雕塑的艺术风格篇1

漫话人类雕塑发展，大致可以分为三个部分：史前雕塑、古典雕塑、现代雕塑。史前雕塑的时间漫长，其演变反映史前人类文化逐渐丰富的过程，在这一时期没有明显的地域性分别，所以它标志着整个人类文明的最初探索，而并不单一的代表某一民族。古典雕塑时期是各民族自身文化的形成时期，它直接反映出了不同时代和不同地域所产生的文化的差异。此时的雕塑逐渐从人类的共性中独立出区域文化的个性，并且形成不同的传统，不同的地域，不同的民族依照各自的传统继承、发展和演变。这一时期在西方主要是指从古希腊古罗马文化的形成到十九世纪末现代雕塑的出现为止。在我国主要是指从殷商文化到“五四”新文化运动。西方雕塑发源于古代希腊，古希腊人重视人体，将神塑造成完美的有血有肉的人。他们崇拜神，也崇拜和神一般完美的英雄――战士与运动家。为他们塑造供人膜拜瞻仰的偶像和纪念像。就要努力模仿再现自然，写实性极强，成为一种纯粹的雕塑艺术。而中国古代社会的制度、文化、哲学与宗教，都不同于古代希腊。中国远古时期重礼教，尊鬼神，艺术重心倾向于工艺美术，在礼器、祭器上发挥艺术想象，并且同样也形成传统，影响深远。雕塑语言精炼，这是意象性衍生的另一艺术特点，具有明显的绘画性。中国古代雕塑始终没有西方雕塑的造型术精确地塑造物象，而多从感觉和理解出发，像中国画运用线条，简练、明快，以少胜多而又耐人寻味，常常给人运行成风、一气呵成、痛快爽利的艺术享受。

现代雕塑再传承中华民族优秀之外，吸收了西方雕塑的造型艺术精确塑造物象的特点。现代雕塑时期雕塑艺术的形式呈现出多元化局面，民族性和区域性特征已不再明显，雕塑以艺术家张扬自身个性为特征，艺术的地域性和民族性差异逐渐被消解。现代雕塑主要是指从十九世纪末至今。中国艺术，包括中国雕塑之所以能一枝独秀地屹立在世界艺术之林，全在于它有着与众不同的许多特点。这些特点是世界所承认和尊重的。

如何评价一件作品的优劣，首先要从“三性”入手，即思想性、观赏性、艺术性。好的作品要有思想，所谓思想性，就是作品要有主张，是对文化的弘扬和传承，是作者思想的火花与观众心灵的共鸣；艺术是发现美、创造美，艺术是源于生活，而高于生活。所谓艺术性是艺术创作的个性和独特的风格，自成一体，独一无二且弥足珍贵，能在众多作品中脱颖而出、特立独行并永留心中。以上三者关系就好像人的精、气、神一样，互为一体，相辅相成，缺一不可，它们共同支撑了整件作品的灵魂。

雕塑的材质可分为石材、金属、综合材料三大类，比如：历史题材、粗旷的风格，大多采用花岗岩：女性题材风格细腻的采用汉白玉、大理石：青石传达古色古香的意境；金属类的钛合金、彩钢材料主要用在悬空造型，作品形式偏现代风格的作品中，营造出轻松、欢庆、喜庆、现代、时尚的语调；青铜表达厚重，突出历史、展示细腻，尊贵的金属感，适用于细腻和透空的造型。材料是艺术的载体，与作品气质、氛围、契合，它们各自独有的质感、色彩，表达传递了粗犷、细腻、厚重、喜庆、温暖、冷峻、圣洁的语境，成功的作品是创意与材质完美匹配、浑然一体。

每一件成功的雕塑都是所在地域的文化渊源和艺术家风格的融合。它点醒特色、风格这些抽象的具象的或非物质的文化以雕塑语言，立体、直观、全方位地展示于空间中。它的独有性，注定成为一个地区的标志。雕塑的建树如同在装修好的房间添置一些艺术品，起到装饰和表达房屋主人艺术追求偏好的作用，赋予家的艺术气息及文化趋向。雕塑装饰了公共空间、万千家庭，它也创造了历史。我们游访古代帝王陵墓总能发现雕刻精美大气的石雕瑞兽、辟邪等雕塑，陵墓内也有大量展现墓主人生活场景的陶俑等陪葬品，在历史博物馆珍藏着各个朝代大量留存的雕塑，这些雕塑品就是古人留给我们的雕塑艺术品亦是文物，我们当代创造的雕塑精品，亦会成为留给子孙的精神文化遗产，他是一个历史时期的文化信物，是国家和民族的文化基因链。举世闻名、西安人以为傲的秦兵马俑，就是古代雕塑精品的代表。雕塑的材质具有良好的耐候性，适合长期保存的特性，决定了艺术家选择用雕塑来承载一段历史时期的文化风貌，

接下来再谈谈雕塑作品常见的两种类型。

雕塑又分为圆雕塑和浮雕两大类别。圆雕是三维立体的。观众比较容易理解。浮雕是对空间的压缩利用光影变化来展现立体空间的艺术形式。比如大幅的有在城市建筑室外墙体上或室内大厅正面和两侧的墙体上安放。小幅的有我们常见的钱币和各式纪念像章上。也有浮雕为大背景，依次设计有低浮雕、高浮雕、过渡到圆雕的艺术形式，用来营造气势恢宏的场面，在圆雕上也有雕刻浅浮雕或透雕的艺术形式，强化和丰富了艺术的表现手法。

“大花马”、“朋友”、“萌”三件作品有陕西文化特征，突显当代语境。作品“大花马”的造型为小男孩兴高采烈，高举小手，骑在马背上，马儿低首扬蹄，上下互动和谐、情绪激昂，好像小木马通了人性，雕塑表面艺术效果为暖色调，色彩斑驳，浑然一体。作品吸收传统陶器的造型特征，采用陕西民俗语言，与儿童形象的质朴、率真、童趣犹如浑然天成。如一直就在身边，又仿佛笑声、马蹄儿、铃儿声，从遥远处渐渐传来……。作品有陕西文化基因，又有作者独特的艺术手法和当代的审美特征，展现了陕西元素、中国元素――中国姿态：作品“朋友”的造型是小绵羊和背上的鸟儿，采用夸张、变形的艺术手法，吸收陕西花馍、面塑的造型，生动可爱、色彩艳丽、明快，突出了欢快的氛围，给观众似曾相识，又耳目一新的视觉享受。作品突出喜庆、祥和的语境表达人与自然和谐共生，欣欣向荣的景色：作品“萌”的造型是小孩坐在棋盘上，神情专注地看着象棋的瞬间动作，作品采用写实的艺术手法，表现一个新生命第一次关注象棋、棋盘，是好奇、兴趣，还是无尽的联想。传统文化与我们终生相伴，它是中华民族共同的精神家园。作者敏锐地捕捉了生活场景，发现了新生命与传统文化相遇而产生的美感和深刻含意，从而感动了自己，进而感动了观众。三件作品，分别以传统文化、民间、民俗文化为切人点，创意当代语境，那是传承与创新的同时融人时代精神和风貌，提示大家关注传统文化。三件作品异曲同工，传达了“创意自然、绿色时尚”的主题思想。在观众欣赏美的同时，心灵涌动的那一刻，艺术工作者的灵魂与观众产生了共鸣，那就是要热爱生活、热爱和谐共生的理念。

雕塑的艺术风格篇2

关键词：陶瓷雕塑；现代；艺术特点

1现代陶瓷雕塑创作的现状

陶瓷雕塑作为中国艺术史上的重要组成部分，其变化发展与民族文化、宗教文化等都有着密切的关系，它淳朴、雄浑、稚拙的艺术风格和飘逸、淡泊、天真的美学风范，是其他艺术所无法取代的，在此过程中，形成了中国艺术世界里具有独特气质的艺术脉络。

在现代，尤其是当代，陶瓷雕塑有了新的重要发展。这种发展一方面是创作题材的范围广泛，另一方面是创作技巧的创新。就陶瓷雕塑的题材来说，除民间流传较多的传统宗教人物、宗教故事、神话传说及吉祥形象之外，范围有了极大的拓展，如现代市井生活、动物，甚至紧跟时尚潮流的人物及事物，等等。而原有的题材也随时代变化在形象上有所改变。在陶瓷雕塑工艺技巧方面，也有重要的发展，体现出现代生活的新意识和新追求。创作中，艺术家们更注重材质特性呈现的美，注重手感自然痕迹的效果，他们借助新的工具，在创作中开创了制作手法的新规则，通过不同的成形手法，如：撕、打、卷、拉等来表现，在釉色上的处理方面也不断地进行探索。无论是选材的创新还是工艺技巧的创新，其最终都会体现在陶瓷雕塑的造型形式上。因此，呈现在我们面前的陶瓷雕塑的艺术特点便足以说明以上几个问题。

2现代陶瓷雕塑的艺术特点

有研究者将现代陶瓷艺术的特征总结为“形象的单纯性与概括性的统一”（物象的单纯、动作的单纯和关系的单纯），“形象的完整性与静穆性的统一”，“视觉形象性与心灵性的统一”等，这也从一定意义上表明现代陶瓷雕塑艺术所具有的新的创作意识，它体现在这门特殊的艺术创作过程及其成果中，标志着现代陶瓷雕塑艺术品格的进一步提高。这些特征通过对以下几件现代陶瓷雕塑作品的分析便可以更加具体地体现出来。

不论是古代还是在现代的陶瓷雕塑中，人物题材始终占据了很大一部分，成为艺术家们的宠儿。

以姚永康教授的作品《世纪娃》（见图1）为例，这一作品具有鲜明的时代特征。从题材上看，其并非具体的宗教神话人物，也不是有史可寻的伟人，只是一个概括的孩童形象，但正是其身份的不具体性使得作品本身的象征意义更加广泛；从工艺技巧上看，该作品运用了上文所提及的现代创作手法：撕、卷、拉等，使作品的艺术形象打破了传统的必工必整，完美无暇，直白地呈现出更多的创作痕迹，随性而自然，轻松而不失大雅，这痕迹是作品创作的一个组成部分，也是创作者心绪的表达。

除了常见的人物题材，现代陶瓷雕塑中越来越多地涌现出众多活灵活现的动物形象。

以周国祯教授的作品《猫头鹰》（见图2）为例。这一作品给人最直观的视觉感受就是其材质运用的恰如其分，材料的色泽、质感及肌理效果，综合于一身，生动体现了形象本身真实的视觉感受。从创作技巧上看，几个简介的大体面将形象的动态刻画地憨态可掬，竖起的耳朵在空间上给人以上升的动感，使整体的动静对比更加自然。整个作品的点睛之笔——那双直勾勾却炯炯有神的大眼睛，更是足以抓住观赏者的灵魂。这正是现代陶瓷雕塑的魅力所在，并不费细致入微的雕琢之工，却在恰当的位置运用恰当的手法将理想中的形象准确无误地表达出来。

在现代，人们已经渐渐从精致、华丽的艺术过度到自由、淳朴的欣赏风格，而作品本身给人们带来的身心愉悦更是现代艺术消费中的一个重要诉求。

以笔者在景德镇乐天陶社创意集市搜寻到的系列泥娃（见图3）为例。这一系列作品给人的整体映象是小巧可爱。其取材是古代的孩童形象，却结合现代的审美取向，加之丰富的面部表情，使作品具有了很强的感染力。从创作手法上看也是丰富多样的，头部运用模印的手法，而身体、衣服及配饰又采用了卷、捏、拉等现代手法，使具象中又不失生动、自然。

通过上述实例的分析，我们不难总结出现代陶瓷雕塑的艺术特点，大致来说，表现为以下几点。

其一，功用的审美性和雕塑空间的相对自由性。中国最早的陶和瓷塑，大多与相关，其中一部分则是日常生活中的小摆设。所以，它的制作范围，一部分是纯粹的工艺品，例如小型的陶瓷雕塑雕刻，另一部分则是用于建筑装饰的陶瓷雕塑，主要是陵墓陪葬器物。而后。在漫长的历史文化积淀过程中，陶瓷雕塑的审美性渐渐超越了它的实用性。直至现代陶瓷雕塑，审美性成为了主导功用，而且审美取向更加符合现代人追求的自由、质朴。而从陶瓷雕塑的形象体积来说。一类是像庙宇等公共环境中供奉的宗教形象，这些形象的体积一般较为庞大；另一类则是日常生活用品和陈设物，这些相对微小。前一类陶瓷雕塑有特定的空间限制，是为特定场合所制作的，在制作工艺和后期安装等方面都需要根据环境的要求适时做出调整；后一类的空间需求则相对灵活。但是即使像前一类有空间要求的陶瓷雕塑，在制作过程中，也具有一定的空间灵活性。而日常生活中的摆设和工艺陶瓷雕塑更是有更大的自由空间。这种雕塑空间的自由性，充分体现了中国陶瓷雕塑在功能上的特征，它在主导倾向上追求的是陶瓷雕塑品与人的日常生活尽可能接近的功能，而不是脱离这种关系。这也体现出现代陶瓷雕塑意蕴浓厚的生活色彩和理性意识。

其二，写意性和表现性。与传统雕塑相比，现代陶瓷雕塑不重细致的刻画、逼真的再现，而是追求气势和神韵。在上述几个实例中，“因势象形”的艺术特征表现得十分充分。从创作过程来说，艺术家以自己的主观感受和理解来“创意形体”，给人以一气呵成的艺术享受，同时赋予了作品灵魂。这其中，不注重对真实物象的再现，不能等同于艺术手法的缺陷，而是将艺术家对表现对象的理解以更加艺术化的相对自由的方式表达出来，其艺术价值同样不容忽视。简练的雕塑语言，明快的造型，以及变形和夸张手法，都凸现出物象的神韵，耐人寻味。

其三，动态美与平实美的风格。如前所说，现代陶瓷雕塑与传统陶瓷雕塑相比，体现出不同的美学风格。通过创作痕迹明显的自然手法，现代陶瓷雕塑在静态的形象中给观者呈现出动态的视觉感受，给人以充分的想象空间，使得行随心动。而无论是从材质、肌理还是整体的创作风格都更加趋于平民化，真实、自然、不拘小节，这使得大众更容易与艺术家产生共鸣。

雕塑的艺术风格篇3

关键词：雕塑、建筑、美感、装饰

现代主义雕塑出现后，雕塑摆脱了装饰作用的束缚，其自身的形式产生了巨大的变化。雕塑艺术体系完整于对于自身形式语言的探索和表达，更多地融合了艺术观念与情感的内容，而建筑在现代主义出现后注重了对建筑本身意义的探究，在功能与形式的辩驳中逐渐确立了自身的体系与理论。雕塑更加趋向艺术语境的传达，装置与观念艺术的出现使雕塑同绘画的界限日趋模糊，当代艺术背后观念的注入使艺术形式划分不再重要，雕塑这个专业名称也逐渐成为古典艺术的划分，很难指代当代艺术中的某种形式了。建筑则从古典式样的探究转向对功能、技术、文化、美学形式、生态、等综合因素融合研究的综合科学，其体系面临着技术分解后的多元局面。

雕塑与建筑的关系可以分为三个层面去理解和研究：首先是雕塑与建筑的所存在空间的联系，它是一种共生关系。比如希腊神庙上的浮雕巴洛克宫殿中的拟人造景；第二个层面是雕塑与建筑的形式联系，是艺术形式和表达语言的关联，体现在同一时代或风格形式下的共同表现。第三个层面是雕塑与建筑在精神与文化上的联系，即对社会文化的解读与诠释，在这方面联系中人文形态的意义要超越形式语言的关联。比如解构主义的建筑与波普主义的雕塑，有机主义建筑与大地艺术，参数化主义与数字雕塑等。建筑与雕塑的关系表面看貌似相像，其实完全不同，尤其是在现代主义出现后。今天，很多的建筑研究依托于工程技术，建筑教育被列为工类学科，艺术修养成多为基础技能训练，素描与速写辅助手绘表现。随着计算机数字虚拟技术的发展，简单的美术技能训练变得十分次要。建筑设计中的艺术感获取演变为脱离美术的图像与理论关注。艺术与建筑之间的理论研究探索能够起到启发与互补的作用，这也是研究雕塑与建筑联系的实际意义。雕塑艺术在试图寻找具有功能、空间、技术类似的艺术形式时，一定会向建筑倚靠，用来满足雕塑对空间、形式、语言的拓展需求。建筑与雕塑都是以空间表达为主的艺术形式，表现出空间占有、空间视觉、空间影响、空间心理、空间审美等方面的作用。

雕刻是立体的，具有三维空间的，建筑更是三维空间的代表，建筑像一座巨大的空心雕刻品，人可以进入其中并在行进中来感受它。对于空间来讲，一般情况下普遍意义上的小型建筑单体都要比雕塑大出很多，建筑空间主要是指内部空间，外部可称为形态，这相对与雕塑主要指向外部形态空间的特点来说不在同一范畴，建筑与雕塑的空间联系只能在空间划分与感受方面做比较和关联。雕塑的空间就是指雕塑的造型，雕塑是没有内部的功能空间的，雕塑通过造型的变化形成了空间形式。而建筑的空间主要是指建筑物的内部空间，它是和建筑的功能紧密相联系的。建筑与雕塑都是通过一定的空间占有来表现其存在性的，这种对空间的占有无论是大还是小都是由人工创造而成的。建筑与雕塑对形状以外的空间也产生了相应的影响，这种影响主要体现在人的感觉层面上。不同的空间形象产生了不同的空间效果，它直接影响了空间对人产生的心理作用和审美作用。在文化表达方面，雕塑和建筑作为文化载体，表现了哲学思想、艺术风格、社会文化、审美价值等文化特征。在满足了物质功能的要求后，建筑与雕塑作为艺术形式表达了人们在文化思想上的追求和理想。艺术创作和人类的劳动一样，都不是靠本能行事的，而表现为一种自觉的、有目的的行为。人类对美的认知来自于长期的自我意识觉醒中，从进化中总结有利于自身存在的形式到发现探讨自然和意识中的规律，美是从意识的建立当中逐渐确立的，美也由单纯的本能转化为思想的探究。当人们在建造和改变周边的事物时，总是希望满足对审美的精神要求，不管这种意识是本能的还是思考的，都是存在于人所创造的一切物态之中。在雕塑与建筑的形式背后是时代的社会文化和哲学思想在起着主导作用，它反映了整个时代的审美价值和地域民族文化。这种形式是在具体的作品中表现出各种各样的艺术风格。艺术风格是艺术表现的形式特征，哲学思想和文化运动在建筑与雕塑上的直接表现就是它们的风格和形式。一种艺术风格的确立一般总要有两个特点：一，独特性，它有易于分辨识别的形式特征和与众不同的性格，反映着它独有的思想和观念。二，一致性，它的特色贯穿它的整体和局部，直至到每一个细节，很少有芜杂的、迥然不同的异质。不同风格形式的产生不仅是同社会思想和文化精神相呼应，而且风格形式之间也是相互联系的。风格形式之间是一种错综复杂的联系和影响状态，这种在艺术风格形式上特有的关系，是其背后隐藏着的各种社会思想和文化精神互相交织的反映。

当今，建筑与雕塑在特征上表现出物质功能的需求所占据的比例越来越少，思想文化和精神意识的表现却成为重要内容。建筑与雕塑成为文化表现载体的同时，也成为了一种精神诉求的寄托。它们一方面表现出人类对精神寄托的物化，另一方面表现出人对美的精神需求。精神信仰的具体化是建筑与雕塑运用它们独特的艺术语言，使人类所信仰的神灵以具体的形象表现出来，通过艺术的处理满足精神上的需求。通过拟人化的塑造，满足宗教中神话人物的真实性认识，又可以通过夸张变形的手法结合尺度和比例的运用达到神秘、威严的效果，从而满足对宗教的神话作用。在精神性方面，建筑与雕塑创造出来的崇拜、敬畏、纪念、宏伟等感觉为政治权力所运用。

雕塑与建筑是一种艺术形式，它们的创作是为了人们的审美需要而进行的一种精神生产，它们是物态化审美客体的典型形态。艺术作品是艺术家创造性劳动的产物，是一种特殊的精神产品。它不仅是某种技巧的产物，也不仅是有合乎人的感观审美要求的美的形式，更重要的是它传达了艺术家特有的审美经验。所谓艺术家的审美经验，指的是艺术家的精神活动与心灵活动的成果，是人的精神性存在的集中体现。建筑与雕塑的艺术创造是艺术家通过艺术传达方式，把自己的精神与心灵对象化或外化为可以直观的感性具体的艺术形象。以上的建筑与雕塑联系，他们是特征联系的重要内容。

参考文献

1吴筱荣；论装饰雕塑在环境艺术中的应用[J]；桂林工学院学报；2002年03期

2卢小飞；刘瑞；；论雕塑与建筑的关联[J]；美术观察；2008年10期

3肖玮；；论建筑形式的雕塑性发展[J]；装饰；2006年12期

雕塑的艺术风格篇4

关键词：陶瓷雕塑；塑造；写意风格

1引言

作为我国主要传统造型艺术的一种，陶瓷雕塑艺术大量汲取了其他传统造型艺术的精华，尤其是借鉴了许多中国绘画的创作技法，这一点可以从陶瓷雕塑艺术“得其形，不若得其韵”的意境追求体现出来。陶瓷雕塑的写意起源于中国绘画，它讲究手法简练，风格粗犷，完美呈现物象的意态神韵。但是陶瓷雕塑的材质是陶瓷，陶瓷的表面不平，质地硬，不能着墨，只能雕刻，而绘画的材质是纸，表面平整，易着墨，所以它和绘画的创作手法存在差异，因而它的写意风格与写意特征和绘画也是不同的。绘画直接在纸上创作，自然干燥即可，是一种“水”的艺术，而陶瓷雕塑则需要经受火的千锤百炼才能成为具有艺术价值的艺术品，是一种“火”的艺术。陶瓷雕塑的器胚需要经过锤炼，这个过程无法控制，变化形态、失缺、扭曲、凹陷等情况都是无法提前预测的，这种不确定性增加了陶瓷雕塑作品的写意种类。除此之外，陶瓷雕塑作品的题材不同、赋彩手段不同，写意风格也不同。这些因素共同决定了陶瓷雕塑作品写意风格的多样性。

2陶瓷雕塑的写意特征

2.1陶瓷雕塑很好地利用了陶瓷瓷泥的自然特性

陶瓷雕塑需要有技艺高超的陶瓷雕塑创作者，他们对于陶瓷瓷泥的要求会比一般创作者的要求要高。他们能够在进行陶瓷雕塑的过程中随着雕塑手法的改变从而对每一块瓷泥进行纹路肌理分析，从而更加有利于写意特征的表现，使得创作出来的作品更加的精美绝伦。在艺术创作过程中要讲求天人合一，强调物质本身特征，不能随意改变物质材料结构，要准确利用瓷泥的纹路肌理，减少作品发生形变的几率，从而提高陶瓷作品的煅烧质量，使得陶瓷雕塑作品更加具有艺术价值。

2.2陶瓷雕塑使得产品变得更加具有艺术价值

陶瓷雕塑可以很好地利用夸张的创作手法，使得作品化丑为美，陶瓷雕塑家要对自己所要创作的对象有足够的感悟和理解能力，要让大众都能够欣赏作品的内涵。对于文学作品来说，其文学价值就在于“一千个读者有一千个哈姆雷特”，陶瓷雕塑作品的艺术价值也体现于此，不同的观众对于同一件陶瓷雕塑作品的鉴赏观点存在差异。为此，要让公众都能够感受到陶瓷的艺术美，陶瓷雕塑家要向公众传递美的作品，就要让公众都能够用审美的情趣去创作作品。陶瓷雕塑需要经受火的千锤百炼才能成为具有艺术价值的艺术品，是一种“火”的艺术，艺术品要面向公众，就要给公众传递艺术的审美情趣和深层内涵。现实生活中的丑需要有美的艺术品进行参考，陶瓷雕塑家要有好的写意手法，很好的利用简单凝练的手法使得艺术品具有艺术的美感，将丑化为美，用简洁、夸张的造型，彰显陶瓷雕塑的精神，衬托艺术的美感，体现美的情趣。

3陶瓷雕塑塑造的的写意风格

在写意特征的基础上，陶瓷雕塑艺人作为创作者，在创作中无形中就会融入自己独特的生活情感、自己独有的技术手法、独具一格的创作风格。对于一件陶瓷雕塑作品，只有将其“写意”呈现出来，才能形成其独有的写意风格。艺术作品之所以可以亘古长存，永葆青春，就是因为其对于意境的不断追求，对于人们思想的不断抨击，陶瓷雕塑亦是如此。我们对于陶瓷雕塑塑造的写意风格的追求，一般可以追溯到下列三个方面：第一个方面是对于作品原创性的塑造；第二个方面是对于创作题材的精挑细选；第三个方面是不同设色赋彩手法的巧妙应用。

3.1原创性塑造

在陶瓷雕塑塑造中，一味地模仿是不会得到人们认可的，只有原创性塑造才值得人们称赞。那么什么样的作品才能称之为原创性塑造呢？这是由两方面决定的，一方面指的是创造者在塑造一件作品时，不需要刻意追求鹤立鸡群，只需要融入自己的创新思维，融入自己的内心想法，遵从自己的内心即可。另一方面指的是注重利用自己的双手，用双手创造价值，致力于呈现人类的勤劳与大智慧，升华作品的“形”，进而提高作品的艺术价值。传统陶瓷创作中，先是做一个石膏模型，然后注浆，批量生产胚体，然后将分体用泥浆依据样品粘结起来，再利用锉刀等工具完成修复，制成成品。在上述修复过程中难免会使得陶瓷雕塑不够圆润，棱线受损也比较严重，而运用手工制作可以很好地避免因操作不当而造成变形走样的情况。因为手比较灵活，容易控制力度，在处理凹凸起伏的纹路肌理、线型折叠等问题时有很大的优势，进而棱线、轮廓的体积感更为浓重，更能带给人美的享受。手工创作带来的美感在后期制作中可以得到完美体现，而在前期制作中创造性思维的巧妙运用才是决定写意风格的主要因素。

3.2题材选择

同文学作品有异曲同工之妙，陶瓷雕塑作品创作题材不同，其体现出来的写意风格也是有所差异的，即使是由同一创作者所作，写意风格也大有差异。因为相同的材料其艺术语言是相同的，技法上也大同小异。不同的创作者选择的题材存在差异，物是死的，但人是活的，每个人的生活经历必然不同，因此只要依照内心，其所选题材也是有不同之处的，因而也会形成千变万化的写意风格。比如，有的创作者以表现日常生活为主题，返璞归真；有的创作者以表现鸿鹄之志为目的，大开大合。而且在同一创作者的不同生活时期，写意风格也有所不同。这些因素都是形成写意风格千变万化的主要因素。

3.3设色赋彩手法的运用

陶瓷雕塑的设色赋彩手法一般有浓妆淡抹和返璞归真两种。设色赋彩手法在很大程度上决定着陶瓷雕塑作品主题思想的体现。“返璞归真”就是以陶瓷涩胎的色质肌理纹路为主体，不添加任何彩釉，使得作品朴素自然。“浓妆淡抹”则是凭借高温窑改变釉彩自然流动的肌理，使得作品浑然天成。美的陶瓷雕塑品，青釉温润如玉，静雅思听，从它们都很容易看出，设色赋彩手法是写意风格独特性的关键性因素。

4结语

本文首先多角度介绍了陶瓷雕塑的写意特征，然后在此基础上，从题材的选择、设色赋彩手法、瓷泥特性等三个方面深入探析了陶瓷雕塑的写意风格，并且渗入了自己对于陶瓷雕塑写意风格方面的原创性看法。陶瓷雕塑的写意特征与写意风格丰富多样、与时俱进，创作手法理念的革新换代，而且观众的审美情趣也会很大程度上影响其写意特征及写意风格，为此，陶瓷雕塑创作者要深入生活，看透社会，在陶瓷雕塑写意上加深研究深度，加大研究力度。

参考文献

[1]孙燕明，郭立.陶艺雕塑塑造的写意风格[J].中国陶瓷工业，

2007，02：55～56.

[2]陈明智，陶瓷雕塑的写意特征及其写意风格研究[J].艺术科技，

2013，02.

[3]陈在梅.浅谈陶瓷雕塑形与神的和谐统一[J].中国陶瓷，2012，11.

[4]何芹，解君.现代陶瓷雕塑的写意特征[J].美术大观，2008，11.

雕塑的艺术风格篇5

关键词：雕塑艺术；装饰元素

人类文明历史源远流长，纵观其发展雕塑比绘画、建筑、工艺美术的历史更加悠久。原始人类雕石器、塑陶器、创造出各种立体形象，这便是雕塑的起源。早在石器时代，他们就已将石器的功能性与形体的美学认识结合起来，并不断地提高对材料的认识和改进。在博大精深的中国艺术长河中，雕塑艺术一直与人们的社会生产与日常生活息息相关，它既反映了一个国家和人民物质生活水平，也传承着一个民族的文化内涵和精神气韵。

从中国传统的雕塑来看，其表现手法上多有在装饰美方面进行考虑，既有具象的造型形象，但又不是对客观物象完全的再现，运用变形夸张是其主要艺术手法之一。

那么装饰艺术与雕塑艺术又有什么样联系呢？首先，“装饰”并非单纯指表面的修饰，而是实用与美观、内容与形式、价值与审美诸多方面的统一，绝不能将“装饰”片面狭隘的理解为“纹样”和“花纹”之类。雕塑艺术中运用或吸收装饰性艺术形式特点创作的艺术作品，通称为装饰雕塑风格。装饰风格的雕塑其内容特点是侧重欣赏性。其形式特点表现在造型上有一定幅度的图案化夸张，一般不强调三维空间的真实光影和透视等因素。在艺术创作时将造型、色彩、材质、构图等形式的装饰元素附于雕塑语言之中，便形成极强装饰意味的装饰雕塑。装饰元素在雕塑艺术中的运用，大致可分以下几个方面：

1单纯、意向化的造型

装饰元素具有一个普遍特点即在造型上具有单纯化、意向化的造型特征。

造型的单纯化主要表现为造型的概括化处理。大胆取舍，省略无关紧要的细节、琐枝，突出造型对象最典型的部分，进行高度的提炼概括。另一方面十分注重以形态语言表现造型的样式，纯艺术化的造型形象，简练生动。运用不同的线条组成的纹样图形是装饰元素中重要组成部分，通过造型语言中“线”的曲直、长短、轻重、缓急、粗细、疏密等变化。既表现了对象的形体结构又能够表现空间及质感，从一定程度上也体现出了绘画者的情感，从而形成其独特的装饰风格。

意向化的造型主要指造型上在审美主观倾向驱使下的艺术处理，是为强调对象的主观化特征，在对客观对象充分理解的基础之上，加入创作者强烈的主观感情与丰富的想象力，对造型的处理可扩大缩小、拉伸、变细、加粗等艺术处理，使其形象更富有情趣，增强艺术感染力。画面中的人物、动物等不同装饰形象，在变形风格、程度上都不求写实和模拟对象，其源于自然而又高于自然，“妙在似与不似之间”、“随心造型”，在创作中不受客观世界局限，而常常是根据主观理解或理念对自然物象进行分解、重组、概括、取舍、夸张、变形，创造出全新的形象，如龙、凤形象（如图1）。

著名艺术家韩美林先生的作品很多都是雕塑与装饰元素运用恰到好处的典范，他长期从事装饰画研究，并对雕塑艺术抱有极大兴趣，从平面绘画走向立体雕塑；形成了自己的一条特色之路，代表作品《金马骄嘶》高8米，紫铜金锻造（如图2）。作者吸取中国古代传统石马上的装饰元素使整个雕塑“健美、洗练、造型完整，线条挺拔流畅，基调豪放激昂”。特别是在马身上开凿的两个圆孔与整个造型十分协调，加强了雕塑的装饰性，

这是借取中国民间剪纸和皮影中的装饰元素融会其中，使其具有明显的中国传统装饰特征。此外还有坐落在大连老虎滩的《群虎》大型装饰雕塑，其形象吸收了商周时期青铜、玉器上的造型，以立体形式呈现给观众，突出表现传统艺术中雄浑壮阔之美、阳刚之气（如图3）。他的作品大多都充分继承发扬了传统文化艺术的精华之美，充满了装饰美。

2强调形式美

所谓形式美就是在特定环境中，将符号、形象有序的组合，构成形态的和谐与冲突，揭示富于节奏和韵律的造型及构图规律，用其强烈的形式感来表达人的观念，具有极其强烈的意味倾向以满足人们的情感或心理的审美要求。通常情况下，正三角所示的形象语言就是崇高、稳健、坚不可摧，倒三角则显示出危险、压抑和不安的情绪；圆或球的形式语言就是圆满完美；直线提示挺拔、刚劲有力的形象；曲线则是优柔、舒展、自由的感觉。这些只是一些常见形式。在雕塑艺术创造过程中还应依据具体环境，社会层次、自身知识、经验、价值观、宇宙观等加以理性研究、不断丰富和强化形式美感和内涵，使其达到内容与形式的统一。

我们将写实雕塑归为对自然的模拟。将抽象雕塑作为一种形态和观念。装饰性雕塑则是对悦目形态的创造。一件完整的雕塑作品无论什么风格，都在表现、解释一种文化或精神内涵，而装饰雕塑则乐于追求一种形式美感，为大众所青睐，是充满群体性、设计性的、它的表现形式就是由其外在形式决定的，这就决定了其规律和特征。它正逐步地走进城市空间，具有旺盛的活力，它以简单的形式来诠释自然的特征或复杂的世界。装饰雕塑就是纯艺术化的形式，它更加注重于形式美的变化，追求大的动势倾向，简洁、洗练的形体韵律、节奏。其目的是为满足公众心理要求，是空间的精神补充。人们强烈、单纯化的现代意识，激起了强烈、单纯化的追求。

现代建筑的几何化和高度整体化，高度概括化，使人们逐步认识到昔日某些具体情节和太过庄重的题材性雕塑已不能够与现代化的建筑相适应。艺术家们从空间构成的原则出发，现代雕塑作品，以一种造型独特，大幅变化的手法与建筑体的大平面配合，以其最简几何形的形态来体现形式感和情感。置放在澳大利亚墨尔本文化中心建筑草坪上的装饰雕塑，用不锈钢弯曲后焊接起来，没有特定的主题思想，只是与建筑风格迥然相异起到对比效果，以建筑之“方”衬托雕塑之“圆”，以建筑物之实体来反衬雕塑的透感。这种运用线的大跨度弯曲、体现出强有力的内在张力，这种形式美大胆而优雅、活泼、浪漫，能够唤起对“力量”的联想。

3非写实色彩的运用

对于色彩，装饰艺术强调主观情感表现。色彩运用上不拘泥于对自然界真实色彩的摹拟和再现，而是重新设计色彩，以一种理性的色彩表现形式或一种抽象的文化观念来表达。

上世纪60年代初，有人在雕塑上涂一层颜色，被称之为创举，这是因为作品体积是可视的，一经加色，明暗对比就集中到整体的关系结构上去了，从而丰富了人们的视觉美感。就功能而言，其有助于整个作品的视觉整体感，色彩加强了其可视度，这是美感的需要。这是反传统雕塑作品的特点之一，其形式归结起来，有以下几种类型：

（1）自然物色彩。自然色彩美是材料最本质之美。可以说每一个雕塑家在选择材料的同时，对自然的色彩都有所追求；材料的自然色彩在雕塑作品中起着不可忽视的作用，材料的质地美与色彩美设计是现代雕塑的重要特征之一。

图4红孩儿

（2）人工着色。雕塑家们在雕塑作品的色彩效果追求中，直接将各种所需颜色涂在雕塑上，涂料在雕塑上改变了其材料自身的性质，材料的本质变得模糊而居从属地位，从而使其视觉上的个性愈加鲜明。同时利用涂料对材质进行再创造，也强调了人为的力量和创造力，现代雕塑色彩观念已占有重要的地位。如福建雕塑家陈文令的《红孩儿》系列作品，引起很大的反响，在繁复的现代社会生活中，一种单纯的色彩却成为一种“符号”，制造了强有力的视觉冲击力和整体形式感（如图4）。

（3）环境与光学的利用。雕塑中采用极度磨光的金属和玻璃等，不仅是表现金属或玻璃的材质美，同时也是利用其具有镜子特征，作为一般反射物，以映衬出环境的自然色彩，已达到一种让人耳目一新的独特效果。

在雕塑上涂上色彩，无疑是一种进步，雕塑作品在借助生动的色彩语言和象征意义手法，表达强烈的感彩和现代感。

4多样的材料

材料本身特有的颜色、质感、功能性就具有某种倾向的装饰性。材料在一定程度上限制了形式的制定，但装饰雕塑更加强调使用材料的灵活性，不受约束地研究其形式语言，思想自由驰骋，利用现代科学技术和美学观念创造新的艺术形式。

现代装饰雕塑中早已不局限传统的石、木、铜、铁等材料，而是运用各种新的材料充分体现材质的肌理美，从材料的角度考虑其表现力，形态的把握。当今，高科技材料、技术的广泛采用，利用声、光、电来活跃环境，使装饰雕塑广度和内涵达到一个更高的阶段，科学与艺术结合起来，创造更新的，出人意料的作品，现代的表现手段在空间构成中具有很重要的地位。例如风动或声控水流雕塑，光感效应雕塑等等，近些年兴起的娱乐性沙雕和冰雕也包括其中。

雕塑艺术正在发生着一场巨大的革命，这场革命将无疑地革新了人们的空间构成意识，一个更加现代化的空间领域急待我们继续探索、研究。

5理性的、图式化构成形式

装饰浮雕作品与装饰绘画特点大多相同，构图既有中国传统的散点透视，也有西方现代绘画立体主义的元素，极其重视画面的理性分割，这种图式化的分割构成，主观自由地以程式化和形式化的方式设置艺术形象。在装饰性浮雕中集焦点，散点透视与西方现代视觉艺术的成果，自如地将昨天、今天、明天、古代、现代、未来的事贴切的放在一起，将发生在不同场合、地点的事物并置在一起，一目了然，创造一种新的视觉世界。

装饰元素在雕塑艺术中大量的运用，使其逐步迥然于具象和抽象雕塑。其独特的风格使人赏心悦目，形象的象征性和内涵给人以更多美的联想。因此，装饰性元素在雕塑艺术中的运用必须更多考虑其文化含义和审美含义，在现代艺术作品中，越来越多的吸收装饰性元素，这是一种令人鼓舞的趋势。装饰雕塑设计中，除了要体现视觉需要的形式美，还要恰当运用传统装饰元素的文化定式，进一步强化主题，使其更好地服务大众。随着艺术家对现代人心理状态的不断深化把握以及艺术家自身无限的创造力，21世纪的雕塑艺术将进入一个崭新的时代。

参考文献：

[1]高阳.中国传统装饰与现代设计[M].福建美术出版社，2005.

[2]张燕根.装饰雕塑[M].广西美术出版社，2003.

[3]朱和平.中国工艺美术史[M].湖南大学出版社，2004.

[4]许华铛.中国传统泥塑[M].人民美术出版社，2005.

[5]钱绍武.百年丰碑——20世纪中国城市雕塑[M].江西美术出版社，2004.

[6]梁城思.装饰人物与装饰画创作[M].吉林美术出版社，1998.

雕塑的艺术风格篇6

关键词:雕塑；差异；中西方艺术

中图分类号：J301文献标识码：A

文章编号：1003-9104（2007）03-0079-03

如果说历史是人类谱写的一部气势宏伟的交响曲，那么雕塑艺术就是其中一部精致而独立的乐章。雕塑是造型艺术种类中最早出现的重要的艺术表现形式，也是建筑艺术以外的另一种表现实体空间的艺术。雕塑是有三维空间的由人类创造的存在于实际空间的立体形象。像米开朗基罗的《大卫》、罗丹的《思想者》、中国的四大石窟、兵马俑等都是极具代表性的作品。雕塑永远表现动态，甚至完全静止的雕像也被看作具有一种内在的运动，一种不但在空间、也在时间上持续的伸展的状态。人们可以从这一瞬间的造型中想象静态向动态的转变，想象行为的连贯，持续的活动过程，从而体味出它的活力和精神，体味出它的冷冰冰的物质材料后面的体温和感情。雕塑是可视的、可触摸到的并能反映一定意识形态及较高审美意义的实体。雕塑艺术是世界艺术宝库中一颗璀璨的明珠，也是根植于自己民族传统文化土壤上的一颗常青树。

在人类的文明史上，东方文明与西方文明是两大最鲜明的文明。尽管两者都产生于奴隶制和封建制这同一种社会基础上，都受制于人类思维发展和文化艺术发展的一般规律，但由于社会历史条件、文化传统、民族审美心理的差异，故而在雕塑艺术上形成两种各具特色的艺术风格。

一、题材差异

中国社会是一个农业社会，中国田园牧歌式的乡村文明，使人与自然及生态系统始终保持着和谐的关系。因而中国早期雕塑题材以动物为主，《四羊方尊》、《莲鹤方壶》等就是其中的杰作。自佛教传入中国以来，宗教佛像也成为中国传统雕塑的表现对象之一，最有名的当推云岗石窟、龙门石窟、麦积山和敦煌石窟这四大雕塑群，此外还有大量的寺庙造像。同时在中国厚葬习俗的影响下，君主及达官贵族大势修造陵墓及陪葬品，使得陵墓雕塑成为中国雕塑艺术上的又一珍宝，最具代表性的就属秦始皇陵的兵马俑。

对比之下，西方的社会基本上是一个宗教性的商业社会，城市化的生产培养了西方人的外向性和冒险性的性格，再加上海上，陆路交通发达，同东方交流广泛，这一切都有利于科学、文化和艺术的发展。神话传说是两方雕塑题材之一，如希腊人认为每一种自然现象都是神的力量显现的结果，人和神是同源的，神就是人最完美的体现，神同人一样有血有肉，有喜怒哀乐。不同的是他们长生不老、神通广大而已。就在这样一个环境下产牛了关于缪斯、阿波罗为主神及其统率下的缪斯的神话。

对人体美的表现也是两方雕塑家们的又一题材。体育竞技和大型的敬神是古希腊社会生活的一项重要内容，体育竞技大多以身体的方式进行，这也许是为了在竞技比赛的同时显露强悍，优美的体型。这种社会风尚的流行无疑给雕塑家提供了一个很好的观察和创作的环境，给比赛胜利者雕像也成为雕塑家的一项任务。如米隆的《掷铁饼者》。

二、精神追求上的差异

在中国人看来，主体与客体相通、感性与理性共融，视“天人合一”为宇宙观核心，相信天人感应、天人相类。这种思想的必然结果即自然的入化和人的自然化，确信人们心中所要抒发的东西，都能在宇宙世界找到相应的事物，并以其恰当的方式表达出来。汉代霍去病的陵墓，墓前有十多件石雕，如马踏匈奴、跃马、卧马、卧牛、伏虎、野猪等。其中最具代表性的就是《马踏匈奴》。为了表现霍去病的赫赫战功，作者别出心裁的雕造出一匹气势轩昂、庄重雄强的战马，马的神情果断沉着，仿佛在时时刻刻警惕着，防止被踢翻在地的匈奴败将挣脱而逃，体现出霍去病“匈奴未灭，无以为家”的坚定意志。虽然没有直接雕造霍去病的形象，但是通过《马踏匈奴》整个作品不难体现他的品格与精神，使人联想到英勇无敌的青年将军，似乎听到击败匈奴的胜利呼声。其它石雕也分别体现出将士们不顾艰险，浴血奋战的英雄气概。

《昭陵六骏》是唐太宗李世民生前所乘六匹战马的雕刻形象，艺术家概括地塑造了六骏的立、行、奔、驰的健美姿态，并显示六匹骏马那英勇而温顺、刚毅又善良的性格。造型饱满剽悍，神韵充沛飞扬，层次转折有力，在外光映射下富于变化，具有节奏感。雕刻的是马反映的是人，象征唐太宗李世民的品格，歌颂了李世民的伟业丰功。

除了表现人的精神品格和功绩外，也成为体现当时统治阶级权力的载体。例如清代十三陵，墓前的石象背加鞍鞯，上托宝瓶，头施笼佩，四足平衡，完全依照皇帝的仪仗，其寓意为“太平有象”――动物失去了自身的个性特征和活力，成为皇权的象征。

以上以物喻人，“天人合一”的例子在中国雕塑艺术中举不胜举。而西方则在征服自然的过程中突出了人的意志。西方雕塑的表现题材基本上是以人体为主，就算是神话人物也是以人为衣钵，体现人体的美。每个时代的雕塑家几乎都共同关注人体与精神的统一。如古希腊雕像就是通过人物整体，在单纯与静穆中显示出一种理想的美。黑格尔说过，“希腊民族性格的特点在于他们对直接呈现的而又受到精神渗透的人身的个性具有高度发达的敏感，对于自由的美的形式也是如此，这就使得他们必然要把直接呈现的人，即人所特有的受到精神渗透的躯体，作为一种独立的对象来雕塑，并且把人的形象看作高于一切其他。形象的最自由的最美的形象来欣赏。”①(注：参见［德］黑格尔著，朱光潜译《美学》第三卷（上册），商务印书馆，1996年版，第158页。)

三、表现手法上的差异

雕塑是三度空间的立体造型艺术。雕塑品的实际体量与绘画的虚拟体量从视觉感受上是不一样的，绘画中的虚拟体量要达到雕塑的实际体量是完全不可能的，这也就是雕塑魅力所在，它以各种不同的表现手法带给人的视觉冲击和震撼是其它艺术形式无可替代的。

作为精神的实际存在，西方人体雕塑在“理念”世界的支配下具有了自身的独立价值，它不是凭借自然景物的烘托，而是凭借光线与阴影的变幻以展现形体的空间实在性，因此西方人体雕塑是严格意义上的空间艺术，在20世纪以前，希腊雕塑的物理性的立体空间概念，成为西方雕塑家共同参照的范式。

中国美学突出强调情景交融，虚实相生，艺术家们共同追求着那种“天地浑溶一气，明暗高低远近，不似之以似之”的境界，营造着“往不复，天地际也”的独特空间。北京天坛的圜丘面对着一片虚空的天穹，以整个宇宙作为自己的庙宇，反映出中国人与生存方式密切相关的时空互渗的空间意识。因而中国的雕塑往往不是以孤立的实体出现的，而是尽可能采用“借景”、“虚实”等种种方式，以求与自然景象合为一体。那些石窟造像多是通过背景热烈激昂的雕绘故事的陪衬和烘托，而显得更加宁静和睿智，从而弥补了独立的圆雕在表现空间容量方面的局限性，构成了一个空间形式包含时间节奏和动感的艺术世界。唐代的帝王陵墓所确立的“以山为陵”的体制，使陵墓、陵前雕刻与自然起伏的山势巧妙结合，令观者“身所盘桓，目所绸缪”，西方那种瞬间直观把握的空间感受在这里变成长久漫游的时间历程。

除了空间表现手法上的差异，中国雕塑以写意为主的表现手法与西方雕塑的写实性表现手法也形成反差。由于中国雕塑很晚才与实用美术真正分离，在漫长的岁月中，雕塑大多只是实用美术的一种装饰手段。装饰不求再现，只追求表现物象，因此形成了中国雕塑不求形似，只求神似的特征。不讲究描摹写实，在塑形上注重写意传神，气韵生动，虚实相生，“神似胜于形似”，这种中国式的美学观念可以说贯穿了整个古代雕塑史，即使有时表现出一定的写实性，也只是比较细微而已，在本质上依然属于意象性造型。正因为中国艺术以表现、抒情、写意见长，追求艺术意境，中国古代雕塑也具有浓郁的东方情调和意境特色。“所以汉代那些女陶俑会有着细柔的腰肢，有着如盛开的喇叭花一样美丽形状的裙裾和翩翩起舞般的拂袖姿态；所以敦煌北朝的彩塑佛像会有着不可言说的微笑，并且在这微妙的笑容中透露着内心的智慧和远离尘世的洒脱风采；所以敦煌唐代的彩塑菩萨会有着如血脉在流淌搏动的肌肤和薄如蝉翼的透体天衣；宋代晋祠的彩塑侍女会有着美人鱼一般的身段。”而我们在欣赏的时候，必须使用我们本民族的艺术标准和审美习惯，才能够真正感觉中国古代雕塑“以形写神”的艺术效果。

而在西方，就雕塑而言，他们建立了人类历史上独一无二的写实性雕塑。这种写实性雕塑风格的产生是由于“模仿说”的明确提出。古希腊的哲学家亚里士多德认为最好的艺术必须“照事物的应当有的样子去模仿”。而模仿是人的“一种自然的本能”。强调对外事物的模仿和反映是发端于古希腊的西方艺术传统。“模仿说”如同一面镜子，反映视觉的真实。如《米洛的阿芙洛狄特》与《大卫》都是对人体的真实再现。并且，围绕着人体塑造，古希腊令创造出一系列的标准法则，如1：7和1：8的人体比例。文艺复兴时期又创立了透视学和解剖学两大成就，有些雕刻家如多纳太罗、米开朗基罗等还亲自动手做人体解剖实验。这些都是为了能更好、更准确的模仿自然，更完美的刻画雕塑形象而服务的。

四、造型手法的差异

中西雕塑艺术家都重视线条的表现力，重视以线条造型为共同的媒介，而西方的用线仅服务于造型。黑格尔认为速写或草稿卓越的表现了画家的天分及其特点，安格尔认为线和形愈简练愈美和有魅力。可见线条对画家的造型所具有的重要作用。对雕塑特别是圆雕来说，线的因素更是不见其痕迹，雕塑家刻意追求的是团块和体积、重视三维空间的立体效果，素描中的线条只是充当表现这种效果所界定的轮廓线。米开朗基罗曾说过，一个好的雕刻作品即使从山上滚下去也不应有一处磨损。中国古代雕塑和绘画都来自于原始实用美术，从彩陶时代起，绘塑便相互补充，紧密结合。中国雕塑不仅吸收了绘画的线条色彩的特点，而且还习惯在雕塑上绘色描线。中国古代长期绘塑不分家，而且对绘画更为重视，因而雕塑具有了明显的绘画性。这种绘画性导致中国雕塑区别于西方雕塑追求团块和体积，因而是线条在雕塑中发挥重要的造型辅助作用。雕塑家“运刀如运笔”，通过富有弹性而又丰富多变的线条，或表现飞奔的情态，如汉代的“四灵”瓦当、龙门莲花洞中的飞天等；或表现不同质感；或表现不同体型；或表现不同个性……。总之这种“净化了的线条”既体现了各自的时代风格，又具有各种不同的功能。行云流水，骨力追风，刚柔相济，状物抒情，充分展示了中国雕塑中线条的灵活性和自由美。

另外，中国古代雕塑还喜好在雕塑上绘色。如新石器时代的彩陶艺术、战国的随葬木俑、汉代的画像砖石，唐宋的“影壁”形式，无不是塑绘与雕绘相结合的产物。晋唐以来的佛教塑像更具有绘画的风貌，莫高窟盛唐时期的彩绘菩萨，设色浓艳华美，体态雍容华贵，生动的表现出盛唐时期的贵族妇女的风度神韵，这种艺术效果充分显示了中国雕塑家的创造才能和民族特色。这与西方雕塑很少设色区别也很大。在这方面，西方雕塑与其它门类艺术之问有着严格的界限以及各自独立的表现方法。从古希腊时代直到20世纪之前，西方雕塑作品很少有设色者，中间仅18世纪法国“洛可可”风格产生时，出现一丛敷彩的建筑装饰雕像，以适应王室贵族的审美趣味和感观享受。但那种净素妍雅。强调光影感的大理石刻雕塑则长期占据主导地位。西方雕塑家大多尽力排除从色彩的优越性中择取绘画的辅助方法。法国雕塑家法尔孔奈说过：“如果雕刻能保留在自己确定的范围之内，它就不会丧失自己任何一项优点；但是，如果它要使用绘画的全部手段，它就会受到失败的威胁。这两种艺术各有各的表现手段，色彩不是雕刻的手段。”

五、材料的差异

雕塑是使用真材实料来实现作者的创作意图的。材料不仅有坚硬的质地，而且也能像色彩一样借物传情，发挥和延伸设计者的思想。如花岗石的坚硬能使人产生出坚如磐石之感；大理石的洁白能使人产生出纯洁无暇之感等等。罗丹的作品大家都熟知，在他的雕塑作品中，可以看到作者彭湃的激情。他那双天才的手用泥土塑造的肌肤下似乎流动着生命的血液，假使没有以能保留住作者手印的青铜来铸造，那么可想而知我们将无法欣赏到这动人的一幕。