简述工艺美术的特点篇1

【关键词】中国雕塑；雕塑艺术；特点；继承发展

中国雕塑具备着悠久的历史，在几千年的岁月洗礼当中，流传下来的雕塑作品浩如烟海。在石窟、寺庙以及博物馆当中我们都能够体会到我国传统雕塑的博大精深。

地理和文化是对雕塑产生影响的两个主要方面，我国的传统雕塑主要是以华夏民族自由的地理区域和民族性格为内核，通过雕塑这种形式来进行表达，反映了我国传统的文化精神和艺术语言形式。所以我国的雕塑具备着很明显的民族特色和区域的特色，对于我国雕塑的特点进行研究，就必须要深入地了解我国的地理环境和民族文化，这是能够深入理解我国雕塑，更好地对雕塑进行继承和发展的要点。本文主要对我国传统雕塑的基本特点进行简要的总结，对传统雕塑的继承问题进行分析，并提出我国的雕塑应该发展和前进的方向。以利于我国的精神文化和物质文化更好地继承和发扬。

一、我国传统雕塑的特点

我国的传统雕塑经历了很长一段时间的发展历程，在发展的过程当中因为地理和文化的差异，存在着不同的风格，雕塑所采用的材料也不尽相同。但是有一种未曾改变，那就是对于雕塑的内在美的追求。任何一种样式的艺术之后都有相应的审美理念的支撑，对于雕塑当然也不例外。对我国传统雕塑的特点需要从三个方面进行分析，包括简约性、写意性和意向性。

1、中国传统雕塑的简约性

从现在保存下来的我国传统的雕塑作品的整体来看，它们在造型处理上大多是运用简化的手法。这里所说的简约性是指用最少的工序达到最好的效果，对于整个雕塑来说，即是采用最少的人工琢磨，而达到最好的意境效果。这正所谓是大音希声、大象无形，中国的传统艺术中完全融入了朴素的思想，是需要通过除去华丽的多余的表象，才能够体现出来的。传统雕塑的简约性则具体表现在雕塑的外形简约和面部五官简约，外形简约主要表现为整体躯干近似长方形，手臂和衣服没有多余的形状起伏。而面部和五官的简约则主要是体现在眉毛被简单的概括成两条曲线，而鼻子也近乎是一个几何图形，没有鼻骨的转折和肌肉的变化，对于细节刻画十分的粗略，而这种简约的头部造型也是展现我国传统人物雕塑神韵的主要手段。

2、中国传统雕塑的写意性

国画中有一种手法名为写意，其实在艺术当中，万法皆通。传统雕塑的写意性则更多的是表现在“以线入体”这四个字上。何为以线入体？在我国传统雕塑艺术系统当中，线是最基本的组成部分，对于线的审美，是通过平面的线条互相的交织而形成的立体的空间表现形式。在传统的雕塑当中，线条的运用是在形体的美感之外的造型语言，它和整个立体的空间上的造型互相补充，从而形成一个完整的语言体系。中国传统艺术以线入体的文化根源主要是在中国的工艺美术。在我国最初的彩陶作品当中，雕塑和绘画互相补充。中国雕塑的这一特点一直流传下来，后期在进行雕刻的过程当中，都是先勾勒出草稿，然后付诸于雕刻。这就使得中国的传统雕塑具备了写意的特征，所体现出的线性美感和引发的思考，已经远远的超过了雕塑自身的立体空间感。给整个雕塑本身围上了一层神秘的气息，成就了传统雕塑似与不似之间的美感。

3、传统雕塑的意向性

我国文化的内涵当中有一点是物化于外、意存于内。也就是说在人们通过感官对于事物有一定的感觉之后，然后从精神上深层次的体会事物所内涵的深层次的含义。中国的传统雕塑更是深得中国传统文化的其中三味。它所要强调的是超脱于现实之外，但是寓乎于情理之中。意向是审美主客体的相统一、相契合的产物，这个我们众所周知。所以在这种思想的引导之下，我国的传统雕塑肯定具备着强烈的精神追求和意向性。例如，在汉朝大将霍去病墓前的雕像，并没有事先确定整个雕塑的造型，而是根据石料来决定采取一个怎样的雕刻手法和方式，其利用石材的本身走势，稍微加以雕琢，再赋予文化的内涵，大将的形象豁然而出。在似与不似之间，就让人印象深刻，寓情于物，体现了人与自然的和谐统一，成为我国传统雕塑之中的典范之作。

二、中国传统雕塑特点的继承和发展策略

从目前的雕塑发展情况来看，可谓是如火如荼。全国各大城市随处可见所谓的城市雕塑，很多造型抽象、示意不明的现代化雕塑矗立于城市的各个角落。其主要目的是为了提升整个城市的环境和文化品位。但是，从实际效果来说，并不见得如此，很多的城市建筑不仅不具备艺术性，反而有伤风化。还有些城市的雕塑一味的求高、求大，完全不具备城市本身的内涵。这样的雕塑林立不仅没有提高城市的文化和艺术氛围，反而在建造的过程当中浪费了巨额的资金，这是得不偿失的。究其原因，其中最重要的一点是因为现代雕塑对于我国传统雕塑的精华没有很好的吸收，不能做到有效的继承和发展，使现代的雕塑缺乏前进的方向，充满着无力感。因此，对于现代雕塑的现状反思，我们就应该充分的吸收传统雕塑当中的精华，以此来促进现代雕塑的发展。

1、区分传统雕塑，取其精华去其糟粕

我国的传统雕塑作品可谓是浩如烟海，其中难免会存在很多的糟粕，所以为了我国传统雕塑的特点的继承和更好的发扬，第一步就应对传统雕塑进行必要的区分，学习其中的优秀之处。对于我国传统雕塑当中的精华作品，我们前人大多都做了很多的评述工作，但是仅仅对于优秀作品的评述，是远远不够的，我们还需要对我国传统的雕塑进行优劣的区分，对于劣质的作品也要进行一定的评述，见贤思齐，见不贤而自省。在我国的传统雕塑中，石窟占了很大的一部分比重，但是有些石窟因为年代久远，在花费大量的时间和金钱进行考察的过程之后才发现，有些石窟雕塑已经风化难辨，没有任何的艺术价值，有些石窟作品极为的低劣，也不具备艺术研究的价值。所以雕塑界必须要对劣质的作品进行一定的评述，以此来警示后人，让他们少走弯路。区分传统雕塑，对于劣质作品进行评述，是一项长期而且深远的工作，这需要大量工作人员的不懈努力，才能有所建树。也只有这样，才能使传统雕塑为我国目前的雕塑发展做出更大的贡献。

2、深入研究传统雕塑，不能浮于表面

一种艺术能够屹立于所有艺术当中，并且有着很强的生命力。那就可以说明一点，这种艺术是有其自身特点的，虽然特点不一定是优点。所以在对我国传统雕塑的研究过程当中，一定要深入进行研究，不能只做表面文章，要深刻地了解传统雕塑中那些被世界广泛承认的特点，并进行集成和发扬，以此来推进我国现代的雕塑产业的发展。我国现代的雕塑是对传统雕塑的继承和再创作的过程，而目前在这个过程当中出现很多的问题，这就需要我们深入的了解我国传统雕塑所具备的特性。第一，我国古代的雕塑的实用性是毋庸置疑的，从司母戊鼎到四羊方尊，从日常器具到祭祀用品无不体现出这一点，而现在我国大多数城市的雕塑片面的求高、求大，不具备良好的实用性，也不具备深层次的含义，不仅劳民伤财，更重要的是对于城市的整体艺术氛围的提升没有丝毫作用。第二，我国的传统雕塑具备着写意的特性，也就是说以线入体的特质。从我国现在的大多数雕塑来看，已经完全的脱离着这一观点，雕塑已经自成一体，不再具备写意的特质，造型单一、缺乏似与不似之间的中国传统审美观念，引发不了群众的共鸣，所以对于城市氛围于事无补，但是有一些良好的作品还是可以体现出我国传统雕塑的写意特征的，如甘肃兰州的“黄河母亲”雕像，就十分恰当的诠释了这一点。第三，我国的传统雕塑具备着意向性，也就是说在通过感官的了解之后，可以引发更深层次的思考，但是现在看来我国的大部分城市建筑很明显没有体现出这一内涵。所以，如果想使我国现代雕塑得到更好的发展，就需要深入的研究传统雕塑，不能只做表面文章。

3、动手操作，加深对传统雕塑的理解

俗话说“光说不做假把式。”所以，如果想要真正的理解传统雕塑当中的精华，并将其完美的应用于现代的雕塑当中，就必须要提倡我们当代的雕塑家动手临摹，通过模仿和在模仿基础上的再创作，加深对于传统雕塑中精华的体验。在具体临摹的过程当中应该时刻的提醒自己，不是为了临摹而临摹，也不是为了将传统再现，而是为了将传统当中的精华更好的运用于现代的雕塑创作当中而临摹。只有让传统立足于当代，服务于当代，传统雕塑的精髓才能够显示出其现实的意义，才能让现代的雕塑寻找到前进的方向，更好的前行。

三、结语

中国现代的雕塑发展是一个十分艰巨的任务，特别是在文化的更新速度加快的今天。所以现代的雕塑发展，必须要充分的吸取我国传统雕塑当中的精髓，并在实际的发展过程当中，对于传统雕塑当中的实用性、写意性和意向性要进行充分的理解和吸收。同时，在现代雕塑发展的过程当中，还应该对传统雕塑的作品进行区分，使后来者少走弯路，更好的走进雕塑的殿堂。最后，在加深对传统雕塑的理解过程当中应该亲自动手操作，更好地去琢磨传统雕塑中的精华，以便于更好地继承和发扬传统雕塑的特点。

【参考文献】

[1]孙冀东，姜文博.中国古代建筑装饰雕塑的形式与功能分析[J].河北大学学报（哲学社会科学版），2011（1）.

[2]欧阳劲松.浅析对中国古雕塑发展史的研究[J].景德镇陶瓷，2011（1）.

[3]胡春良.由第七届艺术铸造年会看中国艺术铸造的发展[J].中国铸造装备与技术，2012（1）.

简述工艺美术的特点篇2

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简述工艺美术的特点篇3

摘要：本文简述当代世界设计潮流，扼要论述了中国与西欧建筑（室内）的历史，概述了极少主义的定义和衡量作品的准则，阐述设计师应立足国情和本土文化，进行继承和创造性的发展。

关键词：极少主义艺术；表现主义；自然主义；生命力

随着社会的发展，文明的进步，人们的素质与文化修养的提高。“设计”已完全深入人们的生活当中，古有训之：“一室之不制，何以天下国家为”。室内设计也随之提高到一个新的发展阶段，当今世界设计思潮百花齐放，各有其说。有的呼吁“人文主义”；有的遵循“简约主义”；还有的倡导“极少主义”等等。

1极少主义概念。

所谓“极少主义”，起源于60年代北美洲的一场现代雕塑运动。它是在特殊的社会和文化背景下，对一系列压力所产生的反应，尤其是对同时代与运动所形成的艺术风气的批判。如抽象主义、波普艺术及视幻艺术。因此通过大量具有挑战性的彻底的研究和实验，一个多样化的艺术产物浮出水面。其目的在于以“最少”的手段获得“最大”

的张力。确切地说，极少主义艺术如同一股绞合的绳索，以简单、基本的几何结构，去掉多余的装饰元素，追求其最基本的成分。因此，所有的引经据典都被排除在外，除了在特殊场合反复出现的实体造型。它的确涉及到连续性生产的工业水准———或是选择原料（既包括传统原料，也包括工业原料）,以便与位置、场地、主体、环境等因素建立密切的联系。

“极少主义”与“简约主义”有着不同的概念。

“简约”的宗旨是“以装饰为主”，就是所谓的轻装修重装饰，这是我国近年来人们提出的一种说法。

“极少主义”更讲究线条简洁明快、活泼愉快、庄重大方利于营造气氛，但不失于文化底蕴。

2衡量作品的准则。

衡量一种建筑流派（室内流派）或一件建筑作品（室内作品）的成功与否，主要是看它是否有强大的生命力。简而言之，大凡有生命力的作品，无一不是与当时历史条件下的物质技术完美结合的产物。具体的说，所有的绘画、雕塑艺术作品几乎都是从建筑中派生出来的，从建筑发展的历史看，那些只凭个人好恶而随心所欲地发挥自己“才华”

而不顾及当时，当地的物质技术条件的设计，我们可以肯定地说是注定要被淘汰的。例如表现主义、未来主义的代表们竟然没有一件可以付诸实施的建筑作品。

虽说建筑（室内）本身就是一件艺术品，但它具有技术与艺术的双重性。建筑虽不象绘画雕塑那样直接反映社会生活，但可以通过它自身的尺度感、体量感、材料的质感、造型、色彩以及建筑（室内）自身的绘画雕塑艺术给人以巨大的震撼，这种震撼是强烈的。当你跨入故宫太和殿的大门之后，首先被巨大的空间尺度所控制，高大耸立的柱子给人以挺拔向上的感觉，精美华丽的彩画不能不使人为之惊叹。然而这种宏伟的艺术效果绝不是随心所欲所能创造出来的。任何一个成功的建筑（室内）设计，无一不是技术与艺术的完美结合，任何一种建筑（室内）形式以及它的装饰艺术手法的形成都取决于它的材料特性，材料特性决定了建筑自身的结构特点，结构特点决定了装饰艺术的形式手法。这就是建筑艺术的一种形式可以久远地流传而不衰的内在原因，也就是艺术生命力的强大之所在。

材料的更新促进了建筑结构的变化，结构的变化又促进了建筑形式的演变，建筑形式变了，那么它的装饰艺术手法自然也就变了。这就是说新生的事物一定会以强大的生命力去突破传统势力的束缚而创造出新的艺术手法。

建筑的形式变了，室内设计的手法也肯定随着变化。建筑的设计是室内设计的载体，室内设计在某种程度上是受建筑的影响，而建筑也受材料的及工艺的限制。追其根源，当然是由社会的发展、科学的进步、人们的文化素质所决定的。

3中国的建筑文化。

中国有着自己的国情及三千年的文化历史。

有世界著名的万里长城和秦始皇陵，有极具中国文化特色的故宫群建筑，还有祖先留下来的大量保存完好的历代建筑物。随着世界的共同进步，带有中国传统的砖、瓦、木结构逐渐被钢筋混凝土、钢材、玻璃、石才所代替。在中国加入WTO后的国际景下，现代设计应运而生，但是有着中国独特文化底蕴的园林怎样与现代建筑挂钩，以及怎样体现中国自己的文化特征不得不引起现代设计师的深思。世界一体化是不是就意味着大众化和新朝化或两者兼之。这就说明现代设计不仅仅只局限于加入建筑符号就符合设计的发展方向，更着重于设计体现的文化底蕴。

原始社会使用大自然的石器工具，夏代有了村落，商代有了城镇，到汉代建筑与家具有了初步特色，直至唐代建筑与室内有了更大的突破，有了一整套严格的建筑与室内的建设模式，明、清两代把建筑发挥到了极致，尤其把木材的特性发挥到极点，极具繁缛与华丽。从建立新中国到八十年代建筑与家具趋于简化。虽然在系列中以木材为主，但也有新材料的发现与运用。当代新型材料层出不尽，又具有高超的工艺。建筑与室内设计日渐重要，同时也面临着严峻的考验，设计思潮各有千秋，但哪种思潮是主流，哪种思潮是支流？面临新世纪经贸一体化的呼声日响，世界建筑也随着一体化，世界室内设计也逐步一体化，此时如何保持或体现民族特色？地域不同其环境也不同，造就的人也不同，其文化习惯也都不同，其建筑及室内也应不同。材料可能相同，但形式与空间应有文化与习惯的不同。所以设计的发展方向应与人文与地理与环境与习惯相协调，合理地运用现代材料，设计出具有中国特色的建筑环境与室内居住环境，体现出中国文化的内涵。

现代材料以钢材、混凝土、玻璃、石才、乳胶漆及现代工业生产的化学材料为主。建筑也由原先的浑厚向简洁明快高耸发展。室内设计也有室内转向室外，以便于接近大自然。空间设计的多样化，装饰繁简、位置的讲究，照明灯光的合理设置，营造气氛颜色的运用，适于人体活动尺寸的调节，以及材料给人的感受等，都能成为影响设计思潮的因素。

4西欧建筑文化。

纵观欧洲建筑历史的发展长河，意大利胜产优质石才，由此而产生了梁板结构的特定形式，建造出无比辉煌的古希腊建筑。火山灰的运用产生了原始的混凝土结构，新的结构创造出大跨度的穹顶建筑，所以宏伟的罗马建筑便诞生了。两河流域的土坯建筑演变成波斯建筑。哥特教堂结构的精美、尺寸的巨大、色彩的迷离神幻唤起人们的激情。巴洛克建筑几乎把装饰艺术发展到极致，创造了一种登峰造极的、动荡的、放荡不羁的、光怪陆离的装饰形象，以至发展到一种病态的装饰艺术。

5极少主义的追求。

从一般意义上说，极少主义艺术的基础是将建筑简化至最基本的成分，如空间、光线、及造型，而非机械地减少、否定，去掉多余的装饰，抑或崇尚清教徒式的生活准则，即使这样，浮浅的阅读概念，依然可能会对预定的外表或一系列准则产生错误的概念（如单调的白色或对空白的迷恋）,这将导致过分简化。“极少主义艺术”定义的概念性，使其不得不融入某种特定的文化背景中，极少主义艺术的批判眼光对准的是预先确立的概念，与此不同的是，不含任何社会思想体系的极少主义建筑是现代建筑某些方面的补充或延续，它具有极端规范的抽象概念，在当今建筑实践中被广泛的采用，同时也是运用高精密度光洁材料及干净利落的技术线条的典范。它与场地及环境形成强烈的对话———改变并赋予它们以新的个性，并以多重反复作为品质的保证，以达到整体的统一。

“极少主义艺术”的室内设计追求简洁明快，以简洁的线条和几何体来满足功能与气氛的营造。但同时含有独特的文化底蕴。

在当今建筑与室内设计以“人文主义”为主，引进“自然主义”，追求简洁明快的潮流中，“极少主义艺术”似乎只是一条支流，但不得不承认其有独特的见解，也可以说是建筑与室内设计的某种补充与延续。在它追求质朴的同时也很讲究线条的变化，灯光的照明也极具韵味，有它自身的准则和规律，同时也是理论与实践相结合的体现。

6结论

通观历史长河，室内设计的发展虽有其社会背景，也就是朝代的更替，社会的安稳与动乱。更有人为的继承、创造和发展。它遵循着“简单———复杂———简单”这一规律。设计是为人服务的，中国当今建筑与室内设计的发展、应着重于中国人文文化，地理环境、风土人情，深究其里。“只有民族的才是世界的”中国古典园林是建筑与室内设计的宝贵资料，应从中发掘、继承和创造。因此作为设计师必须了解历史、了解本土文化、了解各种材料、了解人体工程学、了解时代技术才能创造出适应社会、适应生活、引导潮流有生命力的优秀作品。

参考文献：

[1]朱小平。欧洲建筑与装饰艺术[M].天津：天津人民美术出版社，2002.

[2]王其钧。华夏营造。中国古代建筑史[M].北京：中国建筑工业出版社，2005.

简述工艺美术的特点篇4

王生军老师在准备参加“第六届全国中小学美术课评选活动”时，和其他参赛教师…．样，付出了全力。对我这个市美术教研员来说，我市美术教研团队和王老师一起研磨这节课的过程至今还历历在目。我们主要是围绕“如何设计才能科学而生动？”“如何能体现传统艺术课的醇厚味道？”“王老师如何展现出个人的风采？”等几个问题来进行的。

木版年画距离学生的生活较远，学生不易理解，只有把这节课设计得科学而生动，才能引起学生的兴趣，拉近学生与传统艺术的距离。基于这样的考虑，王老师在整个团队研课的基础上．把木版年画的知识按照由浅入深的层次，分散到各个教学环节中去。根据五年级学生的特点，他设计了“激情导入”“欣赏武强年画，感受木版年画的艺术特色”“探索木版年画的制作工艺”“尝试印制，感受年画的独特魅力”“总结提升”这五个教学环节，以此串起整节课的教学进程。各个环节的设计既各有亮点，又各有侧重。观察上课现场，学生在学习过程中，时而充满好奇、主动探究，时而积极思考、侃侃而谈，时而激情四溢、动手操练……学生们都被充分调动起来，全身心地投入到学习之中。他们对木版年画从一开始的不了解到越来越着迷，一直到最后由衷地对祖国这一传统民间艺术深深地赞叹起来。

《木版年画》这一课知识量大，若想讲好，教师没有丰富的知识储备是不行的。俗话说，“腹有诗书气自华”，教师的知识储备丰厚，上课时自然会沉稳自信，不怕被学生问了“不该问”的问题。为了上出民间艺术课醇厚的味道，王老师做了大量深入了解木版年画的功课。他利用节假曰，带着相机到河北武强木版年画产地去走访调查，向民间老艺人们请教，学习刻版和印刷年画的方法和制作要领。老艺人们听说他是美术教师，要给孩子们讲木版年画，都无条件地支持他、帮助他，有的还把自己收藏的年画送给他。王老师深受感动，他说：“我越研究木版年画，就越喜欢它，越想让孩子们好好了解它。”他把自己对木版年画的热爱之情带入教学，再加上自己对木版年画的深入了解，上课时知识与情感就能够自然交融，课也就讲得沉稳厚实，让人听完课后回味再三。

优秀的教学设计就像一艘设计精良的船，需要船长的高超驾驭，才能驶向成功的彼岸。王老师平时的教学风格生动、活泼、机智、幽默，学生上他的课时感到非常亲近。在全国赛课活动中，是一本正经、按部就班地上一节“表演课”，还是像自己平时上课一样做一次本色教学？怎样才能让学生忘记是在众多人的观摩下听课，全身心地投入到美术学习中去，从而展现出个人的教学风采？石家庄市推行美术教师本色教学多年，王老师自然选择了后者。所以，在讲台上，我们看到王老师潇洒自然、诙谐幽默，与学生共享美术学习的快乐。反思各种评优课中都常见的现象——教师平时上课是自己，展示课就变成了演员，学生成了尽力配合老师的观众……这其实不应该是美术教学追求的状态。

教学是一种有缺憾的美，王老师的这节课也不例外。比如这节课的最后，如果能留出1至2分钟的时间，让学生谈一谈通过这节课的学习自己对木版年画的认识，就更能激发他们对祖国传统文化的保护与传承的热情了。

点评二（白云云上海市实验学校东校）

木版年画是中国民间美术中非常传统的艺术形式。河北的土老师对武强版域非常熟悉，设计这节课拥有地域优势，他把武强木版年画分析得头头是道，说明课前做了充分而具体的准备，这电是打造一节好课的前提条件。这节课的特点主要体现在以下几个方面。

1．结构严谨

基于“欣赏·评述”课型的特点，这节课的定位明确，在三维目标和重点、难点的制定方面，教师显得尤为慎重，在字句的斟酌方面也下了一番功夫。

比如，在“知识与技能”目标的陈述中，教师强调“用口头或书面语言表达自己对木版年画作品的理解和感受”，而与之对应的是教学重点“木版年画的艺术特色与制作工艺”，这也正是学生学完这节课时能够用口头或书面语言加以表现的“理解和感受”。

结构上的“滴水不漏”，还体现在教学环节的设计上。基本上每一个环节、每一次互动都是围绕重点和难点展开的，鲜有不利于教学走向的因素。整节课教师围绕着了解木版年画的艺术特色，即表现内容、寓意、构图、造型、色彩，以及木版年画的制作工艺，即制版、印刷这样一个流程来展开教学，脉络清晰、逻辑严密。

2充分调动学生学习的主动性

王老师在设计教学流程、设置教学重点时，关注点始终放在学生身上，教学目的都是为了充分调动学生学习的主动性，加强学生学习的体验性。

比如，在导入环节，为了激发学生学习木版年画的兴趣，他首先设置情境，布置“舞台”，并且用略显神秘的语气向学生描述学习“主题”——木版年画。在这样神秘氛围的渲染下，学生的好奇心很容易被调动起来。兴趣被激发之后，学生都很想知道老师到底卖的是什么关子，环节的开展也就水到渠成了。这既符合教育教学的规律，又契合学生好奇心强的心理特点。

又如，在欣赏武强年画的过程中，为了让学生感受木版年画的艺术特色，王老师把黑板上的年画分发给各个小组，请学生近距离地接触木版年画。这样的环节设置，既充分调动了学生参与的积极性，又能保证每一个学生都有参与到活动中、全面进行视觉“阅读”的机会。这样做的好处是，学生亲自体验可以获得丰富的感受，另外，也可以照顾到“慢半拍”学生的心理感受，保证他们有足够的时间接受学习任务。

再如，为了让学生充分了解套色印刷是什么，王老师不仅亲自进行示范，而且还分组请学生尝试体验。对于学生来说，这种通过体验所得来的经验要大于理论学习所获得的。

唯一美中不足的是，教学设计文本没有详尽地描述学生分组印刷的过程是怎样的，读者只能凭想象。但可以明确的是，在短时间内的印刷尝试，目的一定是为了加深学生对木版年画艺术特色与制作工艺的了解。所以，出于这一点考虑，这点微瑕应该也不算什么了。

点评三（张新江山东省青岛第二中学）

1．可取之处

任何学段的美术课，都必须满足学生的发展所需，这是建立在教师对学情充分把握之上的。王老师的《木版年画》教学设计清晰地表述了对五年级学生群体和教材的综合分析，尤其是教学难点很接地气，放在了解木版年画制作的具体技能上。这既是立足于对教材文本的科学分析，又是结合学生实际做出的符合学生认知逻辑的教学设计。导入环节的魔术情境教学法和过程中的游戏教学法都能有效激发学生的求知欲和兴趣，为达成教学目标做好了铺垫。

2．有待改进之处

(1)“认识贴年画的年俗意义”这个环节有些多余。因为之前的“木版年画的表现内容和美好寓意”等教学环节，已经把木版年画的内容、构图、色彩、寓意等介绍得很清楚了，大部分也都与民俗有关系，所以，没有必要再设计这个环节。

(2)整个教学设计，前半部分逻辑严密、结构清晰，但是从第三部分的技能学习开始、到学生分组练习、再到作业展示等，都过于简单。在“探索木版年画的制作工艺”环节中，王老师一共使用了两种方式，一是观看武强木版年画的制作工艺视频，二是教师现场演示。这本是解决教学难点的重要环节，又涉及技能学习的核心要领。但是，这里既没有教师的详细讲解，也缺少重要步骤的提炼总结，教学重点的解决显得头重脚轻。建议教师用微视频的方式，提前把民间艺人的制作视频和教师演示的方法步骤进行视频编辑，融合到一起。这样，既能有效解决教学难点，又能节约课堂时间，为学生的作业展示和交流留出足够的空间。

点评四（张蕾江西省上饶市逸夫小学）

笔者听过好几节不同版本的《木版年画》课，这次有幸研读了王生军老师的这一版，从中感受到他对这节课的设计之用心。对于本课的诸多优点我就不一一列举了，只想借此机会与同行们探讨一些值得商榷之处。

1讲解构图特点过于笼统浅表

王老师通过观察、比较等教学方法总结出木版年画饱满的构图特点，是过于笼统浅表的。根据笔者的了解，木版年画的构图是非常讲究的。它的构图方式有对称式、中心构图式、展开式、散落式、阶梯式、适合形构图，等等。构图上追求“满”与“空”的对立统一。所谓的“满”，即是利用画中“空”的形象在“满”中求变化，达到画面既饱满，又能满而不挤、空而不虚（教学设计文本中的图10、图11的构图就是“满”）的效果。所谓的“空”的构图指的是：去掉背景，突出人物，简明扼要，画的“满”与画外的“空”，画的“密”与画外的“疏”达到对立统一（图12至图15的构图就是“空”）。对于木版年画这种独特的构图，教师可以在课堂上探究得更深入一些。

2．学生的自主探究不够充分

在“感受木版年画的艺术特色”环节，王老师运用了很多教学方法进行启发和引导。但给我的感觉是，教师带着学生在走。其实，教师对五年级学生可以再放手些，让学生根据目标学会自己走。教师可以为每个小组的学生提供不同的相关资料，发放有针对幽的研究问卷，提出明确的研究目标和方向，组织各个小组的学生自主选择探究年画艺术特点中的一项，如题材、寓意、造型特点、构图、色彩等。学生在小组中有目的性地分析资料、讨论问卷，最后各组——汇报本组的研究成果，师生共同总结出木版年画的艺术特色。这样，既能培养学生的自主探究能力，又能培养他们的团队合作意识。

3．套染的概念不清晰

在“探索木版年画的制作工艺”环节中，学生看了木版年画的制作视频，又体验了一色一版的印制工艺，了解了分色套染的概念，但未必清楚年画中的这些颜色是如何套染在一起的。我曾听过浙江省吴兴实验中学徐军老师的《木版年画》一课，他制作了一件在空画框中用幻灯片表现套染过程的教具。每张幻灯片是一种分色，当它们逐一放入画框中，套色逐渐丰富，直至合成一张完整的套色年画。这个精巧的道具生动、直观地演示了套染的过程。如果本课也设计这样一个演示环节，会更有利于学生对年画印制这一难点的全面理解。

点评五（阮鸿雁山东省济宁市东门大街小学）

近几年来，“欣赏-评述”课由最初的“不敢触碰的美丽”逐渐变得炙手可热，在各级评优课、公开课中都能见到其身影。教师们也逐渐摸索出这个学习领域的教学路子和方法。而民间美术面临的逐渐消失、后继无人的困境也越来越受到美术教师的重视，在课堂中对学生渗透这方面的教育，有利于学生树立良好的传统文化保护意识，形成正确的艺术价值观。王老师选择的《木版年画》一课很具上述两方面的代表性。下面谈谈笔者对本课的一些感受。

1．本课亮点

(1)目标落实到位

王老师根据学情，将知识与技能国标定位在初步了解我国传统木版年画的艺术特点与制作工艺，能用口头或书面语言表达对木版年画的理解与感受；情感、态度与价值观目标是感受传统木版年画的形式美感，热爱木版年画，激发保护和传承我国传统民间艺术的责任感和民族自豪感。为了达成教学目标，王老师采用欣赏、学习、游戏、体验等灵活多样的教学形式，让学生都积极参与到活动中。欣赏、评述、感受技法、课后拓展等方面都达到不同层面的目标要求。

(2)教学形式多样

课的开始，教师通过张贴的年画创设情境，加上故作神秘的语气、魔术表演般的动作，激发了学生的好奇心；通过播放视频短片，让学生观看民间艺术家的不同制作技法，调动学生的动手兴趣。教师在恰当的时机示范印制，让学生体验印制年画，了解套染的制作工艺。虽是欣赏课，但教师没有忽略技能的训练，而是抓住学生爱动手的天性，引导学生主动学习和体验，发挥了学生的主动性和参与性。

(3)欣赏与评述兼顾

本课兼顾欣赏与评述，层次清晰，有递进性。一是赏年画，感受木版年画的艺术特色；二是观工艺，探求制作年画的方法；三是试印制，对年画制作方法进行再认识。学生通过观察、触摸和欣赏，多种感官参与，充分展示自我，感受到学的乐趣。

2．改进建议

教师在引导学生了解木版年画的色彩特点时，采用了游戏的方法，让学生通过观察年画，找色彩、贴色卡，从而发现年画的用色规律，较好地解决了知识难点。笔者建议这里可以插入一个色彩搭配练习，以此巩固所学知识，增强学生对民间美术色彩搭配的情感。加上第四个环节的学生尝试印制，本课便有了两次让学生实践的机会。在这一系列的实践过程中，教师将美术文化的学习和技能技巧的学习相结合，能使学生对我国木版年画有更深的认识和了解，以增强热爱之情。此外，在对比分析木板年画作品《门神》和《老虎》的造型特点这一环节，教师如能出示真实老虎的照片做对比，会更具直观性。

点评六（张艳红江苏省徐州市矿山路小学）

1．可取之处

(1)运用“发现学习”的教学理念开展教学

该课有三个环节体现出“发现学习”的教学理念。第一，教师把年画分发给小组讨论、交流和总结，让学生感受木版年画的艺术特色；第二，在分组讨论中，让学生探索木版年画色彩运用的秘密；第三，让学生用看一看、摸一摸的方式体验木版年画的质地。在这三个环节的设计中，教师的教学行为都放在了学生自主探索活动之后，由学生自己通过观察、总结、思考和发现，来建构知识体系。看似简单的设计，却彰显了学生的“学为先”和教师的“教为后”的理念。这种注重学生发现过程，注重知识学习过程的课堂，才是“生本课堂”，学生才真正成为课堂学习的主人。

(2)巧设兴奋点，激发学生的学习情绪

教师在教学中两次妙用游戏教学法：一是导入部分，把作品用绸布遮盖起来的悬念式游戏；二是请学生找找木版年画中的色彩秘密的参与式游戏。两处游戏的设计不仅考虑了小学生认知和心理上的特点，更重要的是将游戏与教材相联系，让学生学得更“有劲”。两个游戏设计教法得当、目标明确，发挥了为学生学习服务的功能，起到了以小游戏带动大课堂的作用。

2值得商榷之处

(1)教学思路不够开阔

本课整体的教学过程设计感很强，教师虽然在部分环节运用了“发现学习”的教学理念，但是总体来说，教学思路还不够开阔。《木版年画》包含的知识很多，那么，是以赏析为主，还是以操作体验为主？知识点需要讲多少？哪一个环节需要示范？何时由学生自主体验最好？这些都需要教师去把握。如果整堂课力求知识点面面俱到，那么饱满的教学设计反而会弱化课的开放性生成。因此，智慧的课堂应该是在老师的引领下，学生尽兴的课堂，而不是老师满意的课堂。

(2)学情调查不够，影响了课内动态学情的生成

五年级学生在小学阶段已具备初步的自主先学的能力。《木版年画》的文化习俗，学生可以借助查阅书籍或网络自主先学，教师在教学设计上要以学定教。这样，不仅可减少教师由于课堂时间有限、内容过多带来的压力，更重要的是课前有准备的自主学习，可以为学生课内动态学情的发展提供空间。课堂上，学生可以根据自己对木版年画的知识积累，有的放矢地提出自己的观点，在探究木版年画深度审美问题上有更大的提高。

点评七（孟庆娟山东省济南市天桥区教研室）

王老师能够紧紧围绕学科需要关注的内容，引导学生理解和认识木版年画作品，同时兼顾与学生生活环境的联系和对传统文化的传承……众多优点，在此不一一列举。作为教研工作者，更喜欢抱着研究的态度谈自己的观点，思考得更多的是如何寻找不足，交流探讨，以趋完善。下面，笔者谈谈对本课的几点感受，不当之处，敬请谅解。

1．思考不够

本课设计的学生活动很多，但缺少一个真正让学生思考的空间。比如，在了解木版年画色彩特色的环节，教师设计了让学生找颜色的游戏，却没有让学生思考民间艺人为什么喜欢用这些颜色。教师直接总结答案，使得本环节的设计略显单薄。此外，教师可以加上一个课堂前测，了解学生对本课的疑问点，然后通过本课的学习，思考和解决问题，真正培养学生思考、分析、评述和审美的能力。

2．对比不强

本课教学重点落实部分，作品选择都以教师所在的河北武强的年画作品为主，但就中国的木版年画来讲，桃花坞、杨柳青、杨家埠的年画都是非常经典的，而且艺术风格有所不同，少了这部分作品的对比欣赏，感觉对木版年画的艺术特点的认识有点偏颇。在解决重点问题时，教师可以在欣赏、研究的作品中加入其他年画产地的作品，这样既有横向对比，又有纵向对比，使学生能深入感受和理解木版年画的艺术特点。

3．评述不足

既然是“欣赏·评述”课，就要有欣赏感知，还要有学生的理解、分析和评述。在教学目标设计中，教师写了“用口头或书面语言表达自己对木版年画的认识和理解”，但是整个教学过程中，学生评述这一方面还需加强。例如，第四环节的“师生共同欣赏不同地域的木版年画”可以改为“用本课学习到的欣赏方法，去评述其他地域的木版年画作品”，以提高学生的口头或书面表达能力和鉴赏能力。

点评八（黄华山东省淄博市杨寨中心学校）

1．本课亮点

(1)教学情境创设巧妙

王老师以“揭红绸、赏年画”活动导入课题，通过范作欣赏、佳作欣赏、情境感受等方式，让学生在情境中产生学习兴趣，并通过实物触摸、感受分享、评价交流等方式加强学生对版画的深入了解，拉近了学生与这一传统艺术的距离。

(2)在引导中激发学生的探究热情

本节课，教师引导学生通过观赏、思考、讨论、游戏、交流、探究等活动，探知木版年画的造型及色彩特点，过程推进有序，方法与策略有效生动，并通过小组探究、讨论、视频观看和动手实践，有效激发学生的学习兴趣和探究热情。

(3)教学节奏张弛有度

整个教学过程有条不紊、环环相扣，围绕教学目标有序推进，灵活的教学方法有效激发学生的求知欲和探究欲，从而让学生成为学习的主体，使欣赏从视觉的直观层面上升到理性分析的层面。

2．改进建议

(1)教学重难点没有有效强化

在环节二探究“年画的内容和寓意”教学过程中，学生的探究过于简单。教师应通过较为充实的范画或图片资料开阔学生的视野，加强年画文化的熏陶，从而促使学生对其感受理解的内化生成，而不是简单地总结为“内容的多样性、美好寓意”；在探究木版年画的构图时，可以通过疏密、均衡等形式的示意简图，让学生了解其构图特点；在探究造型手法时，可以通过提炼部分有代表性的人物、动物造型简图，让学生进行观察、分析并加以感知，以此推进学生对造型手法的认知；在感知年画色彩时，可以通过色彩拼贴等方式，让学生在知晓民间美术色彩单纯、鲜艳的基础上，感知、理解民间美术传统的审美特征和审美情趣。

(2)应引导学生多角度欣赏美术作品

作为“欣赏·评述”课，就是要让学生在观察、欣赏的同时，感知、理解、描述、分析美术作品。在环节四中，学生尝试印制武强年画后，教师可以简要介绍一下包括我国其他地因的木版年画艺术，并对木版年画的发展历程、分类做简要介绍，以增强学生对这一民族艺术瑰宝深厚的历史文化底蕴的探知与了解。

(3)鼓励学生以直观的方式表达自己的感受

学生对年画的感受、感知可以通过多样的表述、评价方式和探究成果展示等加以呈现，从而使评述课堂更加多彩。

(4)教学环节有待整合

环节二中，教师可以将内容、寓意和意义整合为一个板块，提高课堂教学韧度，避免探究内容繁杂、冗长。

点评九（秦绪春江苏省连云港赣榆外国语学校）

王老师的这堂课，具有浓郁的文化韵味，能够激发学生对民间美术的兴趣，从而更好地理解乡土文化；教学环节的设计符合学生的认知特点，教学过程清晰，富有节奏感，是…节极为成功的美术课。

1．本课亮点

(1)地方特色鲜明是本课的一大亮点。民间美术的色彩、样式等与学生常见的现代样式不同，教师通过引趣、欣赏、讲解、讨论、体验等环节引领学生了解木版年画的地方特点、艺术特色、制作工艺等，还让学生在课堂上动手体验年画分色套染的制作工艺，散发着浓浓的地方气息。在这样“玩”的过程中去体验民间美术，使学生有了深入的体会，学生的课堂表现也可圈可点。

(2)教学方法多样，手段丰富但不花哨。如在“感受木版年画的艺术特色”这一环节，老师指导学生观察、思考、讨论、体验，使学生带着极大的兴趣去参与课堂活动，课堂练习扎实有效；在“探索木版年画的制作工艺”环节，视频展示和教师示范的设计很好地考虑到了学生的学习特征和学习知识技能的坡度，层层递进，便于理解和掌握。

2有待商榷之处

(1)在讨论“年画内容中的美好寓意”时，五年级学生难以总结出准确的答案，需要教师的引导和总结。本课重点是木版年画的艺术特色和制作工艺，教师在介绍木版年画的艺术特色部分下足了功夫，无论是课件展示，还是讲解分析，包括学生的思考回答都有充分的展示，对于理解木版年画的特点很有效果。但在制作工艺环节的介绍上，不能仅仅局限于每个小组只尝试一种颜色，课堂上应该有色彩整合的“套色”过程，以便于学生理解年画的特点，能够更好地突破“认识木版年画一色一版、分色套染的工艺方法”这一难点。

(2)对于木版年画这一学习内容，从色彩感知、造型了解到内容寓意，教师都能详略得当地引导学生了解和欣赏，但对木版年画制作过程的要点解读得不够。针对五年级学生的思维特点，教师可以增加教学深度。木版年画这一民间美术包含着先辈们千百年持久深入的研究和探索，这些都是现代人应该学习和继承的。对木版年画的学习不能仅仅停留在了解造型、色彩和简单的印制上，教师在制作过程中应给予进一步的分析和介绍。木版年画要经过构图、勾描、雕刻（包括线版和色版）、印刷（包括调色、夹纸、兑版、处理跑色等）过程。只有当学生有了深入的了解，才能用敬畏的眼光看待我们的民间美术，情感、态度与价值观目标的实现才会更有着力点。

点评十（朱成斌江苏省淮安市清河区教学研究室）

从整体来看，《木版年画》一课教学目标清晰、结构严谨，知识内容的呈现循序渐进，教学中教师注重学生学习兴趣的激发。特别是课堂导入精彩，教师能抓住学生对事物好奇的心理，通过对罩着红绸布的木版年画及制作工具吸引学生的注意，接着用神秘的语气简要描述了木版年画的古老历史、制作方法和历史价值，既激起了学生的学习欲望，又对木版年画的特点和历史价值做了很好的介绍，体现了课堂导入的针对性、趣味性、启发性及艺术性的要求。通过做游戏的形式，学习木版年画的色彩知识，这些都调动了学生参与课堂教学的热情，也取得了较好的学习效果。同时，该课也存在着一些值得商榷之处，在此与同仁们交流探讨。

1该课属于“欣赏·评述”学习领域，重在“赏”和“评”，因此，要重视学生的欣赏感受。但本课教学对中国传统木版年画的欣赏存在数量不足、面上不宽、点上不深的现象。现代媒体技术为我们的美术教学提供了非常便利的条件，完全可以展示大最的不同内容、不同风格的木版年画来让学生充分感受。学生有丰富的感知，才能有更多的知觉体验和理解。

2．教学内容以武强木版年画导入，这是一个很好的教学切人点，但仅仅以武强木版年画的欣赏学习作为主要内容、而将其他不同地域的木版年画只作为简单的拓展欣赏，这与课题不符，也与知识与技能罔标中“初步了解我国传统木版年画的艺术特点与制作工艺”的要求不符，有以偏概全之嫌。教师可以武强木版年画为一条线，结合我国不同地域木版年画的欣赏、比较学习，让学生切实感受到我国不同地域传统木版年画的艺术特色，了解木版年画的文化内涵。

3．木版年画教学的文化内涵有待增强。“新课标”在“欣赏·评述”学习领域目标中指出，要在文化的情境中认识美术。木版年画是我国传统的民间艺术文化，有着丰富的文化内涵。本课欣赏教学中，在关注年画的吉祥文化寓意的同时，要对武强木版年画中的多神崇拜、忠孝节义、民风民俗等文化内涵适当拓展，让学生更加全面地了解传统木版年画的文化意义。

点评十一（朱传斌上海市松江区九亭中学）

看了王老师的《木版年画》教学设计，笔者感到到其文本规范详实，完整地呈现了课堂教学的方方面面。在教学过程中，教师的语言艺术高超，能诱导学生积极思考，同时也有利于学生顺利地表达，克服异地教学由于地域差异导致的学生在认知方面的不足。此外，教师将木版年画实物展示给学生，并介绍了年画的形式、内容和用途，既生动直观，又简洁明了，给学生以亲近感。与此同时，笔者认为该课也存在几点值得商榷之处。

首先，教师在导人环节展示的木版年画有些重复。比如，图3、图4是以童子为题材的年画，图6、图7是表现美好生活的年画，图8、图9是表现古代故事的年画。课堂一开始就展示较多的年画作品图片，小学生反而会迷失方向。建议教师只需从各个题材中精选一张。图5展示的是贴在门上的年画，教师可以将图片放大给学生看，一方面让学生了解到年画的用途，另一方面也让他们能欣赏到年画的内容。

其次，在“了解木版年画的构图、造型与色彩的特色”环节，教师请学生研究一下木版年画在构图、造型和色彩上有着怎样的特点。我认为，从教学案例文本中无法看出教师引导学生研究了木版年画的构图。一般在分析构图时，我们会联想到横构图或者竖构图等，显然王老师只是引导学生分析了年画的造型和色彩。

最后，笔者还有一点疑惑。王老师在导人环节说，从河北带来一种既珍贵又有特色的画—武强年画，由于武强年画是木版印刷而成，即木版年画。教学设计中，教师带领学生欣赏武强木版年画的时候，也多次使用“木版年画”这个名称，这是否妥当？众所周知，木版年画还包括各个地方的年画，武强木版年画与木版年画并不能划等号。因此，我认为，教师在教学中还是应该用“武强木版年画”更为准确。

点评十二（江沙湖南省长沙市清水塘第二小学）

本课教学中，教师以武强年画为切入点，分析了木版年画的内容寓意、构图造型、色彩搭配和年俗意义，不但介绍了木版年画的印制技术，还介绍不同地域木版年画的鲜明特色。教师以一种“讲故事”的语言进行教学，轻松随意，思路清晰，使学生听起来不那么累。但是笔者也提出一些值得商榷之处，与同仁们探讨。

1．教师在请学生探讨木版年画的艺术特色时，应强调它的艺术功能：由于木版年画一般是在喜庆节日里张贴使用，因此，内容以欢乐、吉祥为主，寄托了人们对美好生活的向往。年画的形式是随着人们的需要而变化的。例如：图1《门神》，含有“御凶”的意思，既能祈求平安吉祥，也能装饰门板。

2教师在讲年画的内容与题材时，应让学生欣赏更多的不同题材和内容的年画；对于个别年画的内容和题材要以故事的形式讲给学生听，而不能一味地把问题抛给学生，这样才能让学生知道年画取材于社会世俗生活，大都是以神话传说、花卉人物、鱼虫鸟兽等为内容。

3．对于木版年画的制作工艺，教师让学生直接摸木版，这非常好。但是，教师接下来应讲明各地印制木版年画的木版基本都采用坚硬、纹理细腻的梨木、枣木雕刻。木版年画的印刷方式有：①分版彩色水印；②先印人物、背景轮廓的墨线，再以人工敷彩。欣赏木版年画制作流程的视频时，教师应总结木版年画的制作过程：画稿、勾线、木刻、制版、印刷、人工彩绘、装裱。

4．教师在最后的总结中应强调：随着社会的发展和传统习俗的改变，传统手工制作的木版年画逐渐被现代印刷品所取代。我们应从传统的年画文化中汲取营养，加以创新，以适应现代社会生活的发展，为民族文化振兴找到源头活水。

简述工艺美术的特点篇5

具体而言,舞台技师工作的双重性,又表现在以下几大层面――

一.技术性与艺术性的双重性

舞台技师工作的双重性特点,首先表现为技术性与艺术性的双重性。

舞台技师,顾名思义,技术含量比较高。例如电脑布景制作、高科技道具制作、电子音响设备(电子调音台、功率放大器、限压器、延时数码器、话筒、音筒等)的安装、调试、操纵等等,都是技术性很强的工作,尤其是其中的电脑技术、激光技术、电子技术,都属于现代化的高科技范畴。

与此同时,上述各种技术工作,又不是单纯的技术工作,而是与艺术密切结合、水融,共同为舞台美术服务的,并为整个舞台艺术营造典型环境、渲染舞台气氛、塑造人物的外部形象等服务。显而易见,这些工作又都是属艺术范畴。也就是说,舞台技师的工作是“技”与“艺”的二元组合,并且以“技”为手段,以“艺”为目的,其双重性特征,十分鲜明。

二.传统性与现代性的双重性

舞台技师的工作,具有明显的传统性特点,例如我国的舞台美术,就从最初简单的“一桌,二椅”,逐渐发展为上世纪30年代的“机关布景”、现代化的“大制作”,都是在继承优秀传统的基础发展起来的。又如化妆、道具制作,也多半继承优秀的传统之后,才谋求新的发展。

而现代化的舞台美术,要求舞台技师也必须与时俱进,不断创新。例如电脑三维动画布景的设计与制作、投影技术的运用、激光布景的“动感效应”等等,都是舞台美术的奇迹。人们愈来愈明确的认识到:现代化的舞台美术丰富的手段,使得舞台美术出现了“只有想不到的,没有呈现不了的。”张艺谋等人指导的2008年北京奥运会的开闭幕式文艺演出,可视作广义的“舞台艺术”(即“露天剧场艺术”),其中的“舞美设计”与“舞美设计”,光怪陆离、异彩纷呈,奇迹连着奇迹、妙想接着妙想,打造了现代化的高科技的“新舞台”和“大舞台”。成为现代化舞台美术的经典,其中大量舞台技师做出了巨大的贡献,成为舞台技师的“团体冠军”。

由此观之,现代化的舞台技师的工作,具有鲜明的传统性与现代性的双重性特点。

三.美术性与表演性的双重性

舞台技师的工作,具有舞台美术的美术性特点,这是勿须赘述的。但与此同时,舞台技术工作的美术性,有不同于一般绘画,雕塑、书法、摄影等单纯供人欣赏的美术作品的美术性,而是为演员的表演服务的。所以有人说:“舞台布景是演员的‘第二个家’”;“舞台化妆是演员的‘美容’与‘整容’”;“舞台服装是演员的‘第二皮肤’”;“舞台道具是演员的‘第三只手’”,“舞台灯光是演员头上的‘第二个太阳’”……如此等等,都说明舞台美术的一切,都是演员的附属物,都是演员形体的扩张与心灵的外化。

由此可见,舞台技师的工作,明显地呈现美术性与表演性的双重性特点。

四.台上性与台下性的双重性

舞台技师的工作,还充分体现出台上性与台下性的双重性特点。

例如灯光照明的设计与制作,既要考虑到舞台上的艺术效果,又要考虑到台下观众欣赏的艺术效果。

又如舞台布景的设计与制作,也要做到台上与台下二者兼顾。特别是小剧场戏剧和现代化音乐剧的布景,就搭建在观众席之中,使台上台下联成一体,观众与演员不仅面对面,而且手牵手、心贴心。美国音乐剧《狮子王》(根据同名动画片电影改编)的布景设计与制作,是从前的人们所想象不到的:不仅整个舞台是“动物世界”,而且整个剧场内,甚至剧场外面,都设计成“动物世界”,真正做到了“舞台小天地;天地大舞台”。其台上台下,浑然一体,你中有我,我中有你,造成天人合一,物我两忘的大意境,实现了舞台空间的最大化。

由此可见,舞台技师工作的双重性特点,还凸显在台上台下的合二为一上面。

简述工艺美术的特点篇6

关键词：视觉心理学；刺绣发展

Abstract：ThehistoryofembroideryinChinaisalmostasoldasthenationgoesbacktoancienttimes，fromthehistoryoftheChinesenationsoonaftertherecord，itistheartofembroideryrecords.BasedonthehistoryofChineseembroideryartofdescription，classificationandotherembroideryartpointofview，onthedevelopmentofChineseembroideryart.Psychologyfromthevisualpointofviewoftheembroideryonthefutureofourartshouldtaketheroadofwhatmadetheoverallproposal.

Keyword：Visualpsychology；Embroiderydevelopment

一、前言

刺绣，古称针绣，是用绣针引彩线，按设计的花纹在纺织品上刺绣运针，以绣迹构成花纹图案的一种工艺。人类对美的感受是与生俱来的，在生存条件极其简陋的原始社会，人们就懂得用纹身、纹面来进行装饰。在有了服装之后，人们便开始在服装上用针、线等物品进行装饰。绘制的图案大都以本族的图腾样式为主。中国传统刺绣的发展历史源远流长，最早可以追溯到殷商早期，在《尚书》中曾有记载说：衣画而裳绣。

二、各个朝代刺绣的特点

周代、战国：简单粗糙，都是用辫子股制作而成，不填充色彩，图案构成严谨，采用各种自然中存在的花纹、鸟纹、兽纹等纹样进行装饰。在图案的结构上非常严谨，有明确的几何布局，并且将动植物形象结合在一起，写实与抽象并用。

汉代：随着各行各业的兴盛，开始注重工艺，图案多样，做工精致。最具代表性的是湖南马王堆汉墓出土的刺绣，它们虽已在地下埋藏了几千年，但出土时仍然精美绝伦，配色、针工都运用得恰到好处。

唐代：开拓创新。做工精细，色彩艳丽。在原有的刺绣技法上又发明出了“平针绣”，这中技法一直为今天所使用。

宋代：是我国刺绣发展的高峰期，同时也有了地域特色。此时的刺绣图案也多种多样，并且有明显的归类：山水、花鸟、鱼虫、楼阁等，使得传统刺绣工艺发展到极致的境界。并且将书画带入手工刺绣当中。

元代：经过高潮的发展后，刺绣艺术逐渐回落。刺绣的审美和功用也逐渐趋于工艺化。同时，发明了贴绫的作法，采用加贴绸料并加以缀绣的做法，富有立体感。

明代：继承了宋代的优点，技巧更加的娴熟，除了使用传统的丝作为刺绣的材料，还尝试着采用其他素材。

清代：发展更加兴盛，诞生了各种地方性的刺绣派别，使得刺绣的地域特征更加显著。同时，吸收外国刺绣的长处，在刺绣中融入了西洋画的特点。使得我国的刺绣工艺更加的繁荣兴盛。

三、四大名绣简述

苏绣：起源于苏州吴县一带带。在事先设计好的花纹和色彩上运针，通过留下的绣迹进行勾勒来取得艺术效果。技巧特点可概括为“平、光、齐、匀、和、顺、细、密”。主要艺术特点：山水绣可以分辨出远近；楼阁能够体现出很强的空间感；人物面部表情较为生动；花鸟的亲昵之态。苏绣的仿画绣、写真绣其逼真的艺术效果是名满天下的。

湘绣：起源于湖南民间。与其它绣品不同，主要用真丝丝线在真丝织物上绣制图案早期湘绣以绣制日用装饰品为主，以后逐渐增加绘画性题材的作品。其构图严谨，色彩艳丽，使用多种针法进行表现。同时它还巧妙的将我国的传统绘画、书法的融为一体。充分的发挥了刺绣的表现力。

蜀绣：来源于四川成都一带，主要题材有题材内容有山水、人物、花鸟、虫鱼等。至少有100种以上精巧的针法绣技。品种有被面、枕套、屏风等。由于一定的地理及文化因素，逐渐形成了严谨细腻、光亮平整、构图疏朗、浑厚圆润、色彩明快的独特风格，且针脚细腻，形象生动富有立体感，具有浓厚的地方特色。

粤绣：在广东一带，历史悠久，相传于少数民族。用线多、色块明，多用金线。画面布局满少有空隙；图案繁多，显得热闹紧凑；场面热闹、用色富丽、对比强烈、大红大绿而著称。粤另一个独特现象，就是绣工多为男工。在材质上选择用孔雀毛绩或马尾缠绒作线。刺绣的题材常为当地的一些特产。

四、现今中国刺绣所面临的发展趋势

文化，作为每个国家和民族的特征，对人类的生存和发展有着深远的影响。对于不同文化的；但怎样才能在众多的文化中找出自己文化的特色呢。这就需要着多方面的努力。

一个民族的发展，是否具有明显的地域性特点尤其重要。拥有自己的特点，才不会在众多鱼目混杂的市场竞争中被淘汰。所以现代艺术设计，也尤其要注重自身的发展特征。在视觉心理学中，这一点尤其重要，一件工艺品能不能在第一眼就进入人的眼球，完全取决于它是否有很强的视觉识别性。

刺绣的发展亦是如此，从刺绣的历史、发展过程以及种类来看，我国的刺绣图案可以看做是具有民族特色的工艺品之一。就如同上面叙述中的四大名绣一样，都具有明显的民族地域特点，使得大家一看到便能识别。

1.将具有中国代表性的东西引入其中。

刺绣的表现手法多种多样，怎样才能使中国的刺绣在装饰上占有重要的地位？我认为，最重要的就是要体现特色。对于中国刺绣来说，它依托了几千年的历史文化，具有丰富的文化底蕴和民族性。所以，我们面临的主要问题就是怎样更好的表现出中国传统刺绣民族性的特色。

为了更好的发展中国的刺绣，必需使其具有很深的民族文化的气息。中国的传统文化源远流长，在刺绣的图案选择上，可以不仅仅局限于动物，花鸟等具象图案的。例如，可以将具有中国特色的传统建筑融入其中。也可以将传统的中国画引入其中。总之，提倡代表性，民族化，并不是说简单的将中国传统化的东西直接引入到刺绣工艺中来。而是要深入的了解中国文化的内涵，将中国传统文化的内涵深刻的在刺绣作品中体现出来。

2.更加强调其地域性的特点。

设计上的地域性指的是在设计上吸收了本地的民俗文化等文化特色。在一定程度上，地域性比民族性的概念更加狭窄，但如果使用的恰当的话则能更好的体现出该地域的地域特色。

地域性形成的主要因素有：地理位置、自然气候、风土人情、民俗礼仪等，应该在刺绣图案及色彩的表现形式上很明显的体现出来。达到人们一看就可以清楚的判别它们是出于哪个产地。

在引入地域性的同时，也应当注意到：地域性不仅仅是对当地民俗特色、风土人情简单的引入与抄袭。在引入的同时要与现代人的审美标准结合起来。使得其既有民俗的体现同时还能不落俗套。

就如同四大名绣一样，目前，四大名绣的特点还不是十分的显著，仅仅是内行人才能看到它们的不同，应该做到外行人看到后就能很清楚的区分出它们的区别。

3.注意刺绣作品中“意境”的表现。