点提出了将文人绘画艺术作品与民间美术相结合，创作广大人民群众喜闻乐见的艺术作品。（3）不同题材的对比横向比较法还可以被应用到对不同题材美术作品的对比之中。如，在绘画美术教学中，教师要给予学生机会鉴赏雕塑、建筑和工艺美术等艺术形式。这种方式可以使学生在学习过程中，将艺术和实用艺术、大众艺术和单独领域的艺术、历史遗存和现实资源等进行对比研究。在高中美术鉴赏教学中，“大美术”性质的美术课程所占比重较大，这要求教师和学生要重视不同种类美术作品的鉴赏教学，以此丰富学生的美术知识体系。对比不同的美术题材，可突出不同美术种类、美术作品之间的联系，同时能彰显不同作品的特点。不同的美术表现形式对于同一事物的认知视角有所不同，对于事物的关注点也有一定的差异，但是在表达美的方面，却有着十分密切的内在联系。不同题材的表达形式有所不同，但是实际精神却是一致的。

3.艺术与现实对比

现实生活是美术作品创作的源泉，艺术创作源于生活又高于生活，美术作品可以被视为对现实生活的升华。以艺术、抽象、夸张等方式，将现实生活中的美表现出来，是艺术的创作方法。在学习中，教师要注意引导学生把握现实生活与艺术作品之间的联系，使用观察比较方法，感受其中的意境，同时欣赏生活中的美。如，某地区高中美术教师在组织学生学习水墨山水画的相关内容时，将近代水墨画领域的杰出画家李可染先生的画作《漓江胜景图》作为美术鉴赏的范例。同时，教师还收集了一些漓江自然景象的文章、图片与视频影像资料。通过运用将美术作品与实际景观相比较的方法，学生在教师的引导下发现了现实生活中的美术知识，明白了艺术源于生活又高于生活的本质内涵。之后，教师还让学生结合自己的生活经验和美术创作经验，试着将自己的感情注入画作，分析画家在创作这幅画时的思想感情。借助比较法，学生明白了美术作品与现实生活之间的差异和联系，了解了画家运用美术创作的方式，表达对祖国大好河山的热爱之情。

绘画鉴赏论文篇5

关键词：多元示范美术绘画创作重要性

通过多元示范展示不同风格的作品，使学生感受到不同画作的特点，从而帮助学生学到不同画风作品的创作要点与精髓。多元性的美术教学方式主要表现在通过不同作品的展示与学生实践相结合，使学生真正体验到作品创作时的心境，画作的灵魂。多元示范方式从审美与美感体验等方面展开，培养学生对美的鉴赏与认识能力，从而不断强化美术创作的效果。

一、通过交流互动提高学生鉴赏能力

美术绘画主要讲求的就是对美的理解与领悟，学生首先需要有对美的感受，对学生美感的培养主要为了填补学生自身的审美结构，不断提高对美的敏锐能力、鉴赏能力及领悟能力，从而使学生在平时生活中发现美的事物，通过内心情感的混杂，将绘画中的美呈现出来，学生达到这种程度还是需要知识的积累，通过对美术作品的理解，相互之间的交流填补在鉴赏上的空缺，通过不断对美感的训练，从而不断开阔学生视野，不断增强学生的欣赏能力、判断力、想象力、感受能力与理解能力。

互动交流的教学方式就要做到以学生为教学主体，而老师在交流中也要尊重学生观点，对于学生偏见的观点要寄予纠正。互动式的教学方式主要就是通过学生之间的互动表达自己不同的观点，加强学生对于审美的认识能力，这是一种创新形式的教育方式，有利于使更多学生参与其中。例如：老师讲一个“掷铁饼者”，就可以通过参观相关模型，感受其材质，通过视觉与感官上带来的不同刺激，将这个模型所带来的不同的美使学生进行讨论，学生在一个轻松的教学课堂更容易融入整个教学之中，不断增强学生欣赏的全面性。

二、融情于景，提高学生审美能力

感情对于一件艺术作品具有灵魂的作用，作品中感情的融入更加重要，因此在教学中要更加重视学生对于一件艺术作品所融入感情的鉴赏，当然，老师需要介绍作品产生的年代、背景与作者的个性特征来欣赏一幅作品，老师也可以使用电教设备激发学生的听课兴趣，帮助学生在不断提高对作品的审美能力，抓住作品的灵魂所在及其艺术价值，这在一定程度上发挥了调动学生学习美术的积极性的作用。

情景式的教学更加注重声情并茂的表达教学方式，将作品的绘画结构与质地等方面通过语言感情的表达传递给学生。例如：凡・高的《向日葵》，画作中的向日葵有一种动态的样子，而且透出生命般热情的红色，表现了凡・高当时的感情，具有很高的审美价值，通篇都是暖色调，老师通过声情并茂、融情于景的教学方式，帮助学生理解作品所存在的独特美感，不断提高学生审美能力。西方与东方的绘画有巨大差异，东方的绘画更加重视情感的融入，例如：朱耷的一系列作品中动物都是白眼向青天，从而激发学生学习兴趣，不断加深学生对作品的感情体会。

三、在不同美术作品的比较中发现美的特点

对比式的教学方式属于多元化教学的一种，通过不同形式的美术作品的对比，从而发现作品中的创作特点。将相关美术作品放置在同一个方面进行不同对比，通过历史背景、画作流派及民族等，通过作品之间的比较，使得作品个性美更加鲜明。例如：东西方绘画之间的就有很大差别，西方古典绘画更注重真实性，更加注重静态事物的表达，将事物原原本本地搬上画作，而东方绘画则注重意境，通过黑白颜色的碰撞，表达作者当时的感情，更加注重动态事物的表达。

还有就是通过东西方绘画的审美，可以看出西方的绘画发展逐渐国际化，而东方绘画也在不断吸收西方绘画中的优点，从而形成绘画的国际性，但是依然存在不同点。因为东方绘画受到历史发展的影响，依然存在历史特点，注重感性表达，隐含的感情比较多，而西方现代作品更加喜欢直抒胸臆，通过比较使学生更好地记忆不同画派的绘画特点，从而不断提高学生绘画鉴赏能力，从不同中发现美的特点。

四、综合教学促进美术绘画创作

综合教学方式综合了时代、历史、背景、宗教、民族等方面，通过这些方面教会学生从不同方面鉴赏画作，学生通过鉴赏不同宗教的绘画了解个宗教文化，具有很高的历史价值，从而帮助学生促进美术绘画创作。相比于佛教的清修静养而言，西方的基督教更多的是表达人的普遍性问题，从而多表达人的苦难，虽然不同流派艺术作品之间有不同特点，但是他们之间也有一定的共同点，就像是宗教都有一个信仰的英雄，佛教的释迦牟尼，伊斯兰教的，等等，通过不同的背景发现美术作品中美的存在。

通过综合性的教育方式帮助学生拓宽知识领域，提高审美能力填补自身的审美结构，而且美术创作不单单是只有美术这一种，美术创作涉及很多方面，例如：设计、鉴赏、历史、地理等方面知识，通过不同方面知识的学习，使学生得到一定社会知识及经验的积累，促进学生的更好创作。

多元示范注重通过不同的方式让学生更好地了解美术创作所要拥有的知识与能力，而多元示范是一种创新型教育方式，这种方式会提高学生对于欣赏美的敏感程度，促进美术绘画创作效果的强化，对我国社会的进步起到积极的促进作用。

参考文献：

[1]吴鹏，苏.浅析织绘艺术在现代室内环境中的应用[J].美与时代（上），2015（01）.

[2]缪胤，霍力岩.多元智力理论与艺术教育的回归――美国“艺术推进”课程及其对我国艺术教育的启示[J].比较教育研究，2003（03）.