工艺美术运动风格特点篇1

源于欧洲文艺复兴

“巴洛克”风格源于17世纪初至18世纪上半叶的欧洲，其主要特征是通过强调力度、变化和动感，突出浪漫、典雅与幻想。“巴洛克”原是葡萄牙语“Baroque”，意为珠宝商人用来描述珍珠表面光滑、圆润、凹凸不平、扭曲的特征。因其追求动感，夸张尺度，形成了一种极富强烈、奇特的男性化装饰风格。巴洛克艺术风格在文艺复兴基础上发展起来，但却一反对文艺复兴艺术的静止、挺拔、理性的特征，表现为运动感，空间感、豪华感、激情感，追求新奇，戏剧性夸张，并且将建筑，家具、雕塑、绘画等艺术形式融为一体。

巴洛克文化艺术是16世纪末始于意大利，17世纪和18世纪初遍布欧洲和拉丁美洲大部分地区的一种艺术潮流。巴洛克指的是一种艺术风格，指自17世纪初直至18世纪上半叶流行于欧洲的主要艺术风格。巴洛克风格虽然继承了文艺复兴时期确立起来的错觉主义再现传统，但却抛弃了单纯、和谐、稳重的古典风范，追求一种繁复夸饰、富丽堂皇、气势宏大、富于动感的艺术境界。

“巴洛克”成为独特的风格，是由于它在艺术精神和手法上，与盛期文艺复兴有明显的区别。如果文艺复兴可以归为“古典主义”，那么，“巴洛克”就可以归为“浪漫主义”。经历了文艺复兴运动之后，17世纪的意大利建筑处于复杂的矛盾之中，一批中小型教堂、城市广场和花园别墅设计追求新奇复杂的造型，以曲线、弧面为特点，如华丽的破山墙、涡卷饰、人像柱、深深的石膏线，还有扭曲的旋制件、翻转的雕塑，突出喷泉、水池等动感因素，打破了古典建筑与文艺复兴建筑的“常规”，被称之为“巴洛克”式的建筑装饰风格。

巴洛克起源于意大利文艺复兴，但并不是文艺复兴的古典式，而是一种热情奔放的浪漫主义风格。巴洛克式家具强调家具的整体装饰要和谐，采用夸张的曲线条和复杂迂回富有动感的形状；造型上气势宏伟，生气勃勃，富有动感，还喜欢中国漆绘进行装饰。巴洛克风格的家具设计具有真实的生活且富有情感，更加适合生活的功能需要和精神需求。将富于表现力的装饰细部相对集中，简化不必要的部分而强调整体结构，在家具的总体造型与装饰风格上与巴洛克建筑、室内的陈设、墙壁、门窗严格统一，创造了一种建筑与家具和谐一致的总体效果。

在风格上，17到18世纪欧式古典家具主要是巴洛克风格与洛可可风格。巴洛克风格的家具主要是强调力度、变化和动感，把高贵的造型与地面铺饰融为一体，气质雍容。而巴洛克式古典家具与中式古典家也有很大的不同。巴洛克式家具特别重视规律，不能随意更改，而中式古典最大的特点就是随意性。在用料上，中式古典家具是根据家具主人的选择。如果主人家是大户人家，就可以使用名贵的材料；如果主人家没有太多钱，就可以使用普通的材料，而巴洛克式家具的选料是固定的。在制作方式上，巴洛克式家具现在还是保持了原来的纯手工做法，而现在很多中式古典家具都是采用机器化制作，抛弃了原来的手工做法。虽然两者差别很大，但是也并非一点关系都没有。18世纪的巴洛克式家具与中式古典家具还是有渊源的。在巴洛克式家具的发展过程中，也曾借鉴了不少东方元素。

强劲线条浪漫奢华

巴洛克家具非常具有规律性，强调力度、变化和动感，家具的风格、尺寸、用料、纹理、花饰一旦形成，在接下来的几百年都不会改变。整体制造工艺相当严格，且都是纯手工制作。所以，看到家具的款式就明白家具的年代。巴洛克风格强调建筑绘画与雕塑以及室内环境等的综合性，突出夸张、浪漫、激情和非理性、幻觉、幻想的特点。它打破均衡，平面多变，强调层次和深度，使用各色大理石、宝石、青铜、金等装饰华丽、壮观，突破了文艺复兴古典主义的一些程式与原则。

欧洲巴洛克家具打破了古典主义严肃与端正，形成浪漫的曲直相间、曲线多变的生动形象，并集木工，雕刻、拼贴、镶嵌、旋木、缀织等多种技法为一体，追求豪华、宏伟、奔放、庄严和浪漫的艺术效果。从法国路易十四时期的巴洛克家具文化艺术开始，欧洲已经形成了以法国为中心的家具文化艺术发展运动。在表面装饰上，巴洛克家具除精致雕刻之外，金箔贴面、描金填彩涂漆以有细腻的薄木拼花装饰十分盛行。由于镶嵌技术的发展，模拟涡卷装饰的镶嵌图案形式得以大量地运用，大理石、仿石材、织物、骨、甲和金属等都用作装饰材料，从而产生金碧辉煌的艺术效果。

概括地讲，巴洛克艺术有如下的一些特点：首先它有豪华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；二是它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力；三是它极力强调、运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂；四是它很关注作品的空间感和立体感；五是它的综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段，例如在建筑上重视建筑与雕刻、绘画的综合。此外，巴洛克艺术也吸收了文学、戏剧、音乐等领域里的一些因素和想象；六是它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位；七是大多数巴洛克的艺术家有远离生活和时代的倾向，如在一些天顶画中，人的形象变得微不足道，如同是一些花纹。

古典家具之殿堂

17世纪，意大利的巴洛克艺术是为封建贵族和宗教服务的。当时的意大利教皇、国王和贵族们在反宗教改革的同时追求着现世的幸福，他们大兴土木，到处建起教堂、宫殿和住宅别墅，这些建筑都以宏伟的规模和富丽的装饰著称于世。而当时的教皇则是巴洛克艺术的最大赞助者，他们的好恶决定着巴洛克艺术的发展，他们每一次权力的更替，都将造成巴洛克艺术的变化。意大利巴洛克艺术的成就主要表现在教堂和宫殿建筑上，它所追求的是把建筑、雕刻和绘画结合成一个完美的艺术整体。围绕建筑而兴盛的室内装饰、家具等文化艺术也都在充分利用文艺复兴艺术成果基础上得到了很大的发展。

17世纪前期的荷兰经济繁荣、文化昌盛，并有比较广泛的言论自由与信仰自由。在这样的社会条件下，荷兰继承了尼德兰民族写实、纯朴的传统艺术特点，并吸收了意大利巴洛克风格，其室内装饰和家具文化艺术在17世纪中期便达到了顶峰。荷兰的拼木镶嵌细木工技术非常高超，在橱柜家具中常采用。两件1690年制作的荷兰橱柜，柜正面是用木材的自然纹理切片，拼成了各自不同的花的造型，做工十分精细，形象非常逼真。前者是在散满花瓣的底上镶拼成有规律排列的团花：后者四周镶嵌带枝叶的花朵及木材自然纹理切片，在中间柜门的柱式台座上却镶嵌着简-勃鲁盖尔的静物花卉。家具的底腿都是立柱支撑，圆球形底脚，H形横撑，但前者四腿是螺旋形支柱，后者却是方形支柱。家具制作技术、镶嵌细木工技术与绘画技艺融合为一体，形成了独特的荷

兰巴洛克家具艺术风格。17世纪后期，荷兰又受到东方艺术的影响，尤其是中国和印度的影响，使巴洛克初期严肃的造型得以逐渐演变为更加优美生动的形式，特别表现在椅子造型上，采用了中国的弯腿虎脚形式。

在巴洛克时期，“静物画”这种绘画形式得到了发展，至今仍方兴未艾。在室内完成的“静物画”作品早已出现了，但直到巴洛克时期才成为一种真正的绘画种类，这类绘画的奠基人和创新者是意大利的艺术家卡拉瓦乔，但却在荷兰得到了最充分的发展。简-勃鲁盖尔的“静物画”描绘的是插放的鲜花，这幅作品在色调和构图上都借鉴了日常生活，表现得细致入微。那强烈的色彩、逼真的形态，充满了鲜活的生命力，使人仿佛闻到了花的芳香。荷兰的家具师则运用大自然主义写实手法将这件静物名作表现于家具之上，使家具也具有了生命力，非常浪漫而又华美。

而17世纪后期，法国受到意大利和佛兰德尔的巴洛克艺术风格的影响，也进入了巴洛克时代。并且，由于法国国王路易十四的移植和培育，这种艺术风格得到了充分的发展，形成独特的法国巴洛克，并成为欧洲的巴洛克艺术发展中心。路易十四在离巴黎15公里的郊外修建了凡尔塞宫殿。这种体现法国巴洛克艺术辉煌的凡尔塞宫，其建筑风格是巴洛克与古典传统的融合，既堂皇又严肃。而宫殿的室内装饰却是金碧辉煌，庄严宏大为欧洲之冠。国王把各地大贵族都宜召进宫，让他们侍奉王室。并且每日都在宫中安排各种祝宴庆会：入夜则几千支蜡烛把凡尔塞宫中的镜厅照得雪亮，使人仿佛置身于仙镜。镜厅是具有无限延长性的大空间，这种大厅是一种颇具特色的法国巴洛克建筑室内形式。镜厅有拱状的天花板，上面有雕刻、绘画等丰富多彩的喷漆镀金装饰：壁面有壁柱，柱身是大理石镶嵌：上檐部横饰带是成对柱头和精细的纹样浮雕、凸凹线和轩蛇腹装饰。右侧是连环拱形镜子，左侧是通向各个房间的敞开式连环拱门，使每个房间都有独立的入口。宫中还有“战争厅”、“和平厅”等等，这类大厅是凡尔赛宫中最雅致、最堂皇的部分。在巴洛克时期，这种大厅如同其他许多房间一样，到处都描绘着梦幻一般的图景，栩栩如生的画面，布满了大厅的各处，这种建筑、雕塑、绘画等几种艺术形式的交相融会，也是法国巴洛克风格特点。

法国的巴洛克家具一般被称之为法国路易十四式家具，这时期的家具主要是宫廷家具，大多是精致华丽的雕刻，以及精巧的镶嵌细木工艺和青铜雕饰镀金银，非常生动豪华。推动法国路易十四式家具风格发展的艺术大师有查里・拉・布尔、简・拉・包特和安得列・查里士・鲍里，尤其是拉・布尔是法国路易十四式巴洛克艺术风格的奠基人。

17世纪上半叶德国巴洛克艺术也获得了飞速发展。由于新的社会秩序逐渐恢复，新兴的贵族掌握社会的实权，兴起了巴洛克宫廷建筑艺术风，也促进了德国巴洛克家具的发展。受到荷兰巴洛克家具的影响，德国家具的造型较简练，采用雕刻和薄木拼贴镶嵌工艺，装饰精细华美而又统一。17世纪末到18世纪初，德国的家具也如同荷兰与英国的家具，受到中国家具的影响。非常明显的是家具的底脚，采用了中国式的曲腿，替代了螺旋式旋木直腿。同时，受到法国路易十四式家具的影响，形成了豪华的德国巴洛克风格。

安妮女王时期的巴洛克家具仍有荷兰式的遗风，细腻优美的贴木和镶嵌细木工是此时期的一个特色。同时，英国受到中国风格的影响，开始应用中国的油漆彩绘的技艺装饰家具，通常家具以红和黑为主作为底描金彩绘，创造了一种新型的油漆珍品柜。这种新技艺对于当时欧洲的家具影响很大，很快流传到荷兰、柏林等地，发展到18世纪中期前在英国更是盛行。也是由于中国风格的影响，安妮女王时期桌椅柜家具脚几乎普遍采用弯腿造型，取代了旋木直褪，并用爪球脚、涡卷脚、兽爪脚等形式为底足。弯腿形式是从中国经过荷兰演变而来的，原来是一只龙爪抓住一颗金石，后来演变成各种式样，使单纯而庄严的荷兰式风格逐渐变为较柔软和富于变化的造型。

16世纪末17世纪初，大批移民主要是英国清教徒从欧洲迁入北美大陆创立了殖民地。美国家具进入了巴洛克时期。设计史家将1725年至1780年这段期间的家具风格都称为美国殖民时期家具。美国殖民地时期早期，家具的首要因素是实用，受到来自英国移民的影响，美国开始流行英国雅可宾式家具。造型比较瘦长，旋木构件，单纯而刚劲。美国早期的家具在英国家具基础上，根据当时贫困的生活条件和实用主义出发，将家具的造型单纯化、简朴化。使家具的造型与功能相结合，形成了美国简朴，实用的巴洛克家具风格。

“中式”巴洛克

由各种风格独特、设计巧妙的巴洛克时期的美克美家2011“圣卡罗”新品套系，是古代典范与现代智慧的灵感碰撞。“圣卡罗”的命名灵感源自于巴洛克时期的典型建筑“圣卡罗教堂”，借以诠释该套系繁复华丽、奢华大气的古典韵味。蕴含了厚重的古典文化积淀以及卓越的艺术品位；它历经时光流转，散发出浓郁的浪漫主义色彩；为具有古典情怀的消费者而设计，营造富有艺术感而庄重的家居氛围。

工艺美术运动风格特点篇2

关键词：青花；陶瓷装饰；洛可可艺术；渊源

1引言

在文化和艺术发展的进程中，任何国家都不能脱离外来文化的影响，在不同程度上吸收诸多有利其自身发展的因素，从而更好地发展本土文化及对外交流。所以说，文化艺术与商品一样，有很强的流通性、互补性。从中国瓷器远销到欧洲开始，代表东方艺术典范的中国陶瓷艺术用独特的魅力影响着欧洲艺术。法国作为当时的艺术中心，接受了中国陶瓷艺术中莹洁光润、轻巧纤美的一面,特别是中国青花陶瓷装饰艺术。因此在法国18世纪的洛可可艺术中，能找到许多与中国瓷器艺术相类似的契合点――华丽、精致、细腻、轻盈。

2中国陶瓷的形成以及在欧洲的盛行

有古国之称的中国，其陶瓷文化源远流长。早在新石器时代，我们的先民已学会如何制陶，并在此基础上，发明了制瓷工艺。在三千年后的“清三代”，达到了辉煌的境界。无论从形状、装饰、质地、颜色，或从艺术价值和审美倾向上看，都是其他朝代和国家无法比拟的。17世纪到19世纪海上贸易蓬勃发展，中国在此阶段的远销贸易络绎不绝，其精美瓷器被大量销往欧洲。中国陶瓷艺术以其独特的东方韵味影响了这个时代的欧洲艺术及审美。特别是当时能代表中国陶瓷艺术又一高峰的青花瓷。

欧洲对中国瓷器的了解已有历史。早在中世纪，能充分体现中国工艺美术魅力的精美瓷器，通过阿拉伯转送欧洲，成为君主和贵族也难得一见的珍藏。随后17世纪建立的东印度公司，其开展的远东贸易使路易十四以后，此类物品在法国盛行。而由精美瓷器演变的陈设之风，以及仿造中国瓷器的造型、装饰和彩绘的倾向，在18世纪达到了狂热。瓷器似乎已经代表了洛可可时代特有的美的象征。典雅的中国瓷器如水晶般明快，这种外在的审美形式，无形当中成为洛可可风格流派的艺术家获取灵感的源泉。由此，中国瓷器被争相采购，成为法国上流社会的宠儿。

中国瓷器作为外销瓷进入法国，当时有很多种类，如碗、碟、杯、壶等及各种动植物和人物纹样。此时的法国推崇轻盈、精致、灵越的动感美，需要华丽的内容、新颖的造型。众所周知，由于当时交通不便，欧洲对中国艺术文化的了解，是通过进入欧洲特定的工艺品而非通过文字表述。在这些美轮美奂的工艺品中，有美丽精巧的瓷器、华丽轻盈的丝绸，也有金壁辉煌的漆画。尤其是那些晶莹、细腻且绘有各种精致图案的中国瓷器，在18世纪欧洲的洛可可时代完全迎合了优雅、轻盈的审美主题。所以，中国的瓷器成为当时特别流行的陈设艺术品也就不足为奇了。随着人们对陶瓷装饰品爱好的高涨，为了满足整个上流社会对陶瓷的审美需求，欧洲的陶瓷工艺也取得了长足的进步。当时欧洲生产的陶瓷工艺品都是以中国瓷器为典范，浅淡的颜色、中国式的图案，各式雕像以及一些精美的传统样式。此时，中国正处于明末清初，其生产和销售的都以淡雅的青花瓷为主。所以，我们可以清楚地看到这一时期的欧洲瓷器与中国明清时代的青花工艺有着很大程度的关联。

3洛可可艺术的形成及艺术特点

18世纪初，欧洲的艺术中心从意大利转移到巴黎。此时法国宫廷艺术的审美倾向代表整个欧洲艺术的主流。路易十四时代，古典主义的雄伟、庄严、肃穆颇受推崇。但随时间的推移，继位的路易十五却追求随意、自然、放松的境界。路易十四时代的风格被完全抛弃，取而代之的是一种轻松优雅的艺术氛围，这种新的艺术形式就是“洛可可艺术”。

在艺术形式方面，洛可可注重形态，多用C形S形或螺旋状的曲线，各种金色、银色和追求精致又丰富的装饰，多采用柔和轻快的色彩，缺少色阶的苍白基调……总之，它以华丽、细腻、精致、优雅的风格创造出一种超然的氛围，不仅符合了宫廷贵族的审美，也隐隐与来自东方的典雅、含蓄、纤细的内在有了惊人的相似。

在艺术特点方面，“洛可可艺术风格”与东方审美取向的内敛、微妙、细腻、高贵同源；更与中国陶瓷艺术所推崇的超然、质朴、幻想、奔放等虽有异曲之笔、但含同工之意。因此，些许专家普遍认为：“洛可可艺术风格”的形成和发展，与其说是受到中国文化的影响，不如更直白地说是受中国陶瓷文化的影响。而十八世纪的这股陶瓷热浪，其一无形之中加大了外销瓷的进出口量，其二使洛可可艺术在形成过程中汲取了中国艺术的灵感，促进了其盛行。

4中国青花瓷装饰艺术与洛可可艺术的关联

如《中国风》文中所言：“中国瓷器艺术与洛可可风格的渊源颇深，涵盖如下四方面：（1）自由、超然的氛围（这是明代景德镇青花瓷的味道）；（2）运用线条的不规则性与青花瓷的随意性相似；（3）对器型和图案进行花边及边脚装饰，这是中国陶瓷装饰的特色；（4）写意性线条的运用，是欧洲史上的创新，也是与明末景德镇青花瓷有一定的关联。”

陶瓷艺术的装饰，是改善其陶瓷艺术感召力的上乘手段，它凭借特有的纹样组织形式和装饰表现手法，直观地向人们提供一种审美需求。青花的装饰形式式样繁多，装饰风格活泼灵动。从青花瓷的装饰格局上看，有开光式、通景式、折枝式等。折枝式构图形式，来自中国画中的折枝花鸟画，这种形式很自由，它可以一枝单独在盘心作花纹，也可以多枝在盘壁作均衡形式的排列，有活泼、生动等特点。

中国瓷器的装饰题材有许多独特的传统内容，如博古、八宝、八吉祥、灯笼等，这些内容包含着中国人的传统思想，和人们对吉祥如意的美好向往。欧洲人由于不理解这些特殊题材所蕴含的真实意思，他们甚至给每样物品都打上了缎带作为装饰。生硬的模仿并索性将一些他们眼中象征着中国的物品摆在一起，组成图案作为装饰，成为一种中国风器物的欧洲风格模式。这种洛可可风格的中国青花瓷图案，以丰富的中国含义，而被称为“中国图案”。

法国大革命时期，路易王朝的贵族使用的印花织物，盛行洛可可风格的中国图案。当时，所有的墙面装饰、工艺品、家具、纺织品等，都被中国式蓝色和白色素雅装饰的青花浪潮席卷。多使用写实逼真的花卉，相互连接，像中国青花瓷中一种传统的装饰形式：折枝花，有时也会加入一些鸟类。这种模式显然有着被中国花鸟画直接影响的痕迹。法国洛可可时代对中国青花瓷的喜爱表现得非常狂热。当中国的瓷器充斥着法国市场时，路易十五也随之掀起了一场“商品革命”的浪潮，用中国瓷器取代银器；法国王室在凡尔赛宫内修建一座专门用来陈列其收藏的珍品的瓷宫――特利亚农宫。为了更好地营造青花装饰带来的视觉审美效果，该宫运用青花瓷独特的蓝、白两基础色对室内进行装饰。

当时的艺术家在青花瓷的装饰设计时，先从整体的大效果入手。为了突显装饰的主题，其主题纹样被设计在最张显的视觉部位，其次要纹样被巧妙衬辅；如背景衬托人物，远景衬托近景，动静互衬等，使整个装饰寓意鲜明突出。而洛可可艺术作为一种强调装饰性的风格，注重线条和色彩的运用，以及构图的不对称性。从华托的《冷漠》，到费拉戈纳尔的《秋千》（图1），都不约而同地运用舞动纤细的线条对人物的动态、树木的形状等进行描绘，特别是对主体物的刻画运用明暗配合的手法，色彩浪漫柔和，画面淡雅秀丽，弥漫一种朦胧的意境，即人与自然的融合。

细细品味，我们发现在中国青花瓷装饰与洛可可风格之间这种意境得到充分体现，并有着许多内在连接和关键的节点。特别值得一提的还有洛可可时期的工艺品，它使用富于变化的卷涡、水草、回纹及如意云纹等曲线形花纹，形成连绵繁复的美丽形态，而这种装饰形式正被典型的中国青花所使用。因此，中国陶瓷的青花艺术，不仅是对洛可可艺术的形成起到了重要作用，而它本身早已融入洛可可风格之中。日本小林太市郎甚至指出:“所谓洛可可艺术的突出特征，几乎是由中国工艺美术而来，因此这个洛可可是一个暖昧不明的称呼，不如直接称之为中国―法国式艺术，其意义更明确而实际些。”为此，17~18世纪的欧洲装饰艺术，与中国风的青花瓷装饰艺术有着奇妙的关联。

5结语

瓷器的外销对中国文化产生了一些附带作用。在中国的瓷器热销欧洲之时，也使欧洲人对神秘的中国产生了浓厚的兴趣。于是较深层次的中国文化在法国也备受知识阶层推崇。德国学者利奇温认为“开始由于中国的陶瓷、丝织品、漆器及其他贵重物的输入，引起欧洲广大群众的好奇心与赞赏。又经文字的鼓吹，进一步刺激了这种感情，加深了两者的渊源。”

总之，洛可可时代不仅接受了中国的艺术和工艺,而且也对东西方之间思想文化的亲合性进行了发展。特别是那造型丰富多变、精美典雅的中国瓷器，给向来颇喜庄严肃穆、对称整齐图形的法国人以惊叹和新的灵感，向他们揭示了一个期盼已久的美满生活画面。如此精妙的技艺怎能不加以模仿和学习，进而运用到自己的艺术中去呢？诚如某西方学者所言：“洛可可风格与中国文化的不谋而合，其关键就在于中国瓷器所展现的一种微妙细腻的情愫。”瓷器在洛可可艺术大行其道的欧洲，迎合了那个时代所需要的所有特点，纤美、华丽、轻盈以及雅致。

参考文献

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工艺美术运动风格特点篇3

（一）工艺美术运动

1.工艺美术运动的产生背景

工业革命给18世纪下半叶的英国带来了技术、材料、生产方式的变革，但批量的、大规模的、机械化的生产没有带来与之相适应的艺术发展，大量粗劣的工业产品和民众的审美情趣形成了矛盾，这时的设计领域迫切需要一种新思想来打破这种僵局。与此同时，维多利亚时期设计领域的折衷主义不断蔓延，设计师们把各个历史时期的各种元素拼凑起来，形成多种风格的混合物，使之很难界定究竟为何种风格。这种装饰繁琐、矫揉造作，为了装饰而装饰的设计理念被一些设计师反思，这也为工艺美术运动的到来做好了铺垫。而1851年英国“水晶宫”世界博览会的举办则直接促成了工艺美术运动的兴起，设计师约瑟夫•帕克斯顿使用了新型工业材料建造展览大厅，他运用建造温室的原理，采用最简单的钢铁和玻璃为建筑材料，没有任何多余的装饰，完全体现了工业生产的机械特色。而这次参展的作品均为工业品，装饰极尽夸张，设计乏善可陈。这种鲜明的对比激发了一部分思想家、设计师对于新时期下设计的思考，由此便拉开了这场改革浪潮的序幕。

2.工艺美术运动的代表人物

这场运动的理论指导人是约翰•拉斯金，主要奠基人是威廉•莫里斯。约翰•拉斯金是一位艺术评论家。他对于“水晶宫”展馆和世博会展品表示出极大的不满，随后他著书立说表达自己的美学思想。拉斯金在装饰上推崇自然主义，反对盲目照搬的设计思想。他认为“不是源于自然界的形式必定是丑的”，由此提出师从自然，以自然为设计源泉的思想。他崇尚自然，否定机器，认为机器生产的工业品代表了单一、沉闷，手工制作是自然、活力的表现。同时他反对为了装饰而装饰的繁琐设计理念，认为设计应当具有实用性。且他忠于设计材料的自身特点，注重体现材料质感。拉斯金的这些理论思想最终成为了工艺美术运动的主导思想和理论基础。约翰•拉斯金的思想极大地影响了工艺美术运动奠基人威廉•莫里斯。在牛津大学就学期间，莫里斯阅读了拉斯金的许多著作，对其崇尚自然的复古思想及工业化导致产品设计低劣的观点深表赞同。作为拉斯金的忠实信徒，莫里斯一直希望能够把拉斯金的理论发扬光大。莫里斯反对矫揉造作的维多利亚风格，倡导复古的哥特式自然主义风格。他倡导设计的实用性和民主思想，主张为大众服务进行设计并且提倡中世纪行会的协作精神。莫里斯继承了拉斯金反对工业机械化批量生产的模式，希望回到艺术与技术相结合，讲求手工艺精湛的状态。他开设了世界第一家设计事务所，通过自己的亲身实践，倡导重实践的工艺运动，促进了英国设计的发展。其设计风格以清新自然、简洁、功能性为主，代表作品为“红屋”。红屋的设计完全没有学院派的清规戒律，而是从背面规划，把建筑的正面作为次要的考虑。莫里斯认为庭院的设计要有整体观念，不是从自然界原样照搬，而是吸取其中的元素为我所用。莫里斯所设计的“红屋”为工艺美术运动的全面发展奠定了基础。

3.工艺美术运动的设计思想

工艺美术运动时期的设计提倡手工业，明确反对机械化批量生产。在装饰上反对矫揉造作的维多利亚风格和其他各种古典、传统的复古装饰风格，提倡哥特式和中世纪风格，崇尚自然主义、东方装饰和东方艺术；讲究设计需要忠于材料，具备简单、朴实无华、功能良好的特点；主张诚恳的设计态度，反对哗众取宠、华而不实的设计理念；倡导“手工与艺术结合”“美观与实用”的口号。工艺美术运动坚持着对美丽最朴素的追求，在当时工业大生产的背景下这是十分难能可贵的。

（二）新艺术运动

1.新艺术运动的产生背景

新艺术运动直接起源于英国的工艺美术运动，在英国“工艺美术”运动的代表人物拉斯金、莫里斯的理论指导和实践倡导下，设计师们提出美术与技术相结合的原则，主张艺术家从事产品设计，追求自然纹样的装饰动机，这一重视设计、改良设计的实践和探索运动在19世纪下半叶的欧洲如火如荼地展开。这场运动时间大约在1895—1910年，长达10余年，涉及欧美十余个国家，哥特式、洛可可式和日本艺术是新艺术运动的三大源泉。可以说新艺术运动是19世纪末20世纪初发生于欧美国家的一场影响广泛的形式主义运动，而它的发生与发展有其社会经济、文化等多方面的原因。1870年普法战争后，欧洲社会有一个较长的和平时期，政治、经济形势稳定，科学技术水平迅猛提高。这就为新艺术运动的产生提供了良好的社会环境。经济发展促进了社会对新的艺术形式的需求，民众迫切需要一种与当时生产力相适应的具有新鲜感的艺术设计形式，与此同时，科技进步提供了更多的新型材料用于设计领域，艺术家、设计师们也热衷于在探索艺术的新形势时使用新材料、新结构。这一切都为新艺术运动的展开提供了广泛的社会需求和良好的物质基础。萨姆尔•宾于1895年12月26日在巴黎将他的“巴黎东方艺术店”改名为经营现代装饰艺术品的“新艺术画廊”。“新艺术”之名便不胫而走，成为一场声势浩大的国际设计运动的名称。新艺术运动首先在法国展开，之后传播到其他国家，至1900年的巴黎博览会而登峰造极，延续至1910年前后，逐步为现代主义运动和“装饰艺术”运动取而代之。

2.新艺术运动的代表人物

法国“新艺术”运动时期，设计重镇巴黎和南斯出现了三个比较著名的设计组织——新艺术之家、现代之家和六人集团，与此同时也涌现了一批著名的设计师。新艺术之家由萨姆尔•宾于1895年在巴黎普罗旺斯路开设的新艺术之家设计事务所而得名，“现代之家”则由名为朱利斯迈耶•格拉斐的“现代之家”设计事务所而得名，而“六人集团”则是由六个设计家组成的松散设计团体。在这一时期，法国诞生了一件震撼世界的经典设计品——埃菲尔铁塔，它是由桥梁工程师古斯塔夫•埃菲尔于1889年设计的。这一纪念碑性质的建筑座落于塞纳河畔，是法国政府为了显示法国革命以来的成就而建造的。在众多设计方案中，埃菲尔大胆采用金属构造设计的方案一举中标。这一建筑象征现代工业文明和机械威力，预示着钢铁时代和新设计时代的来临。而南斯派创始人爱米勒•加雷在设计艺术方面的成就主要表现在玻璃设计上。他大胆尝试与材料相应的装饰，设计出了很多流畅的、色彩丰富的表面装饰。他善于运用自然元素，将花卉图案与线条有机结合在玻璃设计中。昆虫、植物都是其钟爱的设计素材。他的代表作品“睡蝶床”，代表了材料与自然的完美结合，体现了新艺术运动的核心理念。

3.新艺术运动的设计思想

“新艺术”运动承继了英国“工艺美术运动”的思想和设计探索，希望重新以自然主义的风格复兴设计的优秀传统。与工艺美术运动相比，新艺术运动的线条更为自由、流畅、夸张，富有生命力。抽象的动植物是常用的纹样，如海藻、花卉、鸟、昆虫等。设计师们从自然中获得启迪，讲求线条与自然元素相结合，意象多采用令人憧憬和幻想的唯美色彩。这种形式美在绘画和插图设计中的表现最为突出。

二、工艺美术运动与新艺术运动的影响

（一）工艺美术运动的影响

工艺美术运动是世界设计史上第一次大规模的设计启蒙运动，它对原料纯正、设计简单的高质量的追求以及对古典主义的否定为许多设计师带来了灵感，并对新艺术运动、荷兰风格派运动以及包豪斯产生了深刻的影响。且影响范围很广，从英国开始，范围扩展到美国和瑞典、芬兰、丹麦等国，其设计风格涉及到平面设计、家具设计、陶瓷设计、建筑设计、纺织品设计等方方面面。在美国，工艺美术运动向着提高工业化消费感受而发展。许多工艺美术运动风格的建筑、家具、装饰风格被模仿，直至今日这些建筑风格仍然受到美国人的青睐。除了对欧美国家的影响，工艺美术运动还远隔重洋，直接促进了日本的“民艺”革新，而日本的加入也为工艺美术运动添加了东方魅力。

（二）新艺术运动的影响

工艺美术运动风格特点篇4

关键词：动漫设计；传统工艺美术；应用

1引言

从定义上来看，传统工艺美术指的是人们为了达到自身的物质需求和精神需求，在不同的客观外部条件当中，利用各种类型的物质材料和工艺技术而打造的人工艺术作品。我国的传统工艺美术是中华传统文化的重要组成部分，同时也是一种非常重要的传统艺术形式，通过传统工艺美术的合理运用，能够为现代的艺术创作提供源源不断的动力和灵感。动漫产业作为我国近几年来的新兴产业，在国家有关政策和资金的扶持下取得了长足的发展和进步。但是从整体的发展趋势来看，我国动漫产品的制作水准还有着非常大的提升空间，传统工艺美术和现代动漫的融合无疑是动漫产业发展的新思路。在下文中笔者将对此进行展开论述。

2传统工艺美术在动漫设计当中的应用现状

早在上个世纪50年代末期，我国一些有识之士就开始对传统民族风格动漫的探索工作，本着“探民族风格之路”的宗旨，力求使中国动漫走在世界发展的前沿。直到上个世纪80年代中期，中国动漫在传统领域的探索当中取得了丰硕的成果，以中国上海美影厂为代表的动漫创作单位，创作出了许多具有强烈民族风格的动漫作品，也就是在这个时间段，代表我国动漫民族身份的“中国学派”开始形成，并在世界动漫行业当中取得了非常大的反响，这些优质的民族动漫屡屡斩获国际奖项，在世界范围内掀起了一股“中国风”[1]。其中的代表作品主要包括传统的水墨动漫《小蝌蚪找妈妈》、经典传统故事动漫《猴子钓鱼》、传统的木偶动漫《阿凡提的故事》，这些动漫以其优良的做工和鲜明的中华民族风格，受到了国内外专业人士的一致好评，在世界范围内曾经风靡一时。但是到了上个世纪90年代初期，在海外动漫尤其是日本动漫的冲击下，中国动漫开始逐渐走向衰退。纵观我国近十余年以来的动漫作品，曾经问鼎世界的“中国学派”早已走向没落，这些现代的动漫作品无论在艺术性和文化性上都与中国的早期传统动漫有着非常大的差距，但是笔者认为，既然中国传统动漫曾经有过辉煌灿烂的时光，在崭新的时代下，传统艺术风格的动漫仍然具有非常大的发展空间，在现阶段宏观政策的大力支持下，我国的动漫创作人员要深刻的认识到，若想实现中国动漫的长远发展，就必须要将传统的工艺美术与现代的动漫风格进行完美融合[2]，通过先进的技术手段和严谨的制作态度，使传统民族风格的动漫再次展现辉煌。

3通过传统工艺美术提升动漫设计水平的具体措施

3.1积极学习和借鉴动漫发达国家的制作经验。从世界范围来看，现阶段动漫产业最为发达的国家无疑是日本和美国，美国动漫以迪士尼和漫威为主，日本动漫则百花齐放，各种优良的动漫制作公司一直以来秉承着严谨的制作态度，创造出了大量的优秀动漫作品，受到了世界各国粉丝的广泛追捧。在我国本土动漫发展相对停滞的过程当中，这些国外的引进动漫受到了我国“二次元”粉丝的热烈欢迎。动漫作为一种软文化，能够直接向观众传达本土丰富多彩的文化和价值观，这些国外优秀动漫的传播，虽然给我国传统动漫带来了一定程度上的冲击，但是同样也给我国的动漫创作者带来了一定的创作经验。我国的动漫创作人员可以充分利用这一优势，融合我国传统的工艺美术，全面提升我国传统动漫作品的质量。下面笔者将对美国和日本的动漫作品进行综合性的论述分析。美国作为世界上最大的移民国家，其文化表现出强烈的多元化倾向，受到这种多元化文化的影响，其本土的动漫作品经过对各国文化的有机整合，最终形成了具有强烈美式特色价值观的优秀动漫作品。例如迪士尼经典的动漫电影《花木兰》和《功夫熊猫》，故事的题材和背景均取自于中国，但是从技术风格和角色风格设计来看，整个动漫展现出非常浓厚的美式色彩[3]，角色的造型相对比较幽默夸张，人物的线条比较圆润且具有一定的弹性，不论是哪个国家的观众，都能够在第一时间辨别出这些动漫角色设计的艺术来源。日本的动漫作品从取材来说更加广泛，不仅有对各国神话作品的改编，同时也有基于本国民间神话的创作。例如经典的动漫作品《火影忍者》当中，李洛克和迈特凯这两个角色的灵感就来源于我国著名的武术家李小龙，其中李洛克在动漫当中展现了“醉拳”这一技能，将我国的传统武术进行适当的改变，从而使动漫作品更加的丰满；奈良鹿丸这一角色则取自于奈良本地的民间传说，其守护神为鹿，在动漫当中通过人物的性格充分展现了奈良鹿的风采和品质，向世界展现了日本优秀的地域文化[4]。从动漫角色的设计角度来看，日本动漫角色的设计普遍采用大眼睛、尖下巴，发型和服饰的特征相对来说比较复杂，具有鲜明的本国特色。通过上述对美、日两国动漫制作特点的分析来看，我国的动漫设计人员应当充分借鉴这些动漫产业比较发达的国家的宝贵经验，可以根据时代的特性适当的融入一些外来文化，同时重点突出我国辉煌灿烂的中华文明，通过传统工艺美术的形式将这些传统文化的艺术之美展现给观众，进而对国内动漫作品的风格进行统一，不断提升我国动漫的辨识度。3.2充分借鉴我国早期的动漫作品。从设计技术角度来看，我国传统民族风格动漫的设计工作需要从表层形式和深层含义两方面进行入手，其中表层形式使传统工艺美术元素的重要展现，进而将动漫作品打造成为包含鲜明民族特性的作品，具体技术措施主要有如下几点：3.2.1传统工艺美术造型的剖析。动漫设计人员在设计工作当中，需要将所应用的传统工艺美术当中美的元素进行分解，将其分解成点、面、线条以及文字等，同时要对这些元素进行细致化的分析[5]，之后将其全面运用到动漫的美术设计工作中，从而丰富动漫当中的人物角色设计，提升动漫场景设计的装饰感。例如在动漫设计的过程当中，设计人员可以对我国传统艺术形式当中的青花瓷、彩陶、以及传统的剪纸图案进行全面的分解，最终领会这些传统艺术形式的设计要领，根据动漫作品当中的实际需求进行重组和设计。需要注意的是，这个过程并不是单纯地对传统素材的照搬照抄，而是一种“破而后立”的设计理念。其中的“破”指的是对传统工艺美术元素的打散和解构，而“立”指的是将传统元素与符合时代特征的现代元素进行融合，充分借鉴现代的设计理念而形成的崭新的形象。在这种理念指导下设计的动漫作品，不仅仅具备传统文化的厚重感，同时还契合于现代审美观念当中的全新视觉形象。3.2.2对传统工艺美术材质的合理借鉴和运用。传统工艺美术当中使用过各种各样丰富多彩的材质，许多具有鲜明文化特征的传统艺术材质可以运用的现代的动漫设计工作当中。例如水墨画、剪纸、皮影。陶瓷以及书法艺术等。由于每一种传统工艺美术的材质都有着其独特的特性，在动漫设计过程中对不同艺术材料的借鉴能够直接影响到动漫作品的风格。一般来说，动漫设计的成品往往都是通过荧幕以及印刷的方式来完成的，因此对传统工艺美术材质的学习往往以某种形式的模仿为主。例如剪纸艺术在动漫作品当中的应用，主要是寻求一种剪纸的形式感，并不是一定要通过剪纸的方式来完成动漫的制作，设计人员也可以使用手绘的方式，只要在动漫设计作品当中能够体现出剪纸的艺术效果和材料的特点即可。水墨风格的动画也并非完全通过水墨的形式画出来，设计人员完全可以使用相关的计算机技术来完成水墨效果的设计，这样一来不仅能够提升动漫设计工作的效率，同时还能够对传统水墨艺术形式进行有效的借鉴，进而使动漫作品具备传统工艺美术的灵魂。3.2.3充分借鉴传统工艺美术当中丰富的色彩。在传统的生产活动和生活当中，人们逐渐形成了地域差异和人群差异的色彩观。原始社会当中的色彩观具有较强的单色性，经过时代的发展演变为我国古代比较经典的五色馆，最终发展成具有鲜明阶级特性的色彩认知。与这些色彩观相对应的是传统工艺美术作品当中的色彩特性。设计人员在动漫设计的过程中需要对这些经典的传统工艺美术作品当中所蕴含的色彩进行细致化的分析，并在其中探寻出不同类型美术作品的色彩特性和色彩搭配技巧。在动漫色彩的设计过程中，设计人员可以依照不同的时代、不同的身份以及不同的种族特性对传统工艺美术当中的色彩运用进行借鉴，同时需要注意的是，在计算机技术日益成熟的今天，动漫设计过程中色彩的搭配和选择与以往相比具备非常强大的便利性，颜色的更换往往只需要通过鼠标的移动就可以完成，但是这并不意味着在动漫设计的过程中可以随意变更色彩以及进行色彩搭配，可以说现阶段色彩的多样化选择为现代动漫的设计工作带来了一定程度上的挑战。因此，动漫设计人员要充分掌握传统工艺美术当中色彩的精髓，并以此为技术依据完美完成传统风格动漫色彩的设计工作。3.3培养精通传统工艺美术的动漫设计人才。动漫设计专业的高效毕业生是动漫设计工作的主要人才来源，因此在我国传统工艺美术动漫兴起的过程中，相关部门及工作人员要格外重视人才的培养工作，进而为我国的动漫行业提供不竭的动力源泉。从具体措施来看，动漫设计高校以及综合类高校的相关专业可以适当地在校园当中举办一些传统文化宣传活动，这样一来就能够在校园当中营造出一种良好的传统文化氛围，为学生提供源源不断的设计灵感[6]。同时，动漫设计专业在课程设置上要重视传统艺术文化课程的地位，让学生真正地了解这些传统艺术形式的独特魅力。教师在授课的过程中，要对动漫专业的教材进行仔细的研究，在客观条件允许的情况下可以编写一些具有中国传统艺术文化特色的专业教材，同时在教学工作中积极使用一些中国传统风格的设计实例，从根源上培养学生的传统艺术素养，使其能够在实际的设计工作中自然而然地流露出传统艺术形式的设计思路，使传统工艺美术在动漫设计当中所发挥的作用最大化。

工艺美术运动风格特点篇5

中世纪建筑艺术产生的背景

早在罗马帝国的末期，西欧的经济已经变得十分衰落。就在公元5世纪初，大量的日耳曼民族的一个分支部族――哥特人的入侵下，使罗马帝国的政治和经济遭受到了毁灭性的打击，他们借此机会踏遍了整个欧洲大地，使欧洲的政治和经济从此一蹶不振。而此时，教会却利用人民的苦难，大肆宣传禁欲主义，试图起到愚昧和迷信百姓的目的。

公元5―10世纪，西欧的建筑仍然不发达，很多大型的公共建筑根本起不到实际的作用，而与之相适应的结构技术或艺术经验也失传了，而此时只有修道院是当时唯一的质量较好的建筑物。由于人们长期受到教皇的愚昧统治，出现了一些市民开始展开对封建领主的斗争，同时也展开了对教会的斗争。建筑正是在这种时代背景下进入了一个新的阶段，在这一时期，无论是建筑中的人力还是物力，都要超过古罗马时期。

工艺美术运动产生的背景

工艺美术运动产生的时间是18世纪，此时正是欧洲的工业革命时期，由于工业化的快速发展，使生产力有了很大的提高，经济也得到了快速发展。

在工业革命的时代背景下，经济的发展并没有让人们的生活得到很大的改善，相反，却带来了大量的环境问题。在艺术上，由于机械化的生产，使艺术的品味越来越低俗。一些艺术家面对这种状况，试图通过设计改革来达到改善的目的。他们提倡回归自然、向大自然学习、将艺术与设计结合的思想，然而，工业革命的发展是无法阻挡的，这种理想与现实之间的矛盾使艺术家的理想最终成为泡影。但是他们并没有终止自己的艺术创作，而是选择了另一种方式来进行艺术创作，最终他们将目光停留在了中世纪的艺术中，试图从中世纪的建筑艺术中寻找出他们理想中的典范。工艺美术运动就在这种背景下应运而生，并对后来的设计运动奠定了重要的基础。

中世纪建筑艺术对工艺美术运动中家具设计的影响

1.哥特式教堂对工艺美术运动中家具设计的影响

（1）哥特式教堂最引人注目的形体特征是空间上垂直线和水平线的发展以及简洁的装饰风格。建筑师普遍采用拱券造型，在建筑主体上面修建了许多层叠向上、变化有序的独立塔楼，增加了建筑物的高度，强调了建筑的垂直性。教堂内部则采用横向线条的构成，一排排连绵不断且方向一致的窗户、穹顶、柱子和长长的廊墙相结合组成了一道道水平的线条，加强了教堂内部的纵深透视感。哥特式建筑最大的特点就是拱孔巨大、造型简洁。由于经济落后，柱子没有过多的装饰，墙壁着原始的石材，整个建筑内部空间很大但陈设的家具很少，这一切使整个空间显得纯净而简洁。工艺美术运动的家具设计师很好地借用了哥特式教堂的这些造型符号，他们设计的家具很多都采用垂直和水平线条作为结构线和装饰。

垂直和水平线条是这一时期家具设计的明显特征。同时，家具表面没有更多装饰，体量较大，由于大量使用垂直和水平线条，整个造型方正结实，非常具有中世纪建筑朴实耐用的典型风范，很符合设计师们返朴归真的民主主义思想。

2.中世纪罗曼式风格对工艺美术运动中家具设计的影响

在中世纪的罗曼式风格时期，建筑师有意拉长了建筑节点，使其有了装饰的可能。工匠们在柱头上使用了一些纪念性的雕刻，但雕刻中人像被拉长，背靠立柱，融入了柱子的形状之中。在随后几个世纪的发展中，由于经济落后等原因，人们很少在教堂内使用装饰，但为了美观，他们将一些结构的节点外露，开创了以结构作为建筑装饰的先河。除了这些作为结构的装饰外，绝大部分家具都不再有其它的装饰，最多就是一些诸如拉手、柜门玻璃等的装饰品。这样一种装饰方法突出了材料的质感和手工制作的精细，既显得朴素大方，又与当时设计师追求自然简朴的心态一致。这都是受到罗曼式建筑风格的影响而衍生的设计风格，使这一时期的家具设计独具特色。

结语

工艺美术运动风格特点篇6

一、构成主义风格在两次世界大战期间，艺术领域中影响最为深远的运动是俄国的构成主义。构成主义为主的设计与艺术探索是有其深刻意识形态背景的，构成主义艺术在精神上饱含着特定的激进性格和建构新社会的文化意识。构成”重视逻辑思维的培养，但这种逻辑思维与感觉的培养是相辅相成的，良好的感觉能帮助我们透过现象抓住形态的本质特征。在形式上，展现工业意志所带来的冲击；在理想中，艺术创作和设计工作被视为完整的工业化生产。

构成主义不仅是设计形式、设计方法的探索与创新，奠定了现代设计的本质基础，即设计应该为广大人民服务，设计应该为全社会服务”，这与马克思主义认为美学基础建立在社会经济学之上的认识是一致的。唯这些形式才能把生活建立在上面。因此，艺术必须是构成的艺术”。构成”一词便出自这篇宣言之中。艺术家必须成为工业化生产中的一个环节，必须学习如何利用工具及现代生产材料，必须利用新材料和新技术来实践理性的结构表达方式，以结构的表现为最后终结。

构成主义给西欧前卫艺术运动以极大的影响。构成运动又在欧洲大陆得到进一步发展，它启蒙了同时代其他的设计艺术流派，包括德国包豪斯、荷兰风格派，它们共同影响了后世的设计风格，如瑞士苏黎世和巴塞尔的冷抽象风格，西欧的国际主义风格，等等。至今，已形成广泛多样的构成艺术。

二、抽象表现主义风格

1946年由艺术评论家罗伯特•寇特兹提出抽象派风格，并运用在美国艺术上的。抽象表现主义在美国一跃而起，独领。抽象表现主义是一种思想，继承了苏俄构成主义的影响。抽象表现主义对后继的美国艺术有着重要的意义，也对欧洲艺术家产生了前所未有的影响。

抽象表现主义的创作思想是：追求艺术创作者行动的自由性和无目的性，把整个创作行动本身作为创作的重中之重。一些美国抽象表现主义是纯的抽象，不以描绘具象为目标，通过点、线、面、色彩、形体、构图来传达各种情绪，激发想象，启迪人们的思维。其特点是：认为艺术是抽象的，是即席创作的。从技巧上说，抽象派最重要的前身通常是超现实主义。抽象派之所以能自成一派，原因在于它表达了艺术的情感强度，还有自我表征等特性。抽象派的画作也往往具有反叛的，无秩序的，超脱于虚无的特异感觉。

它是第一个由美国兴起的艺术运动，也是二战之后西方艺术的第一个重要运动，是战后漫长风格实验的开端，标志着一个新时代的到来。

康定斯基——抒情抽象派代表画家。他认为艺术家应该离开现实，从主观出发；艺术应该摒弃物质，转向精神，提出伟大的抽象主义”以及抽象的绘画是必有物象的更广阔、更自由、更丰富的内容”等论点。蒙德里安——荷兰几何抽象派代表画家。他强调，人类今天离开物质向精神方向发展，只有抽象形式才能避免个别性和特殊性。

M•托比在中国书法与印第安的艺术中寻得灵感，创作出用平面表现深邃时空的抽象画面，在狂热行动”中产生作品。杰克逊•波洛克，他最能显示这一风格在观念上和手法上的特征，其创作很有个性，方法是：把画布紧绷在地上，围绕画布踏着舞步走动，并用棍棒占油漆，任其在画布上流淌。”以行动绘画”的方式来表现绘画，这充分说明了抽象表现主义所要表现的是最大限度的自由”，催眠状态般的专心致志和彻底的身心投入，是一幅画形成其独立生命”的关键所在。他的代表作《熏衣草之物》中，我们可以领略抽象表现主义的精神。抽象表现主义理论不仅在欧美产生影响，而且在我国艺术界也同样有这种思想。天津美术学院的贺建国老师说：我试图在两者之间寻找一种能够使天然契合的同构关系，就像音乐家能够借助一种乐器来演奏出埋藏于心底深处的歌。”

三、现实主义风格现实主义是法国艺术发展进程中一种独特的艺术现象,主要代表是科罗、卢梭等。他们描绘了普通劳动者的生活和斗争，此时此刻劳动者才真正走进艺术殿堂，成为绘画中的主体形象。由于现实主义艺术家的作品大多对所处社会的阴暗面进行揭露和批判，所以又被称为批判的现实主义。现实主义出现了不同的解释：我们认为，真正的现实主义要具备两方面的品格：在内容上是关注现实和人生的，在语言上是写实的。只有这两种的统一才是完备的现实主义艺术。”现实主义既有原苏联占主流的社会主义现实主义，也有欧美艺术及采用写实手法进行创作的现实主义思想。

二战期间，现实主义思潮在世界范围内产生巨大影响。如法国出现悲惨的现实主义”，意大利的古图索组织了新美术战线”，英国出现了厨房里的污水槽派”。

现实主义把艺术反映的基点放在现实生活之中，他们认为：昨天已经过去，今天就是今天，没有明天”，当明天”来到的时候，明天”已成了今天。现实主义注重客观地、按生活原貌真实地反映生活。这种观点最早可追溯到亚里士多德在《诗学》中提出的模仿论，他认为艺术要按现实本来的面目去模仿。文艺复兴时达•芬奇也指出：拿一面镜子去照自然”，按照自然规律来创造”。18世纪狄德罗更具体地提出，艺术是真与美统一的观点。二十世纪以来的西方现实主义美术,适应了现代社会人们的需要，创造了一批可以列入人类经典文化的作品，其思想倾向颇值得研究。