绘画作品篇1

徐渭（1521―1593），字文长，号天池，又号青藤道人，山阴（今浙江绍兴）人，出身于破落的士大夫家庭，自由博览群书，年长后爱好弹琴、骑射、击剑、学佛习道，对戏曲有着精深的研究。他才华横溢，在诗文、戏曲、书法、绘画等方面都有很高的造诣，徐渭的一生可以说是戏剧化的一生。

徐渭的一生充满悲剧：年纪轻轻，亲人就一个个地逝去；20岁时中秀才，后在科举上屡试不中；37岁时应浙江总督胡宗宪之邀在其幕府任书记，参谋机要，曾献计打败沿海倭寇的侵扰；晚年相对安定，而胡宗宪因涉严嵩案被查办入狱，徐渭因此精神异常痛苦，导致神经失常，多次自残未死，又因误杀其妻入狱从而坐牢7年，出狱后曾应友人邀请赴北方边关游历。徐渭晚年穷困潦倒，靠卖画度日。但从不为当政官僚作画，“有书数千卷，后斥卖殆尽。畴莞破弊，不能再易，至借稿寝”，常“忍饥月下独徘徊”，闭门谢客，只有在张元汴去世时，去张家吊唁。最后在“几间东倒西歪屋，一个南腔北调人”的境遇中以73岁高龄结束了一生。死前身边唯有一狗相伴，床上连一张席子都没有，凄凄惨惨。

当代戏剧学家王长安先生在《徐渭三辨》一书中曾用一首“十字歌”来概括徐渭的一生：“一生坎坷，二兄早亡，三次结婚，四处帮闲，五车学富，六亲皆散，七年冤狱，八试不售，九番自杀，十堪嗟叹！”

二、从绘画作品中品味徐渭的“墨戏”人生

（一）文人画对徐渭绘画作品的影响

徐渭生性高傲，狂放不羁，其坎坷的人生经历是他愤世嫉俗性格形成的主要原因，并表现在他的绘画艺术作品中。如果说徐渭的一生是戏剧化的一生，那么他的绘画作品可以说是“画在纸上的戏剧”。而文人画中对生命的觉解，深深地影响着这位伟大的花鸟大写意画家，他将自己整个生命融入到绘画作品中，成为带有浓厚文人画的杰出代表。

文人画，又称“士夫画”，并非指特定的身份（如限定为有知识的文人所画的画），而是具有“文人气”或“士夫气”的画。“文人气”，即今人所谓的“文人意识”。著名美术家、艺术教育家陈衡恪论文人画，认为“是性灵者也，思想者也，活动者也”，他用“思”来概括文人画的基本特征。明末清初著名的书画家恽南田说：“秋令人悲，又能令人思。写秋者必得可悲可思之意，而后能为之。不然，不若听寒蝉与蟋蟀鸣也。”看一幅《秋声赋图》，如果不能给人以智慧的启示，不如去听寒蝉鸣叫。这些更好地诠释了文人画智慧启迪的重要性。徐渭说自己的画：“百年枉作千年调。”用自己有限的生命创作出对这混乱人世思考的图式，却嬉笑自己是“墨戏”之笔，道出了他的画不在形似，而在于表现他人生的真实本色。正如其现藏于上海博物馆的一幅四米长卷《拟鸢图》中，画心自题“漱汉墨谑”四个大字，把他人生的悲歌用淋漓的水墨泼洒出发自内心深处的叹息。

“墨戏”中崇尚自由创作的精神，在元代文人画代表吴镇身上也常常体现：如他的《秋江渔隐图》题诗中落款所提到的“梅花道人戏墨”，在《芦滩钓艇图》中诗后落款“梅老戏墨”等。被称为“墨戏”的创作方式，最早追溯到北宋二米的“云山墨戏”，而后到徐渭这，成为“墨戏”之法的鼎盛代表，可以说文人画的创作精神深深地影响着徐渭的艺术人生，反过来，徐渭又把其这种精神发展到极致。

（二）徐渭绘画作品中的“戏而非戏”

徐渭用一种“游戏”的心态作画，在纸上为所欲为，而这种“游戏”的心态并非儿戏，而是用大胆、泼辣、乱头粗服的画风，发挥了文人画中以笔墨抒情写意的传统，并结合苍劲奔放的书法题诗，表现他倔强不驯的鲜明个性，体现其绘画作品中的“戏而非戏”。

徐渭的绘画代表作有《墨葡萄图》《榴实图》《荷蟹图》《杂花图卷》等。著名的写意作品《墨葡萄图》，画的不是传统美学中所表现的晶莹剔透的葡萄，而是暗黑的月影下枯萎干瘪的烂葡萄。画中以狂放泼辣的行笔和淋漓酣畅的水墨，画出枝叶低垂掩映着的串串葡萄，用笔似草书之飞动，淋漓恣纵，画上方以奇倔的行草题诗：“半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风。笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中。”诗画与书法在图中得到恰如其分地结合，他一生饱经患难、抱负难酬的愤恨抒泄于笔墨中。

除此之外，徐渭的泼墨牡丹，不拘于牡丹的富贵高雅特征，色彩绚烂，却常常以水墨绘之，有意改其本性，用一种“游戏笔墨”刻意营造强烈反差的意象，其目的是赋予牡丹清雅脱俗的格调和神韵，表达对现实的激愤，所谓“从来国色无装点，空染胭脂媚俗人”。他笔下的墨竹，枝淡叶浓，逸笔草草，竹枝气势劲健，形成了一股巨大的审美张力，来表现竹的高洁清爽之气，这正是画家身处下层、怀才不遇、品格高洁、绝世独立人格的真实写照。

绘画作品篇2

关键词：线条;情绪;艺术表现;艺术创作

在几年的教学中又唤起了我对造型基本元素的理解。在进行绘画创作中我一直在思考几个问题,如何去理解造型艺术的最基本因素——点、线、面,如何将社会环境和艺术创作联系在一起,如何抓住受众心里最柔软的那一个点,引起人们的强烈共鸣,在某种意义上席勒的绘画作品是解开我多年疑惑的一把钥匙。

一、席勒的作品风格及用线特点

席勒绘画作品最显著的特点是锐利敏感的线条表现以及有着变异和几何结构的带有压抑感的形象。他的作品不满足于象征主义绘画的唯美、感伤和神秘主义,而采取了一种更为粗犷、奔放、无所顾忌的艺术形式和创作态度,作品具有强烈的表现主义风格。席勒善于描绘非静态的人物和景物,无论是什么样的形态都像处在惊恐不安状态,恐惧与绝望的威胁交织成可怕的阴影,始终笼罩着他的作品。

席勒绘画作品以厚重、简洁、随意的线条表现最原始的欲望冲动,表达从传统形态向现代形态过渡时西方人的焦躁不安,他的画表现了他的颓靡、恐惧、幻想,以及残忍的自我折磨,绘画人物经常画在空白的底子上,有时只勾出轮廓线,并把人体拉长变形。他冷俊的线条令人震颤,作品中粗重的线条强调清晰的外轮廓,然而在焦躁的画面中我们又可以明显地体味到他对线条的热情以及对人类精神状态的关注。

二、席勒绘画作品中线的情感表达

席勒作品中对于水平线的运用不多,只是在其情绪比较稳定的极短的一段时间内运用了相对多的水平线。水平线具有静止和安宁之感,并且可以起到分割画面和稳定画面个作用。席勒这一短时期的作品中虽然运用了较多水平线,但画面传达出的并不是一种纯粹的宁静感,而是处于一种情感压抑下的戒备状态。他的风景画感觉拥挤不堪,像一个精神不安的人暂时得到了抚慰,以后迟早还会爆发一样。

如果说水平线在席勒的笔下变得不安起来,那么曲线就更是席勒有力的倾诉语言。曲线被进一步强调时,画面就变成为强烈的感情表现。用曲线支配的空间代表着幻想的宇宙或不安的漩涡。因此,无论对画家还是对观众都能制造出不平静的感觉状态。说到“不安的漩涡”我们首先想到的可能会是后印象派画家凡·高。从绘画的角度凡高直接影响了席勒。虽然他们表现风格不同,却在赤裸的呈现自我中得到了升华和观众的认同,是完全的自我情感表达。他们以最简约和最个性的方法画画,不满足于表达所看到的的事物,把我们带到他们的痛苦心灵之中,用漩涡形和波浪形的笔触来表达他们内心激动的风暴。

席勒的绘画作品中富有挑衅性的人体和情欲场面揭示了当时人们的心理,画出了人们想做而不敢做的事,或者说是在当时受到严厉打击和禁止甚至在道德舆论领域人们都不敢提及的事。让人们有种心理暗疮被戳中、心里秘密被偷窥的感觉。其正如鲁迅先生所言:“敢于直面惨淡的人生,敢于正视淋漓的鲜血”。

而对于席勒这些情感的传达,他找到了适合的、有力的、另人震颤的表达工具——“线”。他的线条极尽疯狂毫不修饰,展示着人类的本性和不可预知的巨大潜能,在自我宣泄中释放出巨大的艺术能量。席勒的线条是直接的也是神秘的。人们常把线条认为是连接两个点之间的连续符号。其实线条可以通过想象来形成。只要给出起点和结束标记,中间在给些暗示,想象力自己就会去填补其余的空白。这种方法使观者得以参与创作的过程。想象的线条还能够突出气氛、增加深度。在席勒的作品中比较常见的是对于面部和手的详细刻画而省略身体的其他部位。或者只选取身体的某个部位进行描绘。这样很容易将观众拉入他的作品、拉进他的情感旋涡,让人们不自觉的顺着他时而省略时而抽搐的线条进入画中人的精神世界。用“痛并快乐”着来形容他的这种线是不为过的。

三、从席勒绘画线条中得到启示

绘画作品篇3

关键词：线条;情绪;艺术表现;艺术创作

在几年的教学中又唤起了我对造型基本元素的理解。在进行绘画创作中我一直在思考几个问题,如何去理解造型艺术的最基本因素——点、线、面,如何将社会环境和艺术创作联系在一起,如何抓住受众心里最柔软的那一个点,引起人们的强烈共鸣,在某种意义上席勒的绘画作品是解开我多年疑惑的一把钥匙。

一、席勒的作品风格及用线特点

席勒绘画作品最显著的特点是锐利敏感的线条表现以及有着变异和几何结构的带有压抑感的形象。他的作品不满足于象征主义绘画的唯美、感伤和神秘主义,而采取了一种更为粗犷、奔放、无所顾忌的艺术形式和创作态度,作品具有强烈的表现主义风格。席勒善于描绘非静态的人物和景物,无论是什么样的形态都像处在惊恐不安状态,恐惧与绝望的威胁交织成可怕的阴影,始终笼罩着他的作品。

席勒绘画作品以厚重、简洁、随意的线条表现最原始的欲望冲动,表达从传统形态向现代形态过渡时西方人的焦躁不安,他的画表现了他的颓靡、恐惧、幻想,以及残忍的自我折磨,绘画人物经常画在空白的底子上,有时只勾出轮廓线,并把人体拉长变形。他冷俊的线条令人震颤,作品中粗重的线条强调清晰的外轮廓,然而在焦躁的画面中我们又可以明显地体味到他对线条的热情以及对人类精神状态的关注。

二、席勒绘画作品中线的情感表达

席勒作品中对于水平线的运用不多,只是在其情绪比较稳定的极短的一段时间内运用了相对多的水平线。水平线具有静止和安宁之感,并且可以起到分割画面和稳定画面个作用。席勒这一短时期的作品中虽然运用了较多水平线,但画面传达出的并不是一种纯粹的宁静感,而是处于一种情感压抑下的戒备状态。他的风景画感觉拥挤不堪,像一个精神不安的人暂时得到了抚慰,以后迟早还会爆发一样。

如果说水平线在席勒的笔下变得不安起来,那么曲线就更是席勒有力的倾诉语言。曲线被进一步强调时,画面就变成为强烈的感情表现。用曲线支配的空间代表着幻想的宇宙或不安的漩涡。因此,无论对画家还是对观众都能制造出不平静的感觉状态。说到“不安的漩涡”我们首先想到的可能会是后印象派画家凡·高。从绘画的角度凡高直接影响了席勒。虽然他们表现风格不同,却在赤裸的呈现自我中得到了升华和观众的认同,是完全的自我情感表达。他们以最简约和最个性的方法画画,不满足于表达所看到的的事物,把我们带到他们的痛苦心灵之中,用漩涡形和波浪形的笔触来表达他们内心激动的风暴。

席勒的绘画作品中富有挑衅性的人体和情欲场面揭示了当时人们的心理,画出了人们想做而不敢做的事,或者说是在当时受到严厉打击和禁止甚至在道德舆论领域人们都不敢提及的事。让人们有种心理暗疮被戳中、心里秘密被偷窥的感觉。其正如鲁迅先生所言:“敢于直面惨淡的人生,敢于正视淋漓的鲜血”。

而对于席勒这些情感的传达,他找到了适合的、有力的、另人震颤的表达工具——“线”。他的线条极尽疯狂毫不修饰,展示着人类的本性和不可预知的巨大潜能,在自我宣泄中释放出巨大的艺术能量。席勒的线条是直接的也是神秘的。人们常把线条认为是连接两个点之间的连续符号。其实线条可以通过想象来形成。只要给出起点和结束标记,中间在给些暗示,想象力自己就会去填补其余的空白。这种方法使观者得以参与创作的过程。想象的线条还能够突出气氛、增加深度。在席勒的作品中比较常见的是对于面部和手的详细刻画而省略身体的其他部位。或者只选取身体的某个部位进行描绘。这样很容易将观众拉入他的作品、拉进他的情感旋涡,让人们不自觉的顺着他时而省略时而抽搐的线条进入画中人的精神世界。用“痛并快乐”着来形容他的这种线是不为过的。

三、从席勒绘画线条中得到启示

回想自己的作品之所以引不起观众的共鸣,之所以流入平庸,之所以不能抢占人的视线,最起码在用线上可以得到一点启示了。自己的绘画作品用理性的思维进行分析,是不断提高自己的一个有效的途径。因为艺术本身就是一个从感性到理性,在从理性到感性的不断循环的过程,也是对社会不断感悟的过程。

我的作品没能引起观者共鸣的症结所在,主要是因为无法摆脱

[1][2]

束缚进行完全的自我情感表达。无法理性面对人的生老病死,也不敢去面对。我把自己伪装成一个理性的人。从某种意义上说,或许席勒的心理更为健康一些,他敢于面对精神病院的疯子,敢于面对人类赤裸欲望的本性,敢于描绘自己对于死的看法,敢于“说出”自己痛苦、抽搐、挣扎、敏感的心理。或许也正因为我们这种“情感伪装”使得自己不敢将“线”这种倾诉语言发挥到极致,直到退化到无法应用这种语言。

绘画作品篇4

关键词：彼得.多伊格；当代艺术；绘画性

一提到英国的当代艺术，首先会想到YBA，会想到达明安.赫斯特诸人，彼得.多伊格与他们身处同时期可谓幸也不幸，英国当代艺术因为众多明星艺术家的存在而备受关注，但非YBA的艺术家的生存创作状态，受到的留意就相对较少。直到2007年，彼得.多伊格的《白色独木舟》在索斯比上拍出当时的欧洲在世艺术家最高纪录时，这一状况才有所转变。

彼得.多伊格作品的这次拍卖能让关注他的人牢记至今，我认为其更重要的一方面是源自其引领了一场关于绘画性强势回归的潮流。

绘画性在欧洲大陆乃至整个世界范围内渐行渐远始自二战之后，整个人类文明在经受住战争洗礼后，在废墟之上，萌发了更多新的可能。美国作为战后世界的一极，迫切需要建立起文化艺术领域的世界霸权，为此，美国从欧洲大陆引入了一大批杰出的艺术人才，其中包括杜尚、达利、德库宁等被后世公认为各领域的大师级的人物，也包括以德国人亚伯斯为主的原包豪斯学院的教师团队。他们为美国带来了自己作品与艺术主张的同时，也有意无意地与美国艺术进行了融合。从而构建出区别于欧洲传统并拥有美国文化内核的新的艺术价值观。这种价值观，用杜尚的理论来说就是绘画性的抽离，用观点、理念去作画。如果立体派，达达主义还是在风格领域内的变革，那么观念绘画就是登堂入室的革命，后来，波洛克行动绘画，为这种观念入画找到了一个非常好的表现方式，美国理论家格林伯格又提出“画布平面效应的材质独特性是文艺复兴以来对透视与深度的瓦解，推崇追寻绘画纯粹性的新美学。”①以美国为中心的当代艺术到此也迎来了属于它的巅峰期。

任何事物发展的轨迹，巅峰之后必将是下行之路。观念入画的一个不可回避的问题就是，距离最初提出观念绘画已过去一个甲子，当时再先锋的观念，现今看来也陈腐不堪，正如当初摆在杜尚、达利面前的传统绘画穷途末路一般。这个时间点上，绘画性的回归，既是物极必反，也是历史循环。

值得指出的是，当代美术界呈现出纷繁复杂的格局，虽然无法用一种样式将其归类，但是欧洲当代美术表面上呈现出了一股回归潮流。但身处信息技术高度发达的今日，这种回归又避不开科学技术发展的影响。以彼得.多伊格的艺术创作为例，照片、影像等以新兴美术的形式表现出的再现的形象在他的独特的艺术视角下，生发了新的创作方式。多伊格为此付出的努力是多维度的――摄影的纪录性、电影的场景感和叙事性、音乐的抽象性，还有绘画自身的隐晦与象征。而这些落实到绘画创作中的实处则体现在他对画面尺寸、空间分割、笔刷的漫扫方式、颜色的滴洒、交叠与过渡等方面的关注。他的绘画在迷人与敬畏之间徘徊，最擅长营造幽闭的气氛，让孤绝深入人心。并尽可能放大视觉的有效性。

为了实现这一切，在他动笔之前，往往要在心中重温所有的形象。“我总以为开始动笔画画是一件很简单的事。只要根据某个主题画就可以了。可是之后我就会习惯地重温所有一切。甚至可能连以前反复修改三四十次的形象都要重新尝试一下。”②因此最终在画面上呈现出的往往是一幅来自内心反复权衡后的形象，而这一形象是被想象出来的，而非完全真实的，创作的素材可能是他从《国家地理》这样的杂志中找到的照片，或者也可能是他自己用手持DV拍摄的地方，他把对照片的使用比喻成为绘画的服务，形象地揭示了他恰当地利用图像与感知的互联关系。彼得.多伊格把那些照片再用激光复印机打印出来，或打印出黑白的影印本，原本的形象被进一步弱化，与实际的地方更不一样，在某种意义上说，这种方法强调了自然景物的抽象性，事实上，他确实感觉存在这样的盲点，所以，他幻想自己比实际的做的更多或者经历的更多，于是便把实际的经历体验，变成了想象中的虚幻事物。他绘画选择的媒材是我们的第一个线索。他图示式的思考并不干扰对观念艺术发生消极或积极的联系。这就是他对于图像的看法。

多伊格钟情于风景中孤独存在着的人这一类形象，他画面上奇特的随机式取景方式，装饰性色彩的形式特征，讲述了静止的时间，凝固的风景，其唯一明确的参照是作品自身的时空，而它超越了现实的时空。可以说彼得.多伊格已经从现代主义中解脱出来，同时他并不拒绝继承现代主义的遗产。

他说：“自然在画中是再创造、记忆和幻想的过程，而不是单纯的模仿。”③自塞尚和马蒂斯以来，现代主义普遍认为绘画空间和真实空间之间没有因果的联系。这种观点尤其是在后来的抽象表现主义中间流行。多伊格的独特之处在于，当他那样去追求的时候，却重新让他的画面部分恢复了形象感，这与现代性背道而驰。多伊格通过对习惯的具体化和消沉的疲惫表达出这种最坚决的反抗。用绘画来反抗绘画，用客观来反抗主观，在媒介材料中把现实稀释。

多伊格的绘画语言并没有显露出多少过人的才情，相反，它们时常是笨拙、生硬的。他的天赋在于发现荒谬与和谐、陌生与熟悉、混乱与秩序，并将其糅合为一。他的工作方法很可能跟电影摄制组寻找拍摄场地的方法差不多，如果想画自己的某个记忆或某个地方，他会浏览不同的材料去找寻它，他的努力是想在某种意义上找到自然和它本身的不真实之间的那个有心理意义的地方，而这又是超现实的，或者像梦境一样，画面的模糊，丝毫无损其层次的丰富性。

彼得.多伊格的作品大多具有隐喻性，色彩华丽壮观层次变化丰富，不但具有抽象意味，也带有极强的观念性――他的作品以所收集的图片作为创作素材，但并不使用照相写实主义手法，他通过娴熟的色彩搭配与独特的观察视角，创造出了大量具有魔幻主义色彩的作品；他认为复杂技术手段的运用可以起到迷惑观众思维的功能，作品在层层覆盖的颜色和交错的肌理变化中呈现出令人迷惑的视觉效果，这些都大大有别于传统的风景绘画。

彼得・多伊格的画在让我们关注所见的同时，也为绘画性的回归在现实与虚幻间营造出一种前行的必然，而现实与虚幻正如前行中的双脚，如果左脚永远在右脚的前面，那么前行也就成了空谈。

参考文献

[1]《彼得.多伊格――孤独地在同一条船上》凯瑟琳.格勒尼耶吴杨波/译，《世界美术》20052

[2]《绘画的凯旋――彼得多伊格的绘画艺术》廖宗蓉《美术观察》20129

[3]《彼得.多伊格将一种朴素带入艺术中》李本正编译《北方美术》20101

作者简介：

绘画作品篇5

关键词：数字时代；室内设计；绘画作品

传统绘画是在纸上、布上、皮革等物体上，创作者利用笔墨颜料，通过线条和色彩等艺术语言，描绘视觉形象，是造型艺术中的一种主要艺术形式。而数字时代中，设计者用数字技术结合传统绘画进行创作，使传统的绘画艺术注入了新的元素，使绘画作品呈现出多元的表现样式，使绘画作品具有勃勃生机。

1数字时代中绘画作品的呈现方式

目前，在数字时代中，新材料的不断更新，丰富了画面的表现效果，数字技术与新材料的发展丰富了绘画作品的呈现方式。如：油画中，综合材料、影像拼贴、喷绘等与肌理的运用，形成了全新的视觉感受，对画面制作增强了很强的关注度。同时，通过扫描仪、数码相机结合电脑图像专业软件pianter、3dsmax等技术，催生了数码绘画，并且在绘画作品的设计构思和作品制作阶段中，通过采用数位板、压感笔以及打印机和投影机等输入输出设备，改变了传统设计制作中徒手操作手段，对绘画艺术的呈现途径具有了拓展的作用，减少了大量图画的手工绘制，与传统设计制作相比，达到了快节奏和高效率的效果。相比传统的油画、水彩等架上绘画，由于数字技术具有的独特性，不受颜料性能的影响，数码绘画的色彩更加丰富和生动。另外，数字技术还能在收集素材、画面的结构设计以及底稿投影上具有重要的作用，已经积极地参与到了传统绘画作品的创作过程中，如数字技术中得影像技术可以打印出底图、制作出画稿，然后在底图上，用手工在架上进行描绘添色，最终制作完成一幅逼真的绘画作品。在室内设计中，随着数字印刷技术和商业化的发展，数字时代中，数码绘画的产生也使数码喷绘作品走进了室内装饰空间，如借助数码影像技术完成的大量绘画基础工作，代替了传统的写实风格绘画作品，提高了绘画效率，也增强了绘画的准确性。由此可见，数字时代的科学技术促进了绘画艺术的多样性发展，也拓展了绘画艺术的呈现方式。

不管是呈现样式，还是从传统的架上绘画到数字绘画，数字时代的绘画作品在风格、题材、材料以及技法的表现上，更加丰富多彩，更能使绘画作品表现出良好的视觉效果。数字技术大量普及及运用之后，绘画作品具有了体现人文关怀的高效性、大众性和商业化等特点，印刷复制、数字喷绘作品冲击着人们的视觉和接受力，体现出了现代科技时代绘画作品的特点。如利用绘画软件进行创作的过程中，通过虚拟的环境，画家利用画笔、画纸、颜料等，在基于数字技术上，最终完成艺术作品的创作。并且数字时代中，利用数字作画，易于保存，可以无纸化，易于传播和修改；一些仿真优化的制作还具有商业化，绘画作品还易于复制和大批量生产。由此可见，数字时代中，数字绘画的产生与发展改变并体现着数字时代的特点，丰富了传统绘画样式，也满足当代人们的审美需求。

2数字时代室内设计中绘画作品的运用

数字时代中，室内空间设计对绘画作品的运用提出了更高的要求，绘画作品给人美的视觉感受，能够美化空间，并且能够提升、增加空间环境的文化内涵与艺术格调，具有调节空间使用功能，能够满足人们的审美需求。同时，绘画最怕能够柔化空间，均衡空间，地空间具有调节的作用，能够使空间更完整和均衡。

2.1绘画作品要与室内空间功能相协调，考虑作品的装饰与建筑特征

在室内设计中，绘画作品的运用应该充分考虑作品的装饰与建筑特征的相结合，如：车站、港口、候机大厅等是公共流动空间，那么为了打破单调的空间形态，在运用绘画作品进行装饰的时候，就要考虑到怎么消除旅途疲劳和美化环境的作用，能够使绘画作品具有活跃空间气氛的功能；同时，为了使人们得到文化熏陶和交流，运用绘画作品进行装饰时，要将城市文化尽可能地展现在人们眼前。而在一些酒吧、剧院、电影院等室内公共娱乐空间中，绘画作品作为配饰，要体现出空间的氛围，具有时尚性和个性特征，使人们在娱乐消费的同时获得医术美的享受。如：以优美、抒情类风格的绘画作品，来装饰音乐厅、歌剧院等场所的空间；以具有视觉冲击力的绘画作品来装饰迪厅、歌舞厅等场所的空间；而在卧室等居室空间中，要根据空间更来，来配画设计，体现出卧室的温馨和宁静的感受；儿童房间乐意采用卡通画、抽象画等绘画作品，来增强房间的明快的色彩，体现出儿童的特色来。餐厅的配画则以增进食欲为原则。

2.2要与室内设计装饰风格相统一，根据空间尺度确定大小与陈列形式

室内设计风格主要包括中式风格、欧式风格、地中海式风格等等。在室内空间的运用上，绘画作品的选择要注意与装饰风格的相统一。如：悬挂花卉题材的油画，可以用在田园装修风格的空间中；古典油画等西画可以用在欧式装饰风格的空间中，而传统的写意山水和花鸟等国画可以用在中式风格空间中。另外，在室内设计中，室内空间形状、尺度会影响人的视觉感受，因此，绘画作品的大小和陈列形式要根据室内空间尺度来确定，从而达到调节美化空间的目的。在绘画作品的选择上，要选择适合观赏的位置作为陈列区域，摆放要注意墙面的留白，挂画墙壁的面积大的话要选择大尺幅的作品，反之要选择小尺幅的挂画，这样就不会使进空间单调，没有拥挤和压迫感。并且在选择多幅画作时，要注意画面的呼应与联系，多幅陈列可以选用水平、垂直、梯形等形式，从而增强人的视觉效果。

2.3色彩要与主体色彩相呼应，张扬个性和审美情趣

在室内空间设计中，恰当地运用色彩具有非常重要的作用，能够使环境空间达到装饰性与实用性的统一。因此为了创造出美的空间环境，在选择绘画作品时，要通过多种色彩的搭配，与空间色彩、家居和其他配饰相呼应，充分考虑室内空间的环境色彩和空间功能的特点，注意色彩的调和与对比关系，与室内空间相融合，统一的大色调中要有变化，主要以同色系为主，对比适中相互融洽，从而达到绘画作品与环境的统一，丰富室内空间。其次，在居室设计中，绘画作品的运用应该考虑到人的爱好和性格，增强人们的审美与人文修养，尊重个人的个性需求，对不用的个性空间可以灵活多变，与时俱进，体现出审美情趣和文化内涵，美化生活。另外，可以根据需求及经济状况，来选择复印品、数字作品以及普通传统收回作品等。如：在缺乏经济实力的情况下，为了凸显高雅的艺术氛围，可以在一个表现奢华的空间中，选择名画的仿真品、奢侈品来满足人对美的需求。

参考文献：

[1]袁进华.袁进华绘画作品[J].名作欣赏，2016（24）.

[2]“我们的生活我们的快乐”绘画作品展巡展山东[J].美术教育研究，2016（15）.