绘画表现手法篇1

一、与传统绘画形式相比数字媒体绘画的特点

“数字媒体绘画”亦称“数字绘画”或“数码绘画”，是伴随着计算机技术的发展而新兴的艺术形式，从其基本概念可以看出，它具有如下特点：第一，通过计算机软件和数字绘图软件创作的数字绘画作品是数字化了的图形，因而存储自如，可以复制，携带方便，同时精准的数字化模拟造型、种类繁多的绘图软件，也为数字绘画提供了较为便利的条件，因此，相对于中国传统绘画形式而言，新兴的数字绘画的艺术创作环境要更为宽松和自由。在整个数字绘画创作中，所有绘画材料都是虚拟的，创作主体可以任意地选择自己喜欢的工具或媒介，摆脱了因绘画环境、材料带来的种种不确定因素，数字媒介同传统的绘画形式相比较要更为方便快捷。第二，灵活的数字存在方式使数字绘画艺术的交流与传播从时空以及人为因素的制约中解放了出来，比如painter的netpainter就为画者提供了在TCP/IP网络上进行合作创作的可能，而且随着数字化互联网技术的飞快发展，便捷的网络技术还可以让画者将自己的绘画作品即刻成为他人欣赏的对象，使艺术传播与艺术交流的方式也从过去封闭的、点对点的形式，转变成了现在的全球性互动，跨越了地域的限制。可以说，数字媒体的这种自由、便捷的艺术交流方式是传统绘画艺术传媒中难以达到的。第三，数字绘画虽然仍以手绘方式为主，但其创作具有高度的智能性。以Painter软件为例，该软件既是一款专业性的绘画软件，又是一款智能性的软件[1]。就创作形式而言，Painter所具有的智能性特点，在某种程度上能为许多具有美术的良好素质，但是不具备创作技能的非专业人士提供了一种可以克服绘画技法上不足的全新绘画形式[2]，同时，画者无需传统绘画的技巧，而只要理解作品。作为绘画软件，如果有一定艺术素养，掌握、使用好Painter工具，数字绘画就特别简单。

二、数字媒体表现中国传统绘画艺术的具体方法

数字媒体的数字化可包含两大方面，一是创造手段与技术的更新，这是数字技术的发展决定的；二是创造主体个人理念的更新，这主要与创作者审美趣味的提升相关[3]，前者是指计算机硬件以及数字绘画软件。目前，主要的绘画软件有两大类，即矢量图设计（绘图）软件和位图设计（绘图）软件，Painter是众多矢量图形设计（绘图）软件中的佼佼者，而Photoshop是制作和处理位图图像最好的软件之一。在本文中，笔者以此两个软件为例，分别讨论数字媒体是如何表现中国传统绘画艺术的。具体来说，通过Painter绘画软件表现中国传统绘画艺术的普遍性方法如下：

（1）基本形色的表现方法：首先在“WaterColor”中选择画笔（FlatWaterBlender），再将画笔控制面板中设置相关参数，然后用画笔确定作品大的形色关系。

（2）笔墨效果的表现方法：选择“FlatWaterBlender”画笔后，在画笔控制面板中设置相关参数，再使用运笔便可模仿出传统绘画毛笔触墨迹的大体效果，该步骤可以不断重复，其间可以通过对画笔大小、角度的不断调整，以达到最佳的笔墨效果。

（3）效果调整：运用“PureWaterBrush”工具对整个画面墨色及笔触进行相应调整，以达到调和画面整体关系的目的，同时在必要的情况下，还应运用“DiffuseWater”画笔，不断调整不透明度、笔触等画面关系[4]，实现中国传统绘画的效果。仍需要指出的是：尽管Painter软件提供了大量的画纸选项，但还是很难模拟出传统绘画材质与线、笔墨之间的独特韵味，而画者若完全掌握了photoshop的功能，在韵味的继承上其作用就要明显强大。下面笔者以photoshop模拟水墨画为例，简单的探讨一下通过photoshop表现中国传统绘画艺术的一般方法：

（1）线的表现方法：绘制原创的photoshop数字水墨画，线条的表现是比较复杂的工作。通常需要先用铅笔手绘线条，进行初步构图，再选择合适的画笔（具体的选择要视作品需要而定，在photoshop上枯笔和湿笔的效果都有）勾划出水墨画的线条效果。一般情况下，为了使画面的模拟效果更接近水墨画的效果，画者还需要对线条进行加工，鼠绘、手绘、绘图板绘都可以，但要遵循“起笔顿、行笔畅、收笔留”的原则。唯其如此，才能绘制出韵味独到的水墨画线条。

（2）笔墨效果的表现方法：photoshop技术对笔墨的运用，其关键是要表现出墨与水分的渲染效果。除了上面提到画笔的选择问题外，在笔墨效果的模拟上，可以适当的加入几种滤镜，如“扩散”“、喷溅、”“、模糊”等，其目的是要达到图层的墨色渲染效果。当然，最后还要根据作品不同的笔墨要求做些特殊的处理，如“加深”“、涂抹”等等。

（3）色彩效果的表现方法：photoshop中绘制水墨画色彩，若要作到“色不欺墨、墨不欺笔”，最佳的办法是新建一个图层，专用于渲色、染色，这样就可以随意调节染色层的色彩与透明度。在用photoshop具体绘制水墨画色彩时，湿介质画笔中的“浓彩水彩笔”“、粗散布画笔”、“轻微不透明度水彩笔”等笔刷都能较好的表现中国传统绘画的敷色效果[5]。

（4）整体效果的调整：我们都知道中国传统绘画讲求“以形写神”，以“妙在似与不似之间”作为一贯的美学追求，因此，在画面的整体处理上，画者还应适当的运用“模糊”和“涂抹”工具，以调谐整个画面的虚实关系，尽可能的实现中国传统绘画的神韵。

三、数字媒体是艺术表现形式中的一种新形式

绘画表现手法篇2

【关键词】油画肌理装饰创作艺术

油画作为西方传入中国的舶来品，已有几百年的时间。中国画家对这种西式绘画的方法已经掌握得相当成熟。在这几百年的油画绘画发展进程中，肌理装饰艺术的研究也出现不少成果。在中西艺术融合的环境中，有些画家也建立起了比较明确的个人风格，其肌理艺术有绘画时笔触产生的肌理效果，有利用各种材料创造的肌理艺术效果，可以说对油画绘画者个人风格的形成有很大的帮助。

一、肌理的概念释义

肌理是表现物体表面的纹理，有手感肌理、视觉肌理，其作为一种固有的表现形式而存在，是在结构组织的前提下表现出来的纹理、质地。对于手感肌理要通过身体对物体的接触感受到的肌理质感，是在实际接触的过程中通过材料、密度、属性的不同而表现的质地属性。视觉肌理是利用光线的照射表现出来的材料的色彩、形状、视觉冲击力产生的心理反应。油画创作中的肌理主要是画家在绘画过程中通过不同的绘画手法、绘画材料在画面载体上所留下的具有视觉质感的物理状态的物质。

画家在优化创作时，利用油画笔、刮刀或其他绘画工具将油画颜料通过自己所想表达的方法绘画出来，通过画画后形成了特殊质感的画面。不同的肌理效果表现出不同画面的材质特性。

二、油画肌理的美感特征

油画肌理的美感会与个人的实际生活经验结合起来，个人的成长经历直接影响对油画肌理美的感知。油画肌理的美感有一定的规律性，其美感来自于艺术家内心的感受，也来自于所创作的载体，是感性和理性的结合。

油画肌理有一定节奏性，秩序也是节奏的一种表现形式――源自变化。在进行创作的过程中，变化产生美。但是这种变化是按照一定的心理预期来进行创作的，也属于一种感性的表达规律。油画肌理有一定的韵律性。韵律作为一种形式上的东西，并不是单独存在的，是建立在一定的创作载体之上的，也属于构成美感形式。油画肌理秩序也是画面肌理形式美的表现形式，形式美符合大众的接受能力，油画肌理来自于创作者的思想，油画绘画肌理是有一些元素规律的。油画肌理构成的秩序感与节奏、韵律共同完成油画肌理的美。

三、油画肌理的表现形式、方法

油画肌理的表现形式、手法可以说是多种多样的，但主要有隐性肌理和显性肌理。隐性肌理需要借助一些必要的工具来发现，显性肌理在正常光线下能给人一种视觉效果的肌理。油画肌理的其他表现形式大致可以分为意象肌理、抽象肌理、具象肌理、材料肌理等。

意象肌理广泛用于油画的创作之中，将绘画的本质特征进行提炼，转换为油画善于表达的语言。抽象肌理是不再现所要表达的绘画对象，而是绘画者通过自己的理解、组织将其转化成另外一种表现手法，是一种抽象画的表现元素。具象肌理真实地反映绘画的对象形制，其肌理形式是如实地表现出纹理的视觉特征。油画具象肌理在写实主义里表现的比较多，也会借用其他材质来增加其质感的表现形式。材料肌理是利用不同材料的物理属性来表现的物理属性，所关注的是使用材料本身的特性。

油画的表现方法有三种：直接绘画法、边画边做肌理、先涂底再绘画。直接绘画法是最传统的绘画方法，其绘画肌理效果也是最常见的。在绘图过程中肌理表现自然流畅，其肌理效果不会借助其他工具和材料；边画边做肌理是表现比较厚重感的画面时常用的方法。先画一层，再用画笔或刮刀涂上一层颜料，通过这种手法达到一种厚重的油画肌理；先涂底再绘画，一般是先用一些凝固快的材料来做底，如丙烯、立德粉等，待底料干后再绘图。

四、油画创作过程中肌理的运用

笔者在油画创作过程中也会运用一些肌理来增加油画的质感，但是总体目的就是使得画面形成一种整体关系。绘画时，在传统油画的肌理效果基础上进行肌理制作更是自由，可以不断尝试利用各种新材料、新技法来制作油画肌理。不过这些都源于制作肌理的材料多样化，如赤铁粉、锯末、玻璃、石灰粉等均有使用。多种多样的材料可以说绘出了千变万化的油画肌理效果。例如，笔者在油画创作实践中，使用丙烯或丙烯塑形膏和优化颜料一起制作画面肌理效果，由于丙烯易干，在创作时还可以在颜料里面掺入沙子、锯末等材料制作更夸张的肌理效果，以求得之前创作时未得到的油画肌理效果。

综上所述，在油画创作中肌理是一种重要的绘画语言。笔者在绘画创作中，通过利用新材料、表现手法使作品更具有奇特的肌理效果，注重突出艺术精神内涵。笔者认为，在创作过程中，除了自己熟练掌握一些肌理处理方法外，还要时刻汲取传统艺术的精髓，要学会不断和自己的创作相融合。油画虽然是从西方传入中国的，但是通过国人的不断学习、创新、改进，已经有很多优秀的、独特的绘画作品被创作出来。

参考文献：

[1]瓦尔特・赫斯.欧洲现代画派画论[M].宗白华，译.桂林：广西师范大学出版社，2002.

[2]许江，焦小健.具象表现绘画文选[C].杭州：中国美术学院出版社，2002.

[3]韩洪伟.油画笔触研究[D].中国艺术研究院，2009.

[4]陈焰.论西方绘画的再现性空间与绘画性空间[D].中国美术学院，2009.

绘画表现手法篇3

关键词:手绘线条图像白话文线条表现功能

手绘线条图像是人们最为常见、最通俗的绘画表达方式,是美术中的“白话文”。它出现的年代较为久远,在文字还没有出现之前,人类就懂得用线条去描绘形体物象,用手绘线条图像传达信息进行交流了。今天,手绘线条图像是是现代社会人们从事各种职业都能用得着的工具之一。所以手绘线条图像是最原始、最幼稚的造型手段,也是最现代、最广泛的造型手段和艺术语言。

手绘线条图像在中、西方的绘画中都要用到。只要物体的面与面之间存在着转折与界限,我们的眼睛就都能看到线条的存在。在中国画里面使用线条,显得更单纯、更突出一些,因为中国画自古以来就重视对物体结构的把握。唐宋以来,随着人物画的兴起,线描发展到一个高潮。吴道子是唐代著名的人物画家,他的白描人物画和曹仲达的人物画,被人们称为“曹衣出水,吴带当风”。线条的可贵之处更在于,它是中国绘画的灵魂。用墨线勾画物像,不着颜色的画法,是中国画中的白描,白描就是中国画中的素描。“十八描”是古人对线条在中国画里的运用所总结的绘画方法,是绘画经验的积累,是线条在绘画中的升华。

在西方绘画中,线条同样具有丰富的表现力,只是由于文化背景、欣赏习惯、绘画造型的差异,才形成了不同的表现方法和民族风格。西方绘画不管在绘画题材上,还是在创造过程中,都以明暗块面来表现。在西方绘画中,无论是古希腊瓶画,古埃及墓室壁画,还是波提切利、安格尔、毕加索的作品,线条都是重要的表现形式。正如公元一世纪狄昂尼斯奥所说:“在古代的绘画中,色彩的组合是简单的,没有多种色调的表现,而线的运用却是精致和完美的。”伍蠡甫指出:“绘画艺术最初使用的媒介是线条。”这些都表明了线条在艺术作品中的重要作用。

手绘线条图像的运用在生活中十分重要。但教师要对初中生讲述线条在绘画中的作用,并让他们能够形象的理解且熟练地运用,却是要花费一些功夫的。经过一番思考,我决定利用情景教学法进行教学,引导学生在具体的情境中展开想象,以生动、形象的场景激发学生的情绪,把我的语言和情感,与教学内容巧妙的融合在一起,达到理想的教学效果。

现就《手绘线条图像的表达》这节课的教学过程详述如下。

1.创设情境,激发兴趣

踏着铃声,我愁眉苦脸地走进初一(15)班的教室,同学们一看我这副摸样,都瞪大了眼睛,满脸疑惑地望着我。

师:“同学们,老师有一个朋友昨天晚上给我打了一个电话,想请老师帮她一个忙,可是我实在想不出什么好办法,该怎么帮她。看来只好让她失望了,咳……”

生:“老师,什么事情呀?”

“她让你帮什么忙啊?”

“我能帮!”

……

师:“老师怎么没想到呢?咱们初一(15)班的同学肯定能想出好办法的,但不知愿不愿意帮我的这位朋友?”

生:“当然愿意啦!”(全班同学几乎是异口同声地回答。)

接着我就娓娓讲述:“我的这位朋友现在正在外地,她在那儿由于语言文字不通,和当地的人没法交流,连想喝一杯热开水都没法实现,该怎么办呢?我们帮她出出主意好吗?”

生:“打手势呀!”

生:“找翻译。”

生:“用画画出来。”

……

当有的同学建议用绘画的方法来表达的时候,我抓住时机:“画画这个办法好啊!简单易行,容易沟通。哪位同学愿意到黑板上画出来?”学生纷纷争着上台,画出了不同形状、造型各异的杯子,为了突出一个“热”字,采用了不同的表现方法。

对学生的作品我给予肯定,大力表扬,并对同学们的帮助表示谢意,之后出示课题:手绘线条图像的表达。

2.组织讨论,求同存异

手绘线条图像出现得比较早,从原始时代开始,人们就懂得用线条描绘形体物象,可以说是咱们美术中的“白话文”。今天,手绘线条图像是现代社会人们从事各种职业都用得着的工具。我引导学生图例观赏,认识手绘线条图像表达的重要性(教本上的图例和老师自制的图例让学生欣赏,组织学生讨论)。

师:“手绘线条图像和其它学科有没有联系?”

生:“有!”

师:“谁来具体说一下?”

生:“数学课上接触过,比如数学老师画的数轴、几何形等。”

生:“语文课上的看图写作文。”

生:“地理课上老师手绘的一些地形图。”

……

师:“我们生活中有没有遇到用手绘线条图像来表达、说明事物的例子?大家想想看。”

生:“有啊!”

生:“比如线路图。”

生:“生活中经常见到的产品安装说明图、物品包装的开启方法示意图。”

……

师:“大家说得非常好!请同学们归归类,来说一说手绘线条图像的功能都有哪些?”

生:“叙事功能,比如看图写作文。”

生:“说明功能,如产品包装说明。”

……

师(总结):“手绘线条图像具有叙事、说明、交流、抒情、记录等多种功能,是人类在生活中经常用到的表达方式,是人类除了口语、文字以外的‘第三语言’。”

3.做做游戏,体验乐趣

师:“咱们来做一个游戏――互认家门好不好?”

生:“好啊!”

师:“请同学们在5分钟之内画出你家到学校的路线图,让你的同学认认你家门,礼拜天邀请他到你家做客。”

看到同学们一个个专注绘画的样子,此时此刻我感到已经把同学们的学习积极性全都调动起来了。

4.小组竞赛,增强信心

于是脆趁热打铁,让同学以小组为单位进行比赛:“请同学们开动脑筋,从几何形(圆形、方形、三角形)开始想起,连续画出与前一个有关联的多个形象,并把它画下来,比一比,看哪一位画得好,哪一组画的生动”

这时候,我巡回辅导,发现问题,及时点拨。

5.展示评议,提高能力

到了课的尾声,我让同学们互评。有一位同学的画吸引了我的注意,他由三角形―想到了三角形松树树冠―再画到了被砍伐的树桩―无家可归的小鸟―禁止乱砍乱伐的三角形标志牌。我的心头不禁一颤:多可爱的学生,多有创意的绘画。

另外还有很多佳作:

由圆形(想到)―太阳―月亮―月牙形镰刀―小麦―面粉―馒头。

由长方形(想到)―砖头―房子―人―桌子。

……

通过这一课的学习,学生真真切切理解了线条的作用,并对手绘线条图像产生了浓厚的兴趣,为他们今后绘画学习奠定了基础。

绘画表现手法篇4

水彩画与中国传统绘画的写意性特有的艺术语言还要依附于欣赏习惯、民族特色、审美情趣、美学思想。水彩画与中国传统绘画的水墨艺术之间有很多相同之处,自唐以来中国水墨画的发展与表现形式就有了较大的变化,这个时期有不少的文人士大夫也参与到绘画之中。中国传统绘画的泼墨、泼彩和水彩画的用水、用色颇为相似,两个画种都是以水为媒介,在水的作用下通过色彩和笔触展现出物象的神韵和意境。中国的传统绘画与水彩画的媒介“水”的掌握和运用,恰好体现出它们的异曲同工之效与“写意性”的本质内涵。

水彩画与中国画写意性审美观念研究

水彩画在中国的发展过程中,经历了传播、发展、完善的不同时期与阶段。是表现浪漫情调和体现民族浪漫情调的审美观念的最佳载体。丰富的民族审美观,拓展了水彩画的美学空间和文化内涵,同时也体现了本体语言特色的发挥。中国画和水彩画具备一个鲜明的共同特点,那就是以水为媒介。中国艺术史上对水的认识与掌握历史悠久,如孔子的“智者乐水”、老子的“上善若水”、再到中国绘画中以水墨作画,数千年的传统文化造就出了中国人用水的丰富经验。这种以水为介质的绘画种类,具有中国传统绘画中水的韵味,更加清新与秀润。

在构思、创造形象、审美、表达思想内容等方面,中国传统绘画写意性之中的“意”贯穿于绘画创作始终,重在于“意”;中国传统绘画是以“意”造“意”。就艺术语言形式而论,“意”既可以传之画内,也可以传之画外,“意”既是手段又是目的。“意”除指画家的情思、画的意旨、意蕴、主观意志、情意,还指意趣、生意、神似、神韵;在某种程度上则反映了“意”的概念在绘画中对具体形象的表现发展为对作品画意的表现。

在绘画领域的美学观念中,对于“写意性”的要求中西方有着不同的见解,“意、趣、妙、有、无、虚、实、味”等相关因素至关重要,而“意”和“趣”、“有”和“无”、“虚”和“实”又是很难分开的。例如,“趣”虽不等于“意”,但一幅完整的绘画作品,缺少“趣”,就会影响“意”的表现和创造。因为“意”多是富有“趣”的。明代文学家屠隆曾说:“意趣具于笔前,故画成神足”。“意”是构成神似、神韵的基础条件,“趣”又是表“意”重要组成部分,缺一不可。“意必有趣,趣必有神。无趣无神则无意”。从另一个角度来讲,“趣”只是构成“意”的条件,并非意的本身。《画梅题跋》中论道:“画梅不要像,像则失之刻。要不到,到则失之描,不像之像有神,不到之到有意”。中国传统绘画艺术的更高境界为:“不似而似”则似在“神”,“不到而到”则到在“意”。讲求“意似”、“笔”(线)是构成“意似”的先决条件。

与中国传统绘画的写意性相比较而言,水彩画的写意性是建立在西方水彩画本体艺术语言上的民族艺术形式,具有强烈的民族浪漫情调的审美观念,是区别于西方的另一个美学体系,写意要渗透民族文化的内涵。只有这样的作品才有精神,才有灵魂。水彩画写意的审美观与技法语言是水彩画在中国繁衍与发展最好的选择,它将西方水彩画的审美观、艺术手法融合到了东方的诗意意境中,形成了“西方缤纷、东方情调”,“西方手法、东方精神”艺术手法,不仅体现了文化的融合还将水彩画注入了勃勃的生机,形成了既是传统的,又是现代的水彩画民族风格的写意性,是水彩画语言本体的发挥、民族精神的张扬。

笔墨韵味、气韵生动是中国传统绘画的最高标准。水彩画的用水技巧借鉴中国画泼墨的酣畅淋漓之感,有其奔放不羁的气势;要有虚实相生的视觉享受,浑然天成之感;从美学角度上讲,水彩画的水韵中要有中国画的干笔、枯笔用笔,做到刚柔并济、干中有湿、干湿融合。挥洒写意是写意性主题绘画的技法表现形式,源于南朝,成熟于唐朝。中国画“疏体”是其早期的绘画样式。水彩画的挥洒写意是建立在水彩画“本体艺术语言”上的一种民族表现形式,脱离水彩画“体”的写意,将是无源之水。水彩画中隐含着民族绘画“笔墨”的精神和“线”的文化,在其美学观价值中体现为:枯湿浓淡、轻重缓慢、抑扬顿挫等富有生命节奏的技法用笔,其丰富的艺术形式产生了“意味”,绘画语言美不仅在于描绘形体,还在于语言自身的本体美。中国传统绘画强调的是“以形写神”,“形神兼备”,“传神写照,正在阿堵中”。而水彩画在表达具体物象的同时注重的是视觉感受,因此,艺术形象的表现无论是具象还是抽象,在绘画的创作过程中都能代表一定事物的本质特征与艺术面貌。中国传统绘画写意性不仅讲究笔墨情趣、形神兼备,更讲究墨有墨用、笔有笔用、笔墨融合,互相依附,正所谓形与神、墨与色的完美结合,恰似水彩画对中国传统绘画写意性的借鉴。

中国传统绘画写意性与水彩画表现形式研究

在我国比较文学中,意象的解释是:是主观的“意”和客观的“象”的结合,也就是融入诗人思想感情的“物象”,是赋有某种特殊含义和文学意味的具体形象。即意象就是寓“意”之“象”,就是用来寄托主观情思的客观物象。意象造型是中国传统绘画写意性的本质特征。《辞源》将意象解释为:“主观情意和外在物象相融合的心象”。意和象的辨证关系是研究中国画写意性本质特征的依据,在其发展中经历了“造理入神”、“重形入神”、“以形写神”、“得意忘形”、“遗形写神”的反复与曲折的过程。同时,意象造型也决定了中国传统绘画的写意性本质与中国画不会走上西方写实主义的道路,而是“外师造化,中得心源”。中国传统绘画注重借物抒情,这是中国传统思想儒道文化的影响的结果,具有独特的形式美与内容美。当然,这与中国特有的民族思想文化是密不可分的。中国传统绘画的写意性在用笔上倾向于写意和表现,用线无拘无束,淋漓痛快的笔墨传达出“有”与“无”、“虚”与“实”、“意”与“境”,在造型上遵循“师造化之象,师造化之理”。即从自然中来,不求真实地复制自然,表现出艺术的本体意识和主观意识。水彩画受中国画的影响,水彩画的笔法语言融入了中国传统绘画的技法语言,丰富与发展了水彩画技法语言的表现能力,引导更多的水彩画家潜心于水彩画与中国传统绘画的写意性研究,并将中国水墨画的用笔融入到水彩画语言表现中,用笔上提出了对有意味的用笔更深层的追求,最终展现出独到的意境美。

在中国传统绘画中讲究“骨法用笔”,即讲究中锋、侧锋、顺峰以及逆锋等运笔技法,采用破、擦、点、染等技巧,这一点与水彩画颇为相似,笔墨艺术在表现线的刚柔、粗细、方圆、疏密、与墨的干湿、浓淡等方面会产生一种韵律感。水彩画用笔强调“画”,水墨画用笔注重“写”,水彩画更注重用笔的变化,即对象的形象,又寄寓作者的性情的艺术效果,用色简练概括,格调清新洒脱与水色交融的酣畅淋漓保持一致,力求为平面化的视觉效果,升华出单纯、凝练的品位。而水墨画中用笔强调手随心至—堤、柔、按、压,追求力度和厚度—平、圆、留、重关系协调,讲究用笔的程序性和节奏感:顺、逆、疾、除,气脉相连,笔笔都会流露出“书法”的印迹,融主观意念于客观之中,和水墨画一样,水彩画也讲求笔法的含蓄和力度,但不同的是水彩画用笔是从油画的用笔直接继承过来的,用笔强调突出对象的体与面的结构和转折,再结合色彩的冷暖、明暗、变化呈现出立体的视觉效果。现代水彩画创作中常见到留白、飞白的表现手法,尤其是写意性的作品较为常见,这是由中国传统的水墨画中的枯笔“飞白”,留空罩染的技法而来的。

绘画表现手法篇5

关键词：比亚兹莱；绘画艺术；装饰性；现代审美语境

出于人类对美的永恒追求，绘画艺术与装饰语言紧密相连。可以说，装饰性始终贯穿着绘画艺术发展的历史，影响着绘画作品的视觉风格与表现手法。如今，装饰性更是现代绘画创作不可绕开的重要话题，进而言之，带有装饰语言效果的表达方式俨然成为现代绘画创作的普遍追求。

一、现代绘画中装饰语言的分析

现代绘画作品中往往充实着强烈的装饰意蕴，从外显的视觉效果上看，装饰语言的加入缔造了具有十足冲击力的视觉审美效果；从内隐的情感文化层面上说，装饰语言更增强了绘画作品自身的文化内涵与人文情怀。

（一）现代绘画艺术中的装饰语言

“一切事物的产生和发展都需要经过一个由简单到繁琐、由无序到有序、由低级到高级、由幼稚到成熟的发展过程。装饰绘画也是这样，早在原始社会，就出现了被今天看似很有装饰性的绘画。”[1]着实，从流传至今的原始壁画、岩画、纹身、图腾、日常用品等事物上，我们完全可以深切体会装饰的意义――它一方面代表了人类对美的追求；另一方面也是人类思想情感的外在表现。换而言之，透过那些唯美的、夸张的、象征的，甚至是材料并造作的装饰性画面，看到的却是人类灵魂深处最本质的情感和需求。因此，绘画与装饰语言从未分离，毋宁说绘画艺术中永恒充实着浓郁的装饰情绪。恰如沃尔夫林所说的，美术史主要是一部装饰史，绘画的模仿是从装饰发展来的。

在现代绘画中的装饰性，是将不同材料、装饰图案等加以组织来表现的。其目的是美化、理想化的，而绝不局限于现实物象的形式、色彩等。进而言之，现代绘画中的装饰表现手法，从某种程度上说就是把现实生活中一切事物进行夸张提炼、变化改造，使作品中的艺术形象更加契合作品主题；使作品的主题和情绪更加具体化、鲜明化；使作品在视觉感官上更具有冲击力、能够引起人的关注和联想。需要注意的是，装饰性对现实生活的提炼、夸张等，从某种程度上看是对现实生活的“部分”背离，却不是致力于创建一个完全脱离现实生活的艺术空间。

（二）现代绘画艺术中的装饰表现手法

“装饰绘画具有一定的工艺性，绘画可根据不同的装饰要求来选择适当的题材、构图、造型、色彩等表现手法，装饰性绘画不受时间、空间的限制，设计者可以任意发挥自己的想象力，它的表现手法多种多样，可使用于中国画、油画、版画、水彩等所有的表现手法。也能应用于壁画、年画、宣传画等多种领域，同时还可以应用各种材料来进行加工制作。”[2]也就是说，现代装饰绘画是一种特殊的工艺画，重视的是画面情感思想和视觉效果，而在题材、色彩、表现手法等问题上则更为自由。

1.画面的题材与表现

受现代主义思潮的影响，现代绘画对主题内容的追求并未见重，转而重视画面形势的表达。进言之，现代绘画创作并不十分重视对物象自然结构的描摹，事实上那些艺术形象通常被夸张化和变形，画家在现实基础上抽取其内在的精髓并将其符号化，抽象而夸张的加以呈现。“对于绘画中的装饰性是表现来讲，夸张变形是装饰性的一个重要点。夸张是艺术的强化，以表达真实事物感受为主，其中‘变形’是十分重要的。夸张变形是装饰的法则，画面中所创造的形体，一定是在最初客观形象的基础上，根据所学的知识技能进行变形，夸张的表现既是把对客观形象的感受用最简洁的方式表现出来，删去复杂的部分，保留形象最美的部分。从图形轮廓的外观入手，运用技法对外轮廓的特征进行修饰，但还保留有自然形态的特征。同时画面中加有主观想象和发挥创造，只有这样才能塑造出富有美感的画面出来。”[3]

因此，在充满装饰性气息的现代绘画中，题材不是画家考虑的唯一重要问题；以怎样的形式表现精神同样至关重要。那么，无论是色彩或材质等都是高度自由、不加控制的，这使得现代绘画作品具有了高度的精神性和纯粹性。

2.画面的色彩与效果

色彩是依附于物象形体的，它的装饰性特征在现代绘画中颇受重视。然而，与传统写实性绘画创作不同，在与装饰风格相结合的现代绘画作品中，色彩不仅被用来表现客观事物表象、构造画面空间等，或者说色彩的这一重要意义早在印象派初期便被彻底打破，色彩成为表现创作者主观情绪的另一种重要手段。如我们熟知的梵高，他笔下忧郁的深蓝色、激昂的金黄色等，正是画家情感的流露。

今天，现代绘画中色彩的装饰意味日渐突出，而人们最常使用的表现手法即是在画面中运用不同程度的色彩对比，已获得不同的情绪体验。如强对比、弱对比、纯度对比、明度对比、色相对比等，其只对画家的情感与自然物体的形式美负责，而无需考虑光源、环境色、物象色等。从这一角度上说，装饰语言与现代绘画结合，色彩的使用无疑变得更为自由和情绪化。

二、比亚兹莱装饰绘画的风格与思想

从装饰语言与现代绘画中的运用来看，奥布雷•比亚兹莱这位19世纪英国年轻的装饰绘画大师是最让人记忆深刻的。他作品中的夸张变形、唯美主义，甚至色情与非道德，都被以精妙的装饰呈现出来，传神而深刻地再现了维多利亚时代虚伪堕落的社会现状，同时更无声地诉说着画家个人对这些现象的看法。

（一）比亚兹莱装饰绘画之风格

首先，从主题选择上，比亚兹莱绘画作品中的艺术形象总是病态而焦虑的。当然，这与画家生活的时代有着莫大的关联。稍微熟悉英国近现代史的人都知道，19世纪的英国正在经历一场信仰危机，对失去精神寄托的人类而言，堕落与焦虑是必然的情绪。本文无意探讨19世纪末英国的精神灾难，重要的是抱着“上帝已死”的心态生活的人们，以灵魂中的无助、堕落、焦虑和贪婪谱写出一首“地狱哀歌”，画家比亚兹莱将这一切记录在画纸上。所以，在他装饰风格绘画作品中，主题总离不开堕落的男性、女权主义者的“新形象”、夸张的性器官。

如在关于阿里巴巴和四十大盗的作品中，画家将强盗头子的身体描绘得珠光宝气却无比畸形，身躯硕大而头部窄小。与之相对比，强盗头子身边却充满了一堆堆杂乱的珠宝。透过这些绘画作品，我们很容易理解其中的主题即是对贪婪物欲的讽刺，而表现这些的形式方法（夸张、隐喻、对比等）则带有典型的装饰绘画风格。

其次，比亚兹莱绘画中的色调通常都与现实生活有着一定的距离。也许出自于对现实生活的厌恶，也许由于是现代艺术思潮的影响，也许是堕落主题的因素，比亚来兹绘画作品中的色调大都与现实生活有着一定的差距。那些现实生活中灰暗的街道、流离失所的人群、破旧的斗篷等，在他的作品中变为青翠的森林、华丽高贵的巴洛克室内装饰，这迷离而幻境般美好的空间。色调的多重对比，俨然构成了一个超离于现实生活之外的“化外国”，彰显绘画中强烈的装饰气息。

（二）比亚兹莱装饰绘画之思想

现代绘画艺术发展的多元化在任何一个历史时期都是极其罕见的，它对视觉效果的追求、对个性与自我的重视，成为现代绘画中最典型的特征之一。纵观比亚兹莱的装饰绘画作品，无论是颓废、阴暗或者华丽、夸张，且不必说那裸的、极具装饰感的艺术风格，单是其对现实生活的否定和批判，就沾染了鲜明的现代绘画气息。由此看来，虽然诸多评论家都指出比亚兹莱的绘画主要特点在于颓废和放荡，不道德和有伤风化。但究其根源，比亚兹莱装饰绘画中存在着的一系列“非道德”“批判”的情绪和观念，也代表了他个人对现实生活的厌倦与他对理想世界的向往，从而具有非凡的审美价值。

从绘画风格上看，比亚兹莱大部分装饰绘画中反复出现的黑白二色则具有无以伦比的象征意义。这两种颜色构建出一个光怪陆离的艺术世界，虽然其中的一切看似与现实生活相去甚远，但又无一不是现实生活的缩影和对照。因此，有人说比亚兹莱疯狂的异想空间有着现代主义艺术最基础的风格――反讽，这并不为过。笔者认为这里应该加注的是，比亚兹莱超越现实的艺术空间中，装饰语言（形式、技法、色调等的夸张、变异、个性、抽象化）的融入难免使得某些地方有矫揉造作之嫌，但既然画家敢于讽刺现实生活，那么他的“矫揉造作”又何尝不是在嘲弄所谓的主流“艺术”！

因而，当我们谈及比亚兹莱的装饰绘画思想，装饰性语言的融入同样是不能绕开的话题。应该说，装饰性语言的融入造就了比亚兹莱独特的绘画风格，造就了比亚兹莱作品中浓烈的情感，造就了年轻的英国画家比亚兹莱。

（三）比亚兹莱装饰绘画之创作技法

比亚兹莱装饰绘画最大的特点就是其独特构成的黑白世界，这里有诗歌的浪漫情怀，有科幻电影版的无穷想象，也有浓郁的东方艺术气息。应该说，比亚兹莱的作品深受日本浮世绘，东方版画，古希腊瓶画，洛可可艺术等艺术形式的影响，它们为画家带来了另一种绘画技法――装饰性的处理表现。这种表现技法摆脱了西方传统的三维空间论，运用纯粹的黑白色块和线条，构造出一幅幅平面而清晰的作品。尤其比亚兹莱在细节上的处理，将洛可可艺术风格融入，效果更为奇异瑰丽。

例如1894年创作的《瓦格纳的崇拜者》。作品描绘了一群女观众围在世界名作《特里斯坦和伊索尔德》前面，画家没有把画面的重心放在这幅作品上，而是将视觉重点放在了观众中。同时，作品中运用大量的黑白色块和装饰性的线条，颠覆了传统绘画中关于色调平衡的美学观念，突出了画面中人物的形象。

另外值得注意的是，比亚兹莱的装饰画中总包含有大量东方艺术的技巧和技法，甚至他笔下的一些人物就直接运用了东方艺术造型。如比亚兹莱著名的插画《黑斗篷》《武士服饰图》等，在这些作品中能够看到主人公均穿着典型的东方服饰，且衣着与头发的绘画方式大都注重“面”的效果及装饰效果，而淡化了西方三维立体的深度感。

综上，装饰就是美化，它是现代绘画的重要表现手法，也是现代绘画的视觉审美形式。装饰语言的融入，从视觉效果上丰富了现代绘画的形式；从内涵上缔造了时代的文化意义与情感精神。以比亚兹莱装饰绘画为例，装饰语言的纯属运用使得作品的表现方式与思想情感紧密相连，既创造出美的外在形式，同时也造就了深刻的内在价值。因而，在崭新的时代中，装饰语言与绘画艺术的结合无疑是意义重大的。

参考文献：

[1]梁百庚.《装饰画》，北京:中国纺织出版社，2004年，2页

[2]刘公，所润波.《简论装饰画艺术》，长春师范学院学报

2003年第22卷，第2期177页