美术绘画基本知识篇1

也许在这个多元的艺术时代，最需要的是思考与判断，人们面对太多的信息，太多的知识，太多的理论。如何针对作画者共同关心的问题，写出切合绘画实践需求的书，正是我撰写《油画艺术导论》教材的基本设想。《油画艺术导论》是一本导读形式的教材，也如同一本艺术手册。这本书以创造性为主线，围绕油画所涉及的主要问题进行了论述，从油画的源流、油画语言、材料与技法和艺术创作等方面，梳理出一个清晰的脉络，建立了一个基本知识框架。同时，打破了以往油画教材的局限，从绘画艺术的角度来看油画，把油画放入它实际的历史角色来分析，不仅展示了其发展的线索，也分析了它之所以产生的原因。

回想起来，我对这本书的结构和内容的考虑，来自多年的艺术实践经验，也结合了长期的教学与创作经历。在法国多年的学习与研究，使我近距离地了解西方绘画艺术，并将其置八当代艺术视野，不仅带来了对西方绘画新的认识，也引出了对美术学院教学问题的思考。

1．继承与创造：中西美术学院教学理念的差异

我于2004年回国受聘于天津美术学院油画系，不久后便承担了对油画导论课的筹备、授课和《油画艺术导论》教材的撰写。天津美术学院在全国美术院校油画教学中率先设立了导论课程，这本教材是学院教学改革规划中的一部分，没有可参照的模式，但也提供了探索空间。

起初，我用了很长时间来理清思绪。油画作为外来文化，处在中国的特殊文化环境之中，也处在国内外美术教学方式差别很大的状况之下。刚从法国留学归来，我在巴黎第一大学造型艺术系攻读硕士、博士学位，在巴黎美术学院研修绘画技法。同处在一个时代，美术学院教学相差如此之大，对艺术的思考方式相差如此之大，仅有10小时飞机行程，这种差异甚至令人不可置信。在专业设置上，国内的美术学院把油画作为重要专业方向，而西方美术学院教学从未把油画列入专业名称，只是设置了绘画专业。油画是绘画材料中的一种，而绘画材料为画家实现其艺术构想所用。20世纪以来，西方艺术家不满足于再现眼睛所见的真实世界，用油画材料作画的画家越来越少。西方美术学院的教学已走向多元融合。

油画在西方绘画传统中曾占有重要的位置，几乎成为西方绘画的象征。我国美术院校的油画专业从字面上看与西方传统绘画对应。中国文化是重师承的文化，其中体现出更多的是文化的共同性，个性则在传统中占据次要的地位。在一个以共同性文化为基础的传统中，个人从属于整体文化。画家作画主要借助于古人的经验和程式化的图式，这种思维方式在当代仍占主导地位。在这种情况下，以中国传统文化的思维方式学习油画，必然会出现传承的做法，即以前人经验为主的做法。然而，西方绘画艺术的发展伴随着理性思考，以个人为主体的艺术创造逐渐加强，绘画的多元化与当代社会科学发展趋势相呼应。继承与创造这两种理念的差异形成了中国美术教学与西方美术教学很大的差别。西方人重在创造属于这个时代的艺术，而我们提倡的是继承传统前提下的创造，肩负着继承中西绘画传统艺术的重任。由于国内美术院校油画专业的课程安排对中国文化涉猎较少，实际上学到的大多是西方绘画传统。

如何学习西方几百年以来的油画艺术，国内美术学院大多将其分为几段：早期的古典艺术、近代的写实艺术、现当代的表现与抽象艺术等，并将这种时段的分类用于教学专业方向。而巴黎美术学院的提法则是：美术学院不是用来传承某一类艺术的场所，例如，学院派、现代派或前卫艺术，而是要使学生有能力、有技术，帮助他们建构自己的艺术语言，在当代艺术的大潮中发出自己的声音。

与巴黎美术学院相比，可以看出我们的教学是以传统文化为出发点，而西方美术学院以学生的培养为出发点。在不同的教学理念中会得出怎样的结果？由于我每年往返于法国与中国，观看了国内美术学院和法国美术学院毕业生作品，展览中都有很优秀的作品，体现出学生非凡的想象力和艺术才华。国内的学生总体上基本技巧较好，但对个人创造的价值认识不足，思想方法有欠缺。法国学生对艺术的思考有深度，体现出重艺术概念，重思考，有分析能力，但从学生总体上看写实基本功略弱。

中国人重传统，重基础，西方人重个人创造性培养。这两种理念都在各自的轨道上以其文化发展的惯性前行，因而产生了同在一个时代彼此的差异。这一现象是在复杂的文化积淀和社会背景下形成的。在我看来，如何把握传承与创造之间的关系则是当代美术学院教学面临的重要课题。

2．艺术思想与创造意识

西方美术学院教学发展至今日，与美术学院建立的初衷相关。自文艺复兴以来，画家为了从手艺人的队伍中分离出来，艺术思想成为其区别于手艺人的重要标志。建立美术学院的目的是为了培养青年人的艺术思想，其中已显示出重思想、轻技法的学院式教育特点。画坊学手艺的方式已在美术学院教学中改变，技法从未在美术学院中占有重要位置。很多人认为传统技法是对艺术创造力的束缚，个人艺术思想的实现伴随其独特的表现方法。

在中国学油画常出现偏重技法的状况。很多人一生追求的目标便是把西方大师的技法学到手。殊不知这些精湛的艺术作品伴随着艺术家成熟的思考，每种风格都是其独特艺术理念和绘画技法的结合。西方画家在对真实世界的再现中，融八了对自然的思考和对自然现象规律的研究。面对这种以艺术思想为基础的绘画，在没有艺术思想准备和积淀之时，便成了对式样的盲从。盲从便带来了困惑，带来了流于表面的肤浅。照搬一个绘画式样的陋习正在中国当代艺术中流行。西方油画的不同风格、流派都能在中国找到继承者，而中国艺术却没有得到相应的继承和发展。

从总体上看，在国内既缺少传授西方油画技法地道的“师傅”，也缺少对西方绘画艺术理念深入的理解。这样的油画只是在用油画材料作画，仅保留了其材料性质，却出现了很多困惑和缺憾。下面就普遍存在的问题略举一二。

其一，在中国画油画，很多人一生孜孜以求，但始终没能理解古典绘画的真谛。古典油画不是逼真的艺术，它如同中国古典绘画，有其造型的规律，是崇尚简洁的艺术。在造型方法上，出现了描绘理想化的自然和描绘自然本身的不同倾向，但其中都展示了画家对自然世界的概括和整理，展示了画家的艺术理念与智慧，其造型方法具有独特的艺术价值，而对造型语言的研究常常被很多人忽略。

其二，很多人研习传统油画技法，学技法也学其艺术式样，却忽略了技法与创造性的关联。在凡-艾克的技法出现之后，油画的材料技法在不断地改变，逐渐趋于简化，以适合画家个人风格的需要。由于在当代艺术中每个人的创造是独特的，传统油画技法不再有普遍的使用价值，了解传统技法的画家越来越少，油画材料成为修复专业的研究内容。当代绘画则呈现出技法多样化的特点。在中国出现热衷油画传统技法的现象，应注意的是在学习传统技法时，不应陷入式样的模仿，而应掌握技法的科学性规律，创造性地用于当代艺术创作。

其三，很多人作画一生，但未认识到创造性的重要意义，也未意识到个人艺术创造的价值，或不知怎样去创造。归结起来是继承的意识过重，创造意识不强。尽管我国已经出现了很多杰出的油画家，可以作为我国美术学院教学成功的例子，但并未形成一种对创造性的普遍认识。创造性是艺术之根本，创造性培养则是美术学院教学的重点。学生在校期间应掌握专业知识与技能，关键在于设定围绕创造性培养的专业知识与技能的范围，在学习期间建立起学习、实践、创造的自律方法。

3．基本思路与过程回顾

基于对以上诸多问题的考虑，我逐步确定了这本书的主导思想和结构方法油画艺术是利用油画材料进行的艺术创造。因此，探讨油画艺术要围绕着艺术理念和绘画技法的相互关系展开。

谈及油画艺术即涉及了绘画艺术的研究领域，本书对于油画艺术的研究必定延伸到对绘画基本问题的探讨。油画艺术源于西方。在我国，相对中国绘画而言，油画似乎成为一个西方绘画的代名词，对油画的研究可以作为西方绘画问题的切人点。油画也是中国许多美术学院的重要专业，体现了当代中国美术院校对欧洲绘画传统的尊重，为我们提供了油画艺术实践和研究的氛围。

怎样看待西方油画几百年的历史？怎样寻找油画传统技法与当代艺术的对应？

艺术行为的意义在于创造。我们研究西方油画艺术，应从创造这一基本点出发。本书将以油画艺术的传承与创新作为理解油画艺术发展的基本线索，探讨由艺术理念的转变引起的材料技法的变化；通过对具代表性的画家介绍和重点作品分析，形象化地了解油画艺术每一阶段创造性之所在。

油画有独特的艺术语言，并独立于作品内容而存在。对油画艺术语言元素的继承与借鉴，成为当代艺术形式创造的重要手段。学习油画艺术语言，还应了解技法的基本原理，科学地使用绘画材料，借助前人的经验来进行新的创造。

《油画艺术导论》从酝酿、撰写、修改、审定到出版经历了四年的时间，于2009年由南开大学出版社出版。我在书的后记部分记录了撰写中的一些想法和经历。现摘录如下

不知读者是否体会出作者的用意：在这本书里展开对油画艺术多个角度的初步探讨，通过油画艺术所涉及诸多问题的基本线索，在绘画艺术的基本问题上理清思路，引发思考和解除困惑。本书包含了通常要阅读几本书才能得到的知识，这正是本书的结构特点。读者阅读中的收益即本书的价值所在，期待本书成为了解油画艺术的首选阅读书籍。

以油画为线索，了解西方绘画的目的是理解艺术的根本——创造。同时，也涉及到当代中国面临的艺术问题：如何在多元的艺术格局中，创造具有中国文化特征的当代艺术。本书以艺术的创造性作为主线索，既可以用来理解前人的作品，也有助于探索个人艺术道路。在油画艺术诸多方面的讨论中体现了艺术与技术两个层面的结合。学油画不是在学手艺，而是在探寻感知和表达的方法，技巧在实现创造意图时才具有意义。

本书内容的筛选是有针对性的，是根据作者的教学经验、艺术创作体验和欧洲留学的经历，在资料准确的基础上，以辩证和发展的角度来提出问题加以探讨。在中国了解西方绘画受到许多的局限，人们可以看到西方绘画作品，但很难把这些作品置于西方的文化环境之中来体会，更难理解西方人思维方式对艺术创造的影响。作者在法国长时间的留学过程中深有感悟，也希望把这些观感带给读者。

撰写本书期间，每年的教学工作之余，都利用假期赴法国巴黎查找资料。每有疑问时，便到博物馆去寻找答案。坐在博物馆的长椅上，面对大师的作品写笔记，走近细细地体味画面技法，对本书作者来说是一种特殊的艺术享受。早在巴黎留学期间就已熟悉名作悬挂的位置，但是遇到具体问题时，才发现还要再去博物馆看个究竟，才能获得新的收获。

正是在法国长达11年的留学与生活经历中，对西方艺术和艺术思想有了近距离的了解。本书写作是在大量艺术品原作的观摩和艺术理论原著的查阅的基础上展开的。写作方法上也受到了西方造型艺术研究方法的影响，体现在对艺术问题追根溯源、对艺术作品展开具体分析、视觉艺术作品的比较、对艺术作品的创造过程加以关注等方面。

其实，对艺术的理解和艺术实践中产生的问题是思想上的困惑。了解西方艺术不仅要了解它的艺术式样，同时要了解西方艺术家善于思考的习性和思维的严谨，珍惜讨论问题中碰撞出的思想火花，体验思考艺术问题中的乐趣。在撰写本书时，受到西方思维方式的影响，总是想刨根问底，总是想言之有物，因此花费了很多时间去查阅资料，书中留下了作者对许多艺术问题思考的痕迹。由于篇幅有限，很多问题不能一一展开，本书对油画艺术的探讨仅作为线索，为读者留下参与诸多艺术问题讨论的思考空间。

本书写给学油画的青年人，他们阅读后的反馈是十分珍贵的。本书的初稿已有十余位年轻的读者，他们是天津美术院校各年级的本科生和研究生。有的同学画下阅读中体会到的重点部分，有的同学在书稿中记下了自己的感想，还在书稿中标明哪些地方希望进一步了解。我的几位研究生在本书的写作过程中参加了图片和资料的整理工作。

本书作为立项教材，体现了天津美术学院注重艺术思想培养的教学思路。作者在承担这项工作的过程中得到了院系各级领导的支持，蒋志华先生为本书作了文字上的校审。本书也得到了国内外一些专家、教授和艺术家的关心。在此感谢所有关心此书和对此书提供帮助的人。

4．出版后的反馈与成效

《油画艺术导论》出版后用于教学，收到良好的效果。课程的创新决定了教材的创新，这门导论课改变了以往油画基础教学以绘画实践课程为主的状况，成为油画专业基础教学的重要环节。使学生对油画艺术有了一个总体了解，解答了进入专业学习所面临的基本问题，起到了专业学习的指导作用，对培养学生思辨、实践、创造的综合能力起到重要的理论支撑作用。在这门课中，很多学生感到真正迈八了艺术殿堂，学会了“寻源、知今、问己”，对学习、生活和创作有了全新的理解。

南开大学出版社的成功发行扩大了《油画艺术导论》的影响，在网络发行渠道得到了读者的积极回应，被誉为油画专业导读的最好教材。这本书适合不同的读者群，为了解油画艺术提供了相应的知识。

《油画艺术导论》达到了预期的效果在读者的传阅中，使越来越多的人了解这本书，并有所收益：也得到了相应的成效和奖励：2012年被教育部批准为部级“十二五”规划教材，成为历年来入选部级规划教材少有的一部绘画教材。2013年获得第七届高等教育天津市级教学成果一等奖。

这本书得到了各级专家、学者的肯定。天津美术学院学术委员会专家、油画家张京生教授给予了高度评价“该教材确实为本人所见的对油画样式的解读（限中国范围内的）最好的著作。具体讲，它具有以下两个特征一是作者视野开阔，决定了该书不俗的格调。二是作者以对艺术本质的追求，形成了该书的中心思想，决定了其与众不同的品质。”对我来说，艺术本质的追求展现为对艺术创造的理解与体验，并在书中传递给他人。

美术绘画基本知识篇2

[关键词]：读画、审美能力、针对性读画、临画

[正文]：

凡是学什么东西都应有一个方法，也就是说有一个比较尽快接近成功的方法。如果学习方法对符合自身的学习惯例加之工具得心应手，那么就事半功倍必定成功的。学习绘画也是如此，我们都知道，学习绘画最需要直观性。读画是学习绘画的基础，在掌握了读画的基础上进行临画。初涉画坛之门的青少年学生对此是懵然无知的。他们单纯地认为绘画就是对客观事物的模仿，只要肯下苦工夫就可以掌握这门技巧，然而事实并非如此简单。他们首先应该知道的不应该仅仅是技法，而更应该先知道何谓绘画。在具备了一定的鉴赏能力、审美能力、审美趣味、审美修养后，知道应该如何读画？如何临画？这样，素描训练、色彩训练才会有更高的学习效率。

一、为什么要读画

读画是解决“眼”的问题。作画，只有眼高，才能手高。“眼高手低”这一贬意词，用于学画方面，应该说是正常现象，因为学画者如果没有理论水平，没有鉴赏能力，就不可能提高自己的表现能力。绘画理论对绘画实践的指导必须有针对性，抛开绘画实践而空谈理论往往会让学生一头雾水。而在绘画实践过程中进行针对性的读画并辅之以准确的理论解释，则可以起到很好的教学效果。例如，习画者对“素描基本功”这一概念模糊不清，我们可以选合适的经典素描作品作参照，针对性的结合写生内容对素描基本功这一概念进行较全面的介绍：“素描的基本功包括形体结构、明暗光影、透视空间、动态比例等诸因素。在一定的角度下，由于对象的形体特点的关系，产生了与之相符的明暗光影、透视空间、动态比例的变化。作为明暗光影的层次变化也是素描基本功的重要因素之一，有经验的画家可以区分并表现出两千多个层次变化，而没受过训练的人只能区分出很少的层次。基于准确形体结构上的丰富的明暗层次变化，是进一步深入理解对象和生动表现对象的手段和方法。”不过，在这里必须对学生强调“明暗光影的变化是受形体结构所制约的，把笔多用在结构转折处，自然能做到形色结合。在二维画面上表现出三维的立体空间，学生们要从由长、宽两维的观察改变到有纵深的三维观察，即对对象做一个360度的观察。基于此点，要求学生能用雕塑的方法立体地理解和表现对象。

二、为什么要临画

临摹经典之作是更深层次的欣赏、读画。当你看到令你热血沸腾而激动不己的精美绝伦之作品时，深感仅仅用可怜的目光观看不能够完全领会其中的精妙时，动手临画可以起到更好的理解、领悟与掌握作用，促使我们在最短时间内迅速提高造型技巧、丰富艺术知识。其学习效果是非常有成效的。钦尼诺曾对初入画坛者忠告道：“当你临摹你能得到的伟大巨匠们亲手绘制的优秀作品时，你要经常地劳作，一面临摹，一面充分地欣赏”。德拉克罗瓦也说过：“临摹可以使有成就者轻易的获得成功！”作为画家，丰富艺术知识乃至认识自身的过程，仿佛是通过临摹发生的。临摹的过程不仅能提高眼和手的灵巧，同时还可以拓宽艺术视野，丰富技艺，可以培养情趣。

临摹范画的选择，最好能同学习内容的要求紧密相关，并行不悖。临摹可以说是更深层次的读画，因此应该同读画一样具有针对性，要知道自己从所临画中要学到什么问题。临摹作品的选择，必须要考虑作品的风格、特点和水平层次与实际情况相适应。临摹之前要做到“意在笔先”，领会原作的真情实意，体味原作的绘制过程。要注意作品的整体效果，分析局部的刻画，还要想到印刷品与原作的差距，以免曲解原意。临摹者根据个人需要选择重点，可以整幅去临，也可以部分临；可以追求画面整体效果，也可以从中专门学习自己喜欢的某一技法。

三、读画、临画的作用

读画能提高艺术素养，增强审美观念，探索艺术的真谛，提高欣赏水平。临画能使学习者尽快掌握表现技法。传统绘画技法是人类几千年来在自然中不断发展、积累起来的，是人类心血与智慧的结晶。绘画是人类文明的组成部分，综观中国传统绘画发展史和西方传统绘画发展史，历代画家都非常善于吸取前辈或同辈画家的成功经验。总之，绘画艺术的发展史在一定程度上表现为历代画家技法的代代相传史。徐悲鸿在法国留学期间，经常滞留在各个美术馆里流连忘返，悉心研究大师们的作品。后来又去了意大利、德国的美术馆观摩，掌握了西方绘画艺术许多宝贵的经验，其成就是有目共睹的。巨匠的成就历程告诉我们：读画、临画是学习绘画的一个行之有效的学习环节。在这个过程中能逐渐体高自己的绘画素养，是厚积而勃发的过程。

读画、临画只能是辅助写生与创作的一种手段，是继承传统绘画经验的最直接的手段之一，是迅速提高审美修养、绘画意识、强化绘画技巧的有效方法。我们在绘画实践中可以进行有计划的借鉴，但是不能过分的完全依赖模仿，如果这样必然导致我们墨守成规。绘画艺术的根源出自大自然，一切美都蕴藏于古老的自然之中，自然里有无尽的美的宝藏，我们的先人能够发现的美也只是自然中的微乎之其微，最终大自然才是我们最好的教师，只要我们能够继承先人的成就，并甘于寂寞的潜心在大自然中寻找探索，我们超越先人的成就不是不可能的。因此，我们在读画、临画的同时必须锻炼自己敏锐的观察力、健康的想象力、有力的创造力。学会思考、更要善于思考，学会观察、更要善于观察。我们是可以迅速的取得长足的进步的。

参考文献

[1]《科学素描教程》张秀筠译第64页天津人民美术出版社

美术绘画基本知识篇3

信息技术的发展与影响，随着科技的发展和信息时代的到来，图像和影像已经开始成为现代社会的主要传播媒介，视觉文化”这一词汇应运而生。在视觉文化的氛围之下，人们对美术的理解不再局限于国画、油画、雕塑、工艺的范畴，而开始变得开放和多元化起来。反映在教育方面，视觉化”在逐渐改变着我们对原有艺术的认识的同时，也必然对美术课程进行重新审视和新的建构。它一方面极大地拓展了美术课程的内容，另一方面也在逐渐扭转着美术教育的本质内涵”———基于视觉文化的美术教育是一种生活取向的美术教育，美术教育不应只是强调技法的熟练和媒介、材料的认知，而应教导学生关注生活的多姿多彩，并学会对各式视觉影像进行一定的思考、解读与运用。将信息技术应用到美术教育领域中，并发挥其独特的魅力和作用。

二、美术教育

1．美术教育

美术教育也称为造型艺术教育”、视觉艺术教育”等，不同的名称体现了对美术教育涵义的不同理解。以往的美术教育主要指绘画、雕塑、工艺和建筑4大门类的知识技术教育。造型艺术教育”侧重的是以造型元素及其组合规律为主线的艺术、设计等内容的教育，强调美术在实际生活中的应用。视觉艺术教育”的提法超越了绘画、雕塑、工艺和建筑等传统美术门类的界线，其教育内容包括一切与视觉有关的艺术作品和现象，强调视觉阅读、表达和交流能力的培养。美术教育的范围包括一切与视觉有关的艺术作品、艺术现象和日常生活中各种视觉影像，既包括传统的绘画、雕塑、工艺和建筑的知识与技法，也包括新兴的视觉艺术作品和现象，以及日常生活中能构建并传达个人态度、信念、价值观的各种视觉影像，主张通过美术学习，培养学生视觉阅读、表达和交流的能力，引导他们学会对其生活中各种视觉影像进行思考与解读。

2．美术教育研究

美术教育的科学研究，是指用科学的方法对美术教育现象进行系统的认知、分析、解释、控制，以探究和构建美术教育学科发展的基本原理、原则、理论和知识体系的创造。通常讲，美术教育科研，就是一种以获得促进美术教育发展的学科规律性的知识体系为目标的创造性探求行为。其意义在于，有利促进美术教育学科的发展，有利于提高美术教育教学的质量，有利于促进美术队伍的建设和专业化水平。

三、美术教育与信息技术教育两者的特点

信息技术教育与美术教育密不可分，互相影响、相互渗透。美术教育与信息技术教育的实质都是视觉的表现形式，都是通过一定的工具、借助一定的材料把视觉的效果呈现出来。现以美术绘画和计算机技术为例来阐述美术教育与信息技术教育的特点与关系。

1．美术绘画的特点

美术又称为造型艺术，绘画是美术艺术的根基，艺术是人类藉以表达情感的一种形式，而色彩是视觉艺术诸多形式语言中十分诱人的一种。单纯的美术教育应视为绘画艺术，绘画是通过色彩、造型、构图等表现出来的，色彩与表现是绘画的重要因素。色彩本身是一种表现手段，色彩总是和其他因素结合在一起构成整体的表现力。包括构图、造型、用笔、用刀以及使用各类工具材料与制作手段所发挥的表现效果。传统的色彩手绘，必须是通过绘画者根据自己的观察和自身的审美理念，用手工调制颜料，并通常是借助于各种类型的笔，在油画或水粉画中有时会借助于画刀，无论是笔或刀，当它们将颜料从调色盘转移到纸上或布上时，所留下的便不只是颜色，而同时包括笔或刀所运行的痕迹，这种痕迹便构成了绘画的表现效果。其特点：一是传统绘画作品人情味十足，它所构建美的表现形式与计算机绘画相比没有事先设定好的程序、画笔、渲染效果等，因此，具有更大的自由性与随意感；二是传统绘画形式表现个性化明显；三是传统绘画作品的表现效果具有直观性，更能抒感、表现个性，它所创作出的画面效果更具原创性，也具有严谨的形式美和充分的艺术感染力。从另一方面看，传统绘画劳动强度大、用时长、效率低。

2．信息技术的特点

运用计算机等多媒体技术来表现视觉效果的，同样是用在绘画上，如果用计算机来制作，那完全就是不一样的感觉，只用移动鼠标，按照设定的程序操作就可达到很好的作画效果，计算机绘画有很好的发展空间，能充分展示物象的特效功能，其特点：一是计算机绘画效率高；二是精确度高；三是作品易于表现，绘画方式容易掌握。从另一方面看，计算机绘画没有特色、没有个性。3．美术绘画与信息技术的关系在技法上，传统绘画的技术是艺术家在实践的基础上，认识了造型能力及协调画面各种关系而表现的技巧，同时熟悉绘画工具和材料的性能，并掌握其科学的操作方法。在计算机绘画中，对一种技法的认识是对某一命令程序所产生的结果上的认识，如色彩的变化在传统绘画中需掌握大量的色彩理论知识和实践经验，在操作上也要经过大量耗时费力的训练。而计算机的绘画方式更加简便、快捷，形象具体而真实自然。另外，借助信息技术的有利因素，可激发创新精神和对艺术作品感悟，认识与理解形体、色彩、构图、线条、质感等造型要素，运用计算机及多媒体组合，运用美术基本造型表现技术创造形象，使美术构思与形象创造不断完善，也使美术创作意识与应用能力得到促进和提升。由此可见，信息技术的发展给传统绘画中存在的难以解决的问题找到了新的出路，并使一些技法简单化。从表现形式上说，也能将主观表现与客观再现融入一体，从而创意出当代艺术新的视觉表现形式。

四、信息技术与美术教育的有机结合

信息技术在各领域中被广泛运用，它是当代文化的精髓之一。运用到美术教学中更能整合美术教育资源，使美术教育教学手段向多元化发展，扩大美术作为视觉艺术领域的内容及取向。

1．运用信息技术，提升学习美术的情趣

美术是造型艺术，通常意义来讲，视觉艺术，具有可视的形象特点，但用传统的形式单纯的来学习美术绘画，学起来死板，没有情境，在美术教学中，结合并运用多媒体技术教学，这实物展示、投影、影像引进，使美术教学内容由平面到立体，由静止到运动，极大地优化了美术教学的信息量和科技含量。充分利用信息技术的网络平台指导学生在学习上遇到的问题，学生把自己的作品上传到网上与教师进行研讨，培养学生利用计算机解决实际问题的能力。学生也可利用网上平台查看教师课件。在教学中，教师要以学生为中心，以学生为主体，运用多媒体及网络教学现代化的教学手段，激发学生学习意识，活跃课堂学习气氛，使学生积极参与课堂教学，让学生感觉到信息技术的魅力并由此激发他们学习信息技术的动机和创作动机。同时也极大地提升学习美术的情趣。

2．运用信息技术，提高教学质量

多媒体教学的介入，为目前美术艺术教育提高广大学生的绘画修养和创意能力的改革提供了科学的保证。在美术教学中，美术教师在教学中要充分利用信息技术、多媒体教学这一技术的优势使之与美术教学的相结合，视觉上能更好表现艺术形象及绘画手段教学的根本目的，美术教学是视觉艺术教学，最终是借助视觉形象来传达教师的意图，所以在利用信息技术中有着得天独厚的优势。美术教学中，美术教师不仅仅要把绘画语言传达给学生，而且也要利用现代多媒体技术教学手段表现绘画基本技法，使学生既能了解教师的意图，也能根据教师的意图利用多媒体课件独有的画面看到现代绘画的基本技法表现过程，使学生之积极参与教师的教学过程，极大地增强了课堂的生动性和趣味性，有效地完成课堂教学效果，极大地提高美术教学质量。

3．运用信息技术，培养学生鉴赏美的能力

教师讲解作品时，不仅仅关注的是技法，也要积极引导学生感受作品的美，不仅要欣赏作品的形象外在美，更要引导学生把握作品形象的内在结构美。在教学中，发挥信息技术网络教学的作用，可利用网络平台课件中的优秀美术作品，更有效的引导学生鉴赏美，并将这种本质特征的美用明白易懂的形式逼真的表现出来。法国艺术大师罗丹说过：对我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现。要充分利用多媒体技术引导学生去发现美、鉴赏美。利用网络平台技术、电视影像、书籍和现实生活中获取教学所需的图片等感性材料应用于课堂教学。同时给予学生视觉、听觉等全方位的信息，对学生的多种感官形成一种感染和冲击，从而唤起学生审美的欲望，把被动的接受过程转化为主动出于内心的冲动与要求，使学生受到美的感染，达到审美的目的。如《色彩》课教学课件里，加入大量的像印象派、俄罗斯写实画派、徐悲鸿、齐白石等优秀画派及大师的作品图像资料，运用艺术软件编辑合成。在教学时，学生既学到了大师的高超的绘画表现技巧，也感受到作品形象的自然美。在唤醒学生审美意识的同时，也增强了他们的绘画意识。所以在美术课教学中，多利用网络多媒体教学可以营造真实、生动形象的动态化情境，将学生引入跨时空、跨地域的特定氛围中，犹如身临其境。有利于学生对美术教学过程的理解和审美，增强了学生鉴赏美的能力。

4．利用信息技术，培养学生创造美的能力

美术教育作为学校教育的重要组成部分，美术教育可以培养人的艺术欣赏和艺术创造能力，因此，教师不仅要充分利用好教材，还要充分利用现代化网络教学平台模式和多元化的教学手段，通过讲解、动画视频给学生以生动的直观视觉感受，可以与学生进行交流和互动，起到活跃课堂教与学有机结合的效果，活跃课堂气氛，加深学生理解和认识的目的，增强自主学习的作用，使传统教学手段和现代手段相结合，改变了美术教学的单一性，更有效地激发学生创作激情和感悟作品创作思想的精髓，激发学生的想象力和审美创造力。如利用多媒体和网络平台让学生理解并掌握形体、明暗、空间、色彩、线条、工具材料使用技巧等基本造型要素，同时学生利用计算机进行综合性学习，增强传统和现代综合创造表现能力。绘画是技术的，也是思想的，是技术和思想的结合。在创作思想的这样一个精神层面上，教师想用更多的现代信息技术更多的引导，从视觉的感受上直接地影响学生作提取、表现研究、分析。研究表现与再现、主观与客观、形式与情感、具象与抽象、美与不美等创造课题，现代艺术创造需要学生对传统绘画进行重新的诠释，以追求现代信息技术与传统构成法则下的绘画创造效应，现代艺术以感觉为中心、以存在为中心、以形式为中心。现代艺术的观念体现学生作为创造的本体出现，对作品的语言形式多元构成，将借助于信息技术来组构，使画面更有时代感，更能展示形式语言的真实性和审美性，更能发挥学生艺术的想象力，培养学生创造美的能力。

五、结语

美术绘画基本知识篇4

关键词：美术专业信息化教学专业整合美术知识技能教学质量

中职学校学前教育美术专业主要是培养掌握美术教育的基本理论和基础知识，具有较强的美术绘画技能技法，能在幼教中从事美术教学，组织美术课外活动和竞赛工作的教师。信息化教学的介入使美术专业的主干课程能更好的完成教学任务，也是学生掌握大量实际技能的有效途径，更是培养未来潜在美术专业人才的发展方向。电子信息技术的不断发展，使其在当今教育领域中的应用越来越广泛，它可以扩展学生视野，使美术教学更生动形象，易于理解记忆，便于学生更直观的学习知识、理论及训练技能技巧，有利于激发学习积极性和主动性，支持个性学习。因此中职学校美术与信息化教学的融合，已经逐步形成美术教育领域的新趋势。

一、激发学习兴趣，组织学生利用信息技术的优势学习美术基本原理和绘画规律

中职学校美术专业教学，对美术原理的讲授是教师比较头痛的问题，有些理论原理抽象难懂，学生接受难。电脑美术软件的介入有效的解决了这个问题。应该说信息技术的渗透和传统美术教学并不是对立的，它们之间有所沟通并相互补充。信息课作为一种先进工具，帮助学生直观理解了美术基本原理，增加学习兴趣，提高学习效率。

例如，在讲解绘画基本原理“造型的基本元素”一课中，教师先将素材准备好，然后利用flas软件根据需要将静物间或静物各部分的大小、长短、高低、多少、宽窄、厚薄、面积等不同比例关系制成变形动画并向学生演示，学习和体验不同比例关系形成的不同美感。在“光影原理”讲座和训练中通过绘图板或Photoshop软件，利用曲线、明度等工具使学生将光影调子、黑白灰关系等理解到位，学生在不知不觉中学会了Photoshop等绘图软件的操作又能主动的学习美术原理。再如，讲解“立方体的平行和成角透视”这节课，比较难理解，教师通过CAD和三维动画软件结合制作的动态演示课件，使得透视教学更为直观。这种整合化教学既减轻教师的授课难度，而且能促进课堂气氛的活跃度，教学效果十分明显。通过这种学习，使学生轻松方便地掌握美术规律及绘画原理，从而更好促进课堂教学。

二、引导学生利用电脑信息技术学习美术基础知识

（一）通过网络信息引导学生自学美术知识

学生对网络的求知欲和对美术知识的求知欲一样强烈，因此我在教学中，将二者合二为一，先给学生布置美术任务，然后再到电脑上查询相关知识，最后展示成果。学生在整个过程中自然的学习了美术知识。如讲“雕塑”一课，要求学生在网上分别找自己喜欢的浮雕、圆雕作品若干，不直接讲浮雕、圆雕概念，但学生在查找过程中自然明白了其中含义。有的学生甚至要求多展示一些以表示自己的网上学习能力强。

（二）利用信息技术，加强直观教学完善教学评价让学生在快乐中学习知识

例如，以往的手工教学主要靠教师的讲解示范，学生的模仿操作反复实践，形成技能。教师在讲解基础知识时学生好动、注意力不集中、兼顾性不高。我用动画课件结合信息技术室的实物投影仪等一下子把学生注意力吸引到课堂教学上来，既巩固了美术基础知识又为下一步技能训练打下良好基础。

讲解“剪纸”一课中阴刻、阳刻知识时，教师先制作一组变形动画让学生引发兴趣，直观理解。然后引导学生参与，将自己认为的阴刻或阳刻作品放到投影仪上，并加入事先准备好的动画模板中放映。教师要给予及时鼓励并总结，学生在快乐中学习了知识，在技能训练中自然能完成任务。

（三）引导学生利用电脑绘图软件学习美术知识

例如，“色彩知识”教学：我们生活在五彩缤纷的世界里，天空、草地、海洋、漫无边际的薰衣草都有它们各自的色彩。你、我、他也有自己的色彩，代表个人特色的衣着、家装、装饰物的色彩，可以充分反映人的性格、爱好、品位。不同的色彩搭配组合会给人的视觉和心理上形成诸如温暖、寒冷、华丽、朴素、强烈、柔弱、明亮、阴暗等不同的环境气氛，表现出各种不同的感情效果。在色彩原理教学中，传统的教学直观性价差，学生在实践中，很难把色彩知识自觉地应用于创作中，出现了理论不联系实际的情况。

教师在教学中先用CorelDRAW、Photoshop等简便易学、操控强的软件作为教学软件，将色彩教学通过交互电视进行形象直观地讲解，学生通过真实的色彩表现，轻松学习色彩知识掌握色彩搭配规律，课堂练习上，学生可反复练习既环保又实效。

例如，可以利用CorelDRAW、Photoshop等学习色彩的三要素等知识，尤其是色彩三原色的教学直观准确，学生可以一目了然地看到各种色相。教师又利用flash软件制作的动画表现红、黄、蓝三原色调配出间色、复色等任何色彩的动态过程。在色彩明度与纯度的练习中，教师指导学生用Photoshop里的亮度和饱和度工具直观地理解色彩的明度和纯度，使学生易于理解掌握。如进行蓝色的色彩纯度和明度渐变练习，学生可以清晰地看到颜色的属性的变化，便于深刻科学地认识色彩。教师又通过服装色彩搭配动画交互软件让学生亲自参与到色彩各要素的变化、组合应用训练中，学生在玩中对色彩有了较为深刻的认识，使学生肯学、乐学、易学。

三、整合学习方式，启发学生利用电脑软件学习美术绘画技能技法

美术活动离不开实践，美术绘画技能是学生应具有的专门的技术能力，它是在实践活动中形成和发展起来的。只有具备一定的技能，才能成为一名合格的幼教美术老师。这部分我同样借助信息技术来完善教学，但需注意的是电脑技术的介入教学虽然具有一定优势，但也不能够完全代替传统的美术绘画练习，是相互补充的关系。

在“自画像”一课里，我先安排个别学生事先画好自己的不同风格自画像：胖的、瘦的、不同发饰的、高兴的、生气的等。然后用flas制作成动画片在课堂上播放。学生的学习积极性可想而知，也纷纷想制作自己的动画名片，这样学生不但完成美术技能训练又学会了“美图”、Photoshop等软件的使用。

在构成练习中，我指导学生利用CorelDRAW等绘图软件的粘贴复制、拉伸、镜像等工具把不同基本形在不同的骨架内进行排列，使其愉快的完成了构成的基本训练并创作出大量的丰富的构成画面。学生可以反复在电脑上进行练习，既有效率又节省纸张、颜料等绘画工具。

可以说只有美术教学和信息化教学技术有机整合才能达到理想与艺术的完美相融，才能使两种教学顺畅、高效。中职学校美术专业信息化教学，在实践中，还有很多问题需要我们去发现、去探索、去解决问题。这就要求我们中职教师平时认真思考，积累经验为职业教育的发展添砖加瓦。

参考文献：

美术绘画基本知识篇5

关键词：传统美术教育；电脑设计；创新

随着时代的不断进步，新科学新技术出现速度的加快，特别是数字技术的出现，它带来的技术变革对艺术表现形式产生了深远的影响，震动了整个美术界。电脑设计以其精确的科学性、强大的适应性和颇有效率的经济效益，近几年，几乎渗透到美术的各大领域中，它以其独特的方式开创了现代美术的新方向，在这些环境下越来越多的高职院校开设了电脑美术课程。在新课程的开设后，

传统美术教育怎么来适应新课程的需要，这就需要我们慢慢研究

总结。

一、各专业电脑设计课程需要什么基础绘画能力

影视动画专业电脑设计课程需要掌握比例、透视、结构、空间的分析能力、再现能力、审美能力、观察能力，提高绘画技法、思维逻辑和语言表达的能力。艺术设计专业电脑美术课程需要使学生

掌握基础素描理论及素描造型变化规律，掌握正确的造型观察方

法、表现方法，使学生掌握科学的创新、创意、创造的思维能力，并能灵活运用到艺术设计专业中。总而言之，这种能力的培养是学生从事未来职业工作的必备条件。要使学生掌握基础色彩理论及色彩变化规律，掌握正确的色彩观察方法、表现方法，掌握科学的创新、创意、创造的思维能力，符合设计专业的专业要求。这些能力的获得就需要学生学习绘画基础课程（素描、色彩、速写、图案），在学习中掌握各种绘画能力。

二、江苏省五年制艺术高职校存在的困扰

绘画基础课程是集中一年内完成，还是分散到三年内完成，哪一个更适合专业的需要？有两种不同的意见：（1）基础课程集中在第一年内完成。（2）基础课程平均到每个学期去。结合这两种方式，我觉得可以用先集中后分散的方法，把绘画基础课程合理分到各学期去，前期课量多偏重基础，后期课量少偏重设计，这样既保证了专业课程对绘画基础的需求，又可以避免会了电脑丢了手绘。

三、现阶段形势下，绘画基础课程的种类

传统美术教育课程和设计绘画课程是现阶段形势下的两种绘画基础课程，这两种绘画课程虽然都属于绘画基础课程，但是两者是完全不同的课程。传统美术教育课程包括素描基础、色彩基础、图案基础、速写基础，训练学生掌握绘画的比例、透视、结构、空间的分析能力和再现能力。设计绘画课程包括设计素描、设计色彩、装饰图案、设计速写，主要是训练学生的利用各种不同绘画工具进行画面表现，不同类型的排线组合训练，掌握艺术规律、造型规律、色彩规律、各种表现手法等知识技能。所以前者训练的是技能和动手能力，后者训练的是意识形态中的情感表现。侧重点不同，结果也就不一样了。随着高职美术教育的不断改革，专业老师越来越意识到学生设计思维的培养非常重要，设计绘画基础课程就被放到了重要的位置上。绘画基础课程在高职美术院校中已经悄然改革，长时间绘画基础课程的教学，各专业都已经有一套适合自己学习的课程内容安排，比如，各专业把设计的概念融入课程，在传统基础课程中融入设计，但设计绘画课程就必须以传统美术教育课程为基础，也就是说在学习设计绘画前还是要学习传统美术教育课程。基于这个基础，我们可以把设计绘画课程学习分为三个阶段：第一阶段：理论基础阶段，这一阶段主要是学习绘画的基础知识，掌握传统美术教育基础透视、构图、明暗、造型知识，有熟练的造型能力。第二阶段：想象创意阶段，学习设计的方法，了解设计的要求，收集设计素材，并能通过设计规则，对素材进行变形、拆分重组、概括提炼等，得到创意想法。第三阶段：归纳设计阶段，通过上一阶段得到的创意想法，在这一阶段实施，根据实际需要完善设计。

综上所述，高职教育中传统美术教育课程的创新，究竟怎样来适应专业发展的需要，利用传统美术教育课程学到的造型、审美、表现能力，来为电脑设计课程服务。换句话说，美术离不开传统美术教育的学习，前面加上电脑技术也是一样，要教会学生去感受艺术形式的本质，学会运用本质，掌握感知艺术的能力，更好地融合在专业学习中。

参考文献：

[1]王欣东.数字化艺术的魅力：论电脑美术的特点及其艺术精神[D].东南大学，2005.

[2]王宁.浅谈五年制高职专业设置与课程体系[J].中国职业技术教育，2004（22）.

[3]朱亚.传统美术教育与电脑设计浅析[J].皖西学院学报，2005（03）.

美术绘画基本知识篇6

关键词：高中美术绘画教学理解见解

一、对高中美术教学中绘画的理解

根据课程标准对课程性质的界定，绘画教学是建立在造型和表现基础之上，为了让学生的美术技法与鉴赏能力能够得到巩固、加深、延伸和拓展的一门课程。作为人类最早就创造了的艺术表现方式，绘画给学生带来的影响是巨大的。虽然笔者这篇文章要阐述的是高中阶段的绘画教学，但我们的起点却可以从学生的儿童时代开始。众所周知，人在儿童时代就开始对颜色和图画产生一种天然的兴趣，儿童时代的许多知识、经验也都是从绘画中获得的。根据我们与小学语文教学同行的交流，得知现在很多小学都开展一种以绘本为载体的教育，我们在书店中也能看到许多小学生用的绘本。这说明绘画已经作为一种重要的载体进入了学生建构知识的过程当中。回到我们的高中美术教学中来，笔者以为高中阶段的绘画教学有两个重点：一个是让学生掌握基本的绘画技巧；另一个是培养学生通过绘画表达内心情感的技能。

作出这一判断并非没有依据，在高中美术《绘画》（人民教育出版社）的“前言”中明确指出，“绘画的学习和实践，是人类精神文化生活中不可或缺的审美创造活动，……它不仅能够启迪我们的智慧……还可以陶冶、涵育、锻炼和培养我们的品德情操、情感意志、创造精神和实践能力，有利于我们将来全面的发展与成长。”精读这段话我们可以发现，绘画教学最终明确指向学生的发展与成长。从绘画概念的理解来看，我们可以视其为绘画概念的外延。在教学实践中，笔者对绘画教学有了一些理解与心得，现以文字来阐述笔者所思所想，以希望为高中绘画教学起到抛砖引玉的作用。

二、绘画中色彩的运用及其作用

绘画是绘画者以点、线、面、体，以及明暗与色彩来塑造具有一定内涵与意味的艺术形式。从中我们可以看出色彩的运用是一个非常重要的因素。在实际绘画教学中，我们注意到学生在绘画时往往具有写实的一面，同时也有写意的一面。什么意思呢？就是学生一方面会对生活中的实物进行物理角度的构思，以求得作品符合生活实际，但另一方面学生有时也会画出一些由想象构思出来的作品，如动漫人物等。在这样的绘画中，色彩的运用成为学生重点思考的内容，也成为我们观察学生内心思考的一个窗口。在这里笔者结合学生在绘画过程中色彩的运用，重点谈谈色彩的表现力。

根据有关研究，人类从原始社会就开始注意色彩的运用了，从出土文物中我们可以看出，色彩确实在一些文物中得以体现。例如从新石器时代出土的舞蹈纹彩陶盆中我们就能看到集体舞蹈人像选用了黑色。既然如此，在实际教学中我们就应该注意结合现代高中学生的发展需要，以求通过绘画中色彩的运用来促进高中学生认识美和鉴赏美的能力。

比如说我们曾在连续几节的美术课上，先让学生尝试通过给儿童绘画，以培养他们认识儿童世界的能力。在这个教学过程中，我们引导学生去发现儿童喜欢鲜艳的颜色，喜欢明度比较高的颜色，因此给儿童的绘画在色彩上就要由此入手。然后我们再布置学生给少年绘画，有了前面为儿童绘画的基础，学生就会产生一种对绘画的认知基础，同时也有探究少年世界与儿童世界区别的欲望，而通过探究，学生也确实发现少年阶段的学生更喜欢灰色调的颜色，而且少男少女喜欢的颜色也有所不同。了解到这些知识之后，学生在绘画中选用的色彩就有了相应的变化。有意思的是，虽然我们没有做大规模的严格调查，但我们将学生的作品分别放在不同年龄阶段的孩子面前时，十岁以下的儿童挑选了其中色彩艳丽的图画，而十四五岁的孩子选择了颜色不太艳丽但具有一定思想的图画。

众所周知，绘画过程中画色彩时有不同的用笔技法，何时用刷，何时用勾都值得研究，而色彩的色调选择往往也需要结合创作的意图来考虑明暗与冷暖。有人在研究梵・高的《向日葵》时，发现作者用笔有力，用强烈的黄色借助向日葵表现出内心向往太阳、寻求光和热的感情。这样的解读我们认为是恰当的，因为作为作者的内心写照，色彩相对具有更为重要的作用。因为至少人们在欣赏一幅作品时，首先刺激欣赏者的就是颜色。

三、中国画与西方绘画的意蕴教学

坦率地说，意蕴是很难通过“教”的方式让学生“学会”的，但这并不意味着在高中美术教学中教师无法有所作为，因为在绘画教学中教师可以抓住很多时机，带领学生去感受中西方绘画的不同意蕴。

我们先来说说中国山水画教学中的意蕴领略。相对于西方绘画而言，中国画非常注重意蕴，欣赏一幅中国画往往不是看像不像，而是看有没有“神”，这也就是我们常说的“神韵”。对于这种意蕴的教学，往往体现在中国画的绘画选材和技法教学当中。比如说中国画中菊竹梅兰、花鸟虫鱼是最为常见的素材，中国画画它们往往总是取其精华，名家画竹只取其中两三枝，名家画鸟往往也是寥寥几笔，为什么名家眼中的形象对象只剩下这么一点点呢？正是因为他们通过观察，在思维中完成了由具象向意象的转变。在中国画教学中，我们需要着力的就是引导学生体验名家的这种转变过程，而这必然是一个学会用“神”的眼光去观察“形”的过程。教学经验表明，只要我们给足学生时间与空间，在适当的时候以优秀的作品来作为学生思考的对象，那学生领略中国画意蕴的能力就会增强，水平相应也就有了提高。

现在再来说说西方绘画中的意蕴领略。西方绘画作品的意蕴发源于古希腊时期的哲学认识，据说柏拉图和亚里士多德的哲学认识诞生了古希腊的罗马绘画。由于中西方的哲学观点有着明显的差异，因此相对于中国画而言，西方的绘画重形也重神。再仔细一点分析，我们就会发现西方人其实也有追求简单的意向，包括绘画表现在内的许多领域都追求“傻瓜”式的效果，因此西方的绘画首先就要具有形的冲击力，《创造亚当》、《最后的晚餐》等作品莫不如此。因此我们在实际教学中，就要让学生意识到这一点，并学会从西方哲学的角度来理解西方的绘画作品，而在学习西方绘画的过程中，也要以相应的哲学观和审美观点作为出发点，这样才能创造出符合西方审美观的作品。